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Crítica de Predator: La Presa de Dan Trachtenberg (Disney+)

La nueva película de Predator: La Presa, dirigida por Dan Trachtenberg que se ha estrenado en Disney+ es una vuelta a las esencias del clásico de JohnMcTiernan.

PUNTUACIÓN: 8/10

Ambientada hace 300 años en la Nación Comanche. Naru es una joven guerrera, feroz y altamente hábil, que se crió a la sombra de algunos de los cazadores más legendarios que deambulan por las Grandes Llanuras. Cuando el peligro amenaza su campamento, se dispone a proteger a su gente. La presa a la que acecha y, en última instancia, se enfrenta, resulta ser un depredador alienígena evolucionado con un arsenal técnicamente avanzado, lo que deriva en un enfrentamiento cruel y aterrador entre los dos adversarios. Nueva entrega de la saga Predator. (FILMAFFINITY)

Dan Trachtenberg (1981) es un director de cine y presentador de podcasts estadounidense. Dirigió en 216 la brillante 10 Cloverfield Lane en 2016, que le valió una nominación al Premio del Gremio de Directores de América por Dirección Destacada de un director nobel. Trachtenberg fue uno de los tres presentadores del podcast The Totally Rad Show y fue copresentador del podcast Geekdrome. También dirigió episodios del podcast Ctrl+Alt+Chicken. También el director del cortometraje de 2011 Portal: No Escape, de un episodio de Black Mirror titulado «Playtest» y del episodio piloto de The Boys. En 2021, dirigió el episodio de estreno de la serie de Peacock The Lost Symbol, donde también hace funciones de productor ejecutivo.

Prey cuenta con guion de Patrick Aison y su concepción surgió durante la producción de la anterior película de The Predator (Shane Black, 2018), cuando el productor John Davis fue abordado por Trachtenberg y Aison, con un concepto que habían estado conceptualizando desde 2016. El director y guionista planteaban la película de clasificación R y sin mención expresa a los Predators para conseguir una mayor sorpresa en el espectador, vendiendo la película como «la historia de una mujer comanche que va en contra de las normas y tradiciones de género para convertirse en una guerrera». En noviembre de 2020, se anunció que Skulls (nombre inicial del proyecto), era el nombre en clave de una quinta entrega de la franquicia Predator, que obviamente ya no pudo contar con este elemento sorpresa.

Predator: La presa se rodó en localizaciones en Alberta, Canadá, en 2021. Cuenta con fotografía de Jeff Cutter, montaje de Angela M. Catanzaro y Claudia Castello y música de Sarah Schachner. Tiene la particularidad de haberse rodado en inglés y comanche, ya que al saberse de su estreno en streaming, el espectador puede elegir el idioma del visionado. La película tiene una duración de 100 minutos, que son los perfectos que la historia necesitaba.

Amber Midthunder interpreta a Naru, una guerrera comanche que protege a su tribu contra un depredador. Dakota Beavers como Taabe, Dane DiLiegro como el Depredador, Stormee Kipp, Michelle Thrush y Julian Black Antelope completan el reparto.

Dan Trachtenberg me sorprendió muy positivamente con 10 Cloverfield Lane, una película que siendo su opera primea tenía una alucinante construcción de la tensión que hizo que esta continuación de Cloverfield en muchos aspectos resultara más satisfactoria que la original, siendo películas completamente diferentes. Cuando se confirmó el proyecto y su nombre como director me alegré precisamente porque en Cloverfield vi un montón de elementos super interesante que podían venirle perfectos para crear una película de Predator a la que se añadía un elemento tan novedoso como el situarla 300 años en el pasado.

Trachtenberg explica que su objetivo para la película era volver a las raíces de la franquicia: «la ingeniosidad de un ser humano que no se rinde, que es capaz de observar e interpretar, y que básicamente es capaz de vencer a una fuerza más fuerte, más poderosa y mejor armada». Y este resumen es perfecto y resume un guion muy inteligente que construye la historia para que Naru llegue a un punto en que tenga una oportunidad para derrotar al depredador.

La película acierta completamente al enseñarnos primero la vida de Naru y los guerreros comanches liderados por Taabe, el hermano mayor de Naru. Presa se toma su tiempo en enseñarnos las habilidades de Naru y la forma en que aprovecha una de las normas de los Predators, que es que sólo ataca y caza a aquellos que considera una amenaza, para construir su ataque contra el alienígena. Pero ante de eso, tenemos una ensalada de gore y momentos brutales gracias a un predator con un arsenal de armas alucinantes que nos regala momentos alucinantes. Este es otro de los valores de la película, porque Presa se siente una película de Predator con varias masacres increíbles y escenas super bien construidas con momentos para el recuerdo, pero a la vez y por encima es una historia de superación y del paso de una joven de niña a cazadora comanche por sus propios méritos.

Por cierto, la protagonista Amber Midthunder me ha parecido una excelente elección de casting, con unos ojos potentes y una poderosa determinación para conseguir aquello que se propone. La respuesta de Naru a la pregunta de su madre sobre por qué quiere ser cazadora cuando puede hacer otras labores en la tribu, «Porque todos pensáis que no puedo», creo que puede ser muy inspiradoras a muchas niñas y niños que tienen que enfrentarse a la sociedad que les dice que no pueden ser algo que ellos quieren ser. Y junto a Midthunder, también creo que el reparto es otro de los aciertos de la película.

Aunque la ficha técnica indica 100 minutos de duración, realmente Presa tiene 90 minutos de acción, y la verdad es que es la duración perfecta para conseguir mantenernos en tensión durante todo el metraje. Además, aunque inicialmente tenía la sensación que íbamos a estar ante una película pequeña, realmente ha debido haber un montón de gente de efectos especiales, ya que la tecnología de camuflaje del Predator luce genial, al igual que las numerosas coreografías de acción y los nuevos (viejos) gadgets que usa el predator a lo largo de su cacería, que nos dan también algunos momentos gores super chulos. Obviamente no es una película de 150 millones, pero creo que pueda superar los 50 millones de presupuesto, lo cual hace que sea tan extraño la decisión de no estrenar esta película en los cines y pasarla directamente a Disney+. Es cierto que tras The Predator de Shane Black podría decirse que la franquicia estaba quemada completamente y no estaba claro que el público hubiéramos pagado por ver una película «pequeña» como esta. Pero Presa me ha parecido una gran película.

Tras esta película, creo que a Dan Trachtenberg le espera un futuro brillante, porque la película es un triunfo en todo lo que plantea. Desde conseguir que empaticemos con Naru como elemento prioritario, la construcción de la tensión a partir de las diferentes matanzas que va cometiendo el Predator, la sorpresa de los otros cazadores y el brillante climax final, todo en Presa me parece que está perfectamente planteado y ejecutado.

La película me parece que acierta en la forma en que Naru aprende las debilidades del Predator para conseguir vencerle y en general planteando una lógica interna de las habilidades y objetos que tiene a lo largo de la película, y por supuesto la forma en que los usa. En ese sentido, me gusta que no haga trampas y se invente alguna locura para vencer al predator, lo cual también me muestra a un director y a un guionista (Patrick Aison) como grandes fans del cine de acción y que saben sacar el máximo partido a su historia respetando al espectador que queremos ver una buena película de acción sin que nos deje la sensación de que nos han tomado el pelo en algún momento. En este caso, y casi diría que siempre, me gusta que algo sea lógico y se mueva por los territorios esperables, siempre que tenga sentido dentro de la lógica establecida por la película.

Como digo, dentro de la lógica interna de la película, todo funciona bien, y realmente no se le debería pedir más. Dicho esto, reconozco que durante el climax, no pude evitar pensar, incluso estando todo bien contado, que no me acababa de creer que esta niña comanche por muy bad-ass que la hayan mostrado durante toda la película, pueda vencer al predator como lo hace. Y es que Arnold también le vence, pero recibiendo la paliza de su vida, mientras que Naru le vence ampliamente y casi hasta con demasiada facilidad. Pero eso es un tema mío como espectador, no un problema de una película que plantea muy bien todos los elementos y tiene una conclusión coherente con lo expuesto previamente.

Por cierto, dentro que la película me ha gustado mucho, leo a muchos flipados opinar que esta es una obra maestra del género y la mejor película de Predator de la historia. Y obviamente no estoy de acuerdo, porque si existe Predator es gracias a Arnold y a un John McTiernan que hizo magia y es historia del cine. Esta Presa me parece una muy buena película igual que lo fue Predator 2, pero a la original que no me la toquen. A todo esto, no soy un hater de la franquicia, de hecho, diría que mala mala solo está la película de Shane Black, me gusta mucho Predators de Nimrod Antal, y no entiendo la tirria que le se tiene. Otra cosa son los dos crossovers con Alien, que son ciertamente películas menores, pero no podemos decir que la franquicia de Predator haya sufrido películas «malas» como por ejemplo hemos sufrido con Terminator. Pero esa es otra historia.

Comparto el trailer de la película:

Predator: La Presa es una película estupenda que demuestra que la franquicia de Depredador puede revivir si cuenta con creadores que saben sacarle todo el partido.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Deadly Class Vol. 11 de Rick Remender y Wes Craig (Image Comics)

Deadly Class, el genial comic de Rick Remender y Wes Craig, con color de Lou Loughridge, inicial el final de la serie con un undécimo volumen repleto de sorpresas y saltos temporales.

PUNTUACIÓN: 8/10

Los pecados deben ser expiados, y pocos tienen tantos pecados como los estudiantes de Kings Dominion. Viejas rivalidades llegan a su punto álgido y oscuros secretos se revelan mientras los más mortíferos de la tierra se reúnen por última vez.

Este volumen 11 de Deadly Class recopila los números 49 – 52 USA, editados por Image Comics dentro del sello Giant Generator. Esta costumbre de Remender de publicar tomos con apenas cuatro grapas USA la verdad es que ya no es sorpresa porque lo hemos visto en otros comics suyos como Seven to Eternity, pero para mi significa el mayor pero de este comic. Y es que con un precio de portada de 16.99 US$, Remender tiene que rellenar con casi 20 páginas de extras para poder alcanzar una extensión suficiente para poder justificar este precio. Y el caso es que estos extras resultan muy interesantes, al tener además de las portadas de los comics 18 páginas con el proceso artístico de Craig para dibujar el número 49, que van desde el boceto, el dibujo a lápiz y el entintado. Sin embargo, el hecho que esto lo pone NO por el interés del lector sino de relleno, es algo que queda lamentablemente claro a poco que conozcas como edita Image sus tomos.

Este elemento sacacuartos es sin duda lo peor de un volumen que por otro lado me ha gustado mucho. Y es que no creo que quede nadie que tras comprar / leer 10 volúmenes de Deadly Class no quiera saber cómo termina Remender su historia. A pesar de ser cuatro grapas, la historia hace varios saltos temporales importantes, empezando la historia en 2001, pasando por 2005 y llegando a un 2006 en el que parece que la vida sonríe a Marcus. Quizá ese sea el momento en que más dolerá que sus enemigos busquen arrebatárselo todo. Porque las aventuras en King´s Dominion hace tiempo que ya pasaron, pero los enemigos hechos en esos años de juventud siguen buscando ajustar viejas cuentas. Y teniendo en cuenta el nihilismo con que Remender ha construido este comic creo que el futuro no parece que sea muy halagüeño para nuestro protagonista.

En este volumen no tenemos los clásicos comentarios de Remender sobre música o arte de la época, pero si aprovecha para lanzar unos misiles super certeros en la línea de flotación de nuestra sociedad actual y la dictadura de lo políticamente correcto que quiere dictarte lo que tienes que ver o cómo expresarte. En concreto, Remender en boca de Marcus nos dice:

«- Lucha contra cualquiera que te diga cómo puedes expresarte. No aceptes ninguna autoridad moral.»

«- Si no estás preocupado sobre si no eres bueno, es porque probablemente no lo seas. El síndrome del impostor es útil, te mantiene humilde y trabajador.»

«- Algunos eligen comentar, otros crear. Se del segundo grupo. Ambos serán olvidados, pero al menos uno añadió algo a la canción mientras sonaba.»

Deadly Class se nota que es un comic muy especial para Remender, y me parece una maravilla el nivel de satisfacción que nos ofrece a los lectores viendo sufrir a los protagonistas pero también siendo felices durante un corto periodo de tiempo.

En el lado del dibujo, me gusta mucho como siempre Wes Craig con color de Lee Loughridge. Craig borda los momentos expresivos y es una pasada en lo referido a la fluidez de sus escenas de acción. Junto a Craig, la paleta de color empleada por Loughridge ayuda a enfatizar los sentimientos que cada escena debe sugerir, empezando por el rojo sangre de los momentos más violentos. Dentro que como digo el conecto mucho con el estilo de Craig, en este volumen hay varias escenas de peleas que están planteadas con grandes melés en las que los sicarios son apenas manchas de color alrededor de Marcus y sus aliadas. Esto suele funcionar y suele transmitir una sensación super cinética a las escenas, pero en varias viñetas de esta tomo me dieron una sensación no demasiado buena, como si Craig fuera a lo fácil eligiendo NO terminar las figuras que muestra alrededor de Marcus, lo cual no mola demasiado.

Dicho esto, el final de este volumen lo deja todo preparado para el climax final, y estoy seguro que Remender y Craig no van a decepcionar.

Comparto las primeras páginas de este comic:

Deadly Class está en la recta final, y por lo visto en este undécimo volumen, nos esperan momentos llenos de violencia y dramatismo. ¡Estoy seguro que va a ser apasionante y super recomendable!

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Oblivion Song vol. 6 de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici

Oblivion Song de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici, con color de Annalisa Leoni, termina en el sexto volumen que acaba de publicar Image Comics, y nos han ofrecido un final perfecto repleto de emoción para esta historia de ciencia-ficción.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Hace una década, 300.000 ciudadanos de Filadelfia se perdieron repentinamente en el olvido. Ahora, la historia se ha repetido. Otras tres ciudades han intercambiado sus dimensiones, provocando la guerra final entre los humanos y Ghozan. Los Kuthaal han invadido y la Tierra no está preparada. Nathan Cole puede ser la única persona capaz de enfrentarse a las fuerzas de los Kuthaal, pero ¿será suficiente?

Este sexto volumen comprende los números 31 a 36 de la serie regular USA publicada por el sello Skybound de Robert Kirkman.

Ha pasado un año desde que me llegó el quinto volumen de la serie, y la verdad es que la espera ha merecido la pena. El final de Oblivion Song ha sido perfecto, super satisfactorio y lleno de emoción, y resume a la perfección todas las virtudes de Robert Kirkman como escritor. Su premisa de ciencia ficción es super inteligente y en estos 6 volúmenes han pasado un montón de cosas y ha evolucionado muchísimo la historia desde su inicio.

La narrativa de Kirkman hace que todo se sienta importante porque lo es para la trama, no hay fill-ins ni nada que se le parezca. Y en este climax en el que asistimos a la guerra total de la raza humana contra los invasores Kuthaal, además de la espectacularidad Kirkman guarda tiempo para momentos emocionantes relacionados con los hermanos Cole protagonistas que me pusieron el corazón en un puño. Como siempre en los tomos de Skybound, los comics vienen sin separar las diferentes grapas, y reconozco que el no tener todas las portadas es el detalle menos bueno de esta edición. Pero dicho esto, hay que flipar con la sensación que ofrece Kirkman de que todo es una única historia como si fuera una novela o película en la que no hay cortes hasta que terminas. Unido a que cuando ves donde estaban los finales de cada grapa aprecias la habilidad de Kirkman para crear cliffhangers bestiales que están perfectamente integrados en la historia.

Me ha gustado mucho el dibujo de Lorenzo de Felici y colores de Annalisa Leoni en este comic. Empezando porque da gusto leer una serie de 36 números en las que el 100% del comic ha estado dibujado por el mismo equipo creativo, transmitiendo una integridad artística perfecta. Pero aparte de esto, la capacidad de crear mundos y seres super distintos al nuestro ha sido otro de los hitos de Oblivion Song, porque el aspecto visual y los diseños de personajes me han flipado de forma increíble. Si a eso tenemos a un perfecto narrador que consigue contar esta aventura de la forma más emocionante y espectacular posible, porque la sensación de escala en el comienzo del comic con el inicio del asalto de los Kuthaal a la Tierra me parece super épico al nivel de un ESDLA o un Vengadores Endgame, no hay duda que tenemos una combinación ganadora.

No se me ocurre nada malo de este comic. Creo que Kirkman y de Felici han triunfado con esta propuesta que ha sido diferente a todo lo que estaba publicando en Estados Unidos durante estos años y que ha durado lo justo y necesario para contar la historia de la forma que Kirkman vió más adecuada. Comic que dentro de ser ante todo entretenimiento, se guarda en la manga una última crítica final a la depredadora sociedad humana que arrasa con todos los recursos naturales que ha significado la guinda del pastel. Ojalá todos los comics que leo tuvieran esta brillantez en todos los aspectos.

Comparto las primeras páginas de este sexto y último volumen:

Oblivion song ha sido un comic estupendo con un Kirkman demostrando que no ha perdido el toque tras TWD e Invencible con un apartado artístico maravilloso. Ojalá pueda leer muchos más tebeos tan redondos y satisfactorios como este.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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Crítica de The many deaths of Layla Starr de Ram V y Filipe Andrade (Boom Studios)

Hay autores que de repente parecen estar on-fire, publicando comics aparentemente con todas las editoriales. Es el caso de Ram V (Costas Salvajes, Swamp Thing, Veneno), que ha publicado en Boom Studios The Many Deaths of Laila Starr junto al artista portugués Filipe Andrade (Capitán Marvel).

PUNTUACIÓN: 6/10

La humanidad está a punto de descubrir la inmortalidad. Como resultado, el avatar de la Muerte es arrojado a la Tierra para vivir una vida mortal en Mumbai como la veinteañera Laila Starr. Luchando con su recién descubierta mortalidad, Laila ha encontrado la manera de situarse en el tiempo y el lugar donde nacerá el creador de la inmortalidad. ¿Aprovechará Laila su oportunidad para impedir que la humanidad altere permanentemente el ciclo de la vida, o la muerte se convertirá realmente en una cosa del pasado? Una nueva y poderosa novela gráfica del galardonado escritor Ram V (These Savage Shores, Swamp Thing) y Filipe Andrade (Capitán Marvel) que explora la fina línea entre vivir y morir a través de la lente del realismo mágico.

Este volumen recopila The Many Deaths of Laila Starr #1-5 USA, publicado por Boom Studios.

Ram V es un galardonado autor y creador de cómics y novelas gráficas como Grafity’s Wall, These Savage Shores y Blue in Green. Desde la publicación de su primer libro en 2016, la obra de Ram ha ido cosechando éxitos de crítica y popularidad y múltiples premios. Además de crear obras originales, desde 2018 Ram también ha escrito para personajes y títulos icónicos de DC Comics y Marvel.

Filipe Andrade es un artista de Lisboa, Portugal. Ha colaborado y publicado con BOOM! Studios, Marvel, MTV Networks y Riot Games, entre otros.

Empezando con los elementos positivos de Layla Starr, he disfrutado con el dibujo de Filipe Andrare, con asistencia en el color de Inês Amaro. Sus páginas tienen una personalidad alucinante, con un uso de colores pastel planos que consiguen que estas páginas luzcan diferente a todo lo que se puede encontrar dentro del comic mainstream americano, con una sensibilidad muy cercana a los álbumes europeos. Andrade tiene una distribución de página interesante, optando por una mayoría de páginas con viñetas horizontales (como la página 2 abajo), o repitiendo en los diferentes números unas doble splash-pages con una gran viñeta horizontal doble que sirve de alguna manera de plano de situación de donde va a tener lugar la acción. Narrativamente, veo algunas decisiones muy interesantes, la verdad. Si eres un amante del comic como medio expresivo o simplemente quieres disfrutar de un dibujo estupendo, tienes que echarle un vistazo a este comic.

Ram V nació en Bombai y también me parece también interesante leer un comic ambientado en India que tiene como referentes costumbres y divinidades propias, en contraste con la idea clásica de deidades basadas en el catolicismo (en sus diferentes vertientes) que tantas veces vimos en la literatura anglosajona. Esto también ofrece un plus de originalidad que merece la pena ser destacado.

Sin embargo, el comic tiene dos enormes problemas. El primero es que leyendo Las muchas muertes de Layla Starr no dejaba de pensar que Death: The high cost of living de Neil Gaiman, Chris Bachalo y Mark Buckingham había contado de alguna manera esta misma historia mejor con muchas menos páginas. Reconociendo por supuesto que son historias diferentes empezando por la ambientación hindú, y que el comic de Gaiman se publicó hace casi 30 años.

El segundo problema es que el comic es realmente aburrido e insustancial. Termino de leer este tomo con cinco número USA y realmente no se quien es Laila Starr más allá del cliché de «ser sobrenatural que aprende que vivir es también aceptar el dolor, la pérdida, etc…», algo de lo que no diré que estoy cansado de leer, pero desde luego sí que he leído otras obras con este mismo tema contadas mucho mejor. Pero no sólo es Laila, Darius Shah, el humano al que Laila buscará en diferentes momentos de su vida, también es un personaje muy plano. Al menos reconozco que consigue generar algo más de empatía que el cascarón vacío que es Laila, pero los momentos que nos muestra el comic son anécdotas sin más. Todo ello empeorado por un no-final que lo he encontrado tramposo hasta decir basta y que ni siquiera responde a las preguntas que el mismo comic plantea al lector en su cubierta.

En este momento, tengo que hacer un inciso sobre el dibujo y sobre todo el color, que ayuda a trasmitir la personalidad del artista pero en algunos momentos no acaba de ayudar a narrar bien la historia. Hay por ejemplo un momento en el cuarto número en el que alguien le dice a Laila que vaya a buscar a Darius a la casa «con la gran puerta roja». Sin embargo, cuando ves la viñeta en cuestión ¡no es ese el color que vemos! El uso de estos tonos pastel unifican las páginas pero no ayudan a transmitir la emoción que la historia debería tener, quedando toda la narración super apagada y plana. Con unas elecciones cromáticas como la del número tres del «humo» que a mi no me han funcionado en absoluto.

Luego hay otro elemento, en este caso en relación con la publicidad y la apelación al «realismo mágico» de la historia como si eso le confiriera de alguna manera una cualidad más culta y elevada a este comic, cuando no sólo Gaiman, Stephen King, Joe Hill y tantos y tantos otros autores llevan años contando historias del mundo real con elementos sobrenaturales que entran en contacto con los seres humanos. De hecho, como digo estos autores han acoplado estos elementos en sus historias mucho mejor que Ram V, que tiene que optar por algunas chorradas que justifiquen el salto al siguiente momento temporal que han hecho que realmente la historia no me haya parecido nada del otro mundo más allá de su ambientación en India.

Comentaba que me gusta muchísimo más el comic de Gaiman, y entiendo que es normal que en la comparación casi todo el mundo saldría perdiendo frente al autor de Sandman. Pero actualmente Ram V no es que no se pueda comparar, es que parecen ligas, deportes diferentes. Supongo que puede decirse que The many deaths of Laila Starr entra en la categoría de «comic que no es para mi», pero reconociendo este hecho, no entiendo los galardones de Variety (Best comic of 2021) o Entertainment Weekly (10 best comics of 2021), porque estamos ante un nuevo caso que ilustra el clásico «diferente NO es mejor».

Comparto las primeras páginas del comic:

The Many Deaths of Laila Starr entra en la categoría de «comic que no es para mi», con un dibujo estupendo pero una historia totalmente intrascendente. Espero eso sí que encuentre su público.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Crítica de Children of Ruin de Adrian Tchaikovsky (The Children of Time 2)

Tras la brillante novela Children of time del escritor británico Adrian Tchaikovsky, me he lanzado de cabeza a leer Children of Ruin, la segunda novela dentro de esta serie de ciencia ficción.

PUNTUACIÓN: 8/10

La asombrosa secuela de Children of Time , la premiada novela sobre la batalla de la humanidad por la supervivencia en un planeta terraformado.

Hace miles de años, el programa de terraformación de la Tierra salió a las estrellas. En el mundo que llamaron Nod, los científicos descubrieron vida extraterrestre… pero su misión era sobrescribirla con la memoria de la Tierra. Entonces el gran imperio de la humanidad cayó, y las decisiones del programa se perdieron en el tiempo.

Eones más tarde, la humanidad y sus nuevos aliados arácnidos detectaron señales de radio fragmentarias entre las estrellas. Enviaron una nave de exploración, con la esperanza de encontrar primos de la vieja Tierra.

Pero esos antiguos terraformadores despertaron algo en Nod que era mejor no perturbar.

Adrian Tchaikovsky nació en Woodhall Spa, Lincolnshire, antes de ir a Reading a estudiar psicología y zoología. Por razones que ni él mismo conoce, acabó estudiando Derecho y ha trabajado como ejecutivo legal tanto en Reading como en Leeds, donde vive actualmente. Está casado, es un entusiasta de las partidas de rol en vivo y un actor aficionado ocasional, se ha entrenado en la lucha escénica y no tiene ningún tipo de mascota exótica o peligrosa, posiblemente a excepción de su hijo.

 Adrian Tchaikovsky me voló la cabeza con su anterior novela Children of Time, empezando por su premisa de historia contada a lo largo de miles de años de evolución. Una evolución que afectará de forma diferente a una raza de arañas evolucionadas por ingeniería genética que se encuentra en el planeta respecto a los humanos se dirigen a lo largo de cientos de años hacia ese paraíso. Y es que tenemos tan interiorizada la ciencia-ficción espacial tipo Star Trek de razas alienígenas que son seres humanos con pelucas, que leer una historia original como esta que refleja las enormes diferencias entre especies realmente diferentes, me pareció un soplo de aire fresco alucinante al género de la ciencia ficción.

Una vez solucionadas las diferencias entre arañas y humanos, Children of ruin lleva la historia un paso más allá al presentar un nuevo planeta en el que los humanos llevaron a unos pulpos que evolucionarán durante milenios. Si en Children of time la novela estaba dividida en dos entre la raza humana en el espacio y la de las arañas en la superficie de su planeta, en esta novela aplica la misma estructura, aunque en este caso para mostrarnos la acción del presente con la llegada de la nave de arañas y humanos al sistema solar del planeta Nod, y otra parte para conocer el pasado del planeta y cómo los diferentes seres que allí se encuentran llegaron a donde están en el presente.

Hablaba antes de razas alienígenas, pero Tchaikovsky está increíble mostrando las diferencias a todos los niveles que tienen los pulpos respecto a arañas y humanos, y cómo estos animales no tienen centros lógicos que necesiten un idioma, al comunicarse por sentimientos y objetivos que deben ser resueltos como si de un problema de lógica se tratara. Que pueda hacerse esta maravilla usando animales de la Tierra nos indica que las posibilidades de crear seres diferentes son ilimitadas, y sólo dependen de la imaginación del autor.

Otro elemento que me gusta mucho de la novela es el punto de vista optimista y positivo que Tchaikovsky tiene de la comunicación, con una idea clave que si buscamos la forma, siempre es posible llegar a comunicarse y llegar a entendimientos incluso con aquellos con los que no tenemos nada en común. Frente a teorías como la de El Bosque Oscuro de Cixin Liu, que imaginan lo peor de una posible raza alienígena con la que pudiera encontrarse la humanidad, el mensaje de Tchaikovsky es mucho más positivo. Esto en lo referido a la ciencia ficción, pero el mensaje de concordia me parece una chulada muy interesante que tendría su equivalencia con los diferentes países y grupos sociales enfrentados en la actualidad por religión, raza o la búsqueda del poder, que están más pendientes de las diferencias que de aquello que nos une.

Dentro que todo en la novela me ha gustado, y el final a cuatro bandas (no desvelo el misterio) me parece estupendo, hay que reconocer que Children of Ruin no tiene la brillantez que encontré en Children of Time, al continuar de alguna manera la fórmula con una nueva especie, en este caso el pulpo. Dicho esto, hay tantas sorpresas y la evolución de todo está tan bien contada, que he disfrutado muchísimo la novela.

La lectura de esta novela de 565 páginas en inglés no me ha supuesto ningún problema importante y lo he disfrutado mucho. De hecho, aparte de descubrir que Tchaikovsky va a publicar en noviembre Children of Memory, la tercera novela de esta serie, me quedo con ganas de probar estas vacaciones otras novelas del autor, como The doors of Eden. A ver si saco tiempo y compro esta novela.

Si os gusta la ciencia ficción y la comunicación, la serie de Children of Time es un must-read absoluto, os la recomiendo completamente.

PUNTUACIÓN: 8/10

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