Crítica de Underwater de William Eubank (Disney+)

Gracias a Disney+ he disfrutado de Underwater, estupenda película de William Eubank con Kristen Stewart y Vincent Cassel como principales protogonistas, que me ha parecido modélica y super entretenida.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Una tripulación de seis integrantes quedan atrapados en una instalación submarina que se está inundando a gran velocidad como consecuencia de un seismo devastador. Su única oportunidad para sobrevivir es caminar a través del suelo marino hasta una lejana plataforma petrolífera abandonada. Además de los retos físicos que implica el viaje, descubren rápidamente que están siendo cazados por depredadores marinos míticos y monstruosos, dispuestos a matarlos. (FILMAFFINITY)

William Eubank (1982) es un director de cine, guionista y director de fotografía estadounidense. En su primer largometraje, Love, estrenado en 2011, realizó funciones de director, director de fotografía, y diseño de producción. Su estupendo segundo largometraje, The Signal, se estrenó en 2014. Underwater fue su tercera película.

Underwater es una película de 95 minutos que va al grano desde el primer minuto. La película combina un montón de elementos conocidos gracias a un guión de Brian Duffield y Adam Cozad. La película cuenta con fotografía de Bojan Bazelli, montaje de Todd E. Miller, Brian Berdan y William Hoy, y música de Marco Beltrami y Brandon Roberts. La película contó con un presupuesto de 50 millones de dólares que lucen de maravilla en pantalla. Lamentablemente, la película fracasó en la taquilla USA, recaudando apenas 40 millones.

La película está protagonizada por Kristen Stewart y Vincent Cassel, contando además con T.J. Miller, Jessica Henwick, Mamoudou Athie, John Gallagher Jr., Gunner Wright, Fiona Rene en papeles secundarios, que cumplen con lo que se espera de este tipo de historias.

Entrando en materia y enfrentándome de cara al elefante en la cacharrería, el principal y único problema de Underwater es la sensación de déjà vu, la familiaridad constante al sentir que todo lo que pasa lo has visto antes y mejor en otras películas de género de ciencia ficción y terror. Ya es un clásico tener a un grupo pequeño de personas encerrados en un espacio claustrofóbico del que intentan escapar para no morir, con algo acechándoles y cazándoles uno a uno. Esta sensación es cierto que la sentí en todo momento, pero no quita que la película sea super entretenida y creo que tiene varios hallazgos visuales y narrativos muy chulos, entre ellos un final perfecto.

Dentro que las caracterizaciones son justitas, con una duración de 95 minutos no se pueden pedir milagros, me gusta la interpretación de Kristen Stewart convertida en una Ripley de las profundidades marinas con un trauma del pasado del que aún no ha podido pasar página. Vincent Cassel muestra todo su oficio y cumple de maravilla con el encargo de un papel genérico del jefe de la expedición sin personalidad. Realmente, dentro de las limitaciones, todo el reparto cumple.

Me gusta mucho el diseño de producción y como sacan el máximo partido a un presupuesto super ajustado. La instalación submarina mola, los trajes submarinos son bestiales, las escenas acuáticas están bastante bien resueltas y en general el monstruo con reminiscencias Lovecraftianas me parece una chulada. Hay además una sensación de tensión, claustrofobia y amenaza creciente que va de menos a mas que hace que el climax funcione tan bien y deje una sensación super satisfactoria al visionado.

Es cierto que quizá acaba siendo demasiado serie B, llegando hasta el punto que el contexto de la historia, empezando por que la empresa dueña de la plataforma submarina probablemente sabían que había algo ahí abajo y lo han ocultado (¿he oído Alien?) se cuenta en los títulos de crédito. Poder haber tenido 10 minutos para ampliar el background no hubiera perjudicado a la película, pero al eliminarlo directamente e ir al grano desde el minuto uno la sensación de frenetismo y de cuenta atrás que deben impedir aumentara, lo cual narrativamente a mi me funciona.

Como digo, siendo lo que es y sabiendo lo que iba a ver, Underwater me ha gustado mucho. De hecho, la recomiendo sin dudar a todos los fans de la ciencia ficción y el terror. Entiendo que la excesiva familiaridad de la historia provocó que fracasara en taquilla, yo mismo no la fui a ver al cine. Pero si le dáis una oportunidad, estoy seguro que váis a pasar un rato estupendo con ella.

Comparto el trailer de la película:

Underwater me ha gustado mucho y ha saciado mi sed de película de ciencia ficción “con bicho”. Teniendo en cuenta que está en Disney+, no te la puedes perder.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Hit Monkey (Disney+)

Me he llevado una enorme sorpresa positiva con Hit Monkey, serie de animación estrenada en Disney+ dentro de Star basado en el personaje de los comics Marvel creado por Daniel Way y Dalibor Talajic.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Un mono japonés, que es un experto tirador y tiene una gran agilidad y reflejos, se entrena para hacer un viaje de venganza oscuro y sangriento por los lugares más peligrosos de Tokyo. Para este entrenamiento cuenta con la gran ayuda del fantasma de un asesino americano. (FILMAFFINITY)

Hit-Monkey, es una serie de televisión animada para adultos estadounidense creada por Will Speck y Josh Gordon para el servicio de transmisión Hulu, basada en el personaje de Marvel Comics del mismo nombre creado por Daniel Way y Dalibor Talajic. La serie está producida por Marvel Television, con Gordon y Speck como showrunners.

En febrero de 2019, Marvel Television anunció que estaba desarrollando una serie de televisión animada para adultos basada en Hit-Monkey, con vitas a su estreno en en Hulu, junto con M.O.D.O.K. En diciembre de 2019, Marvel Television se incorporó a Marvel Studios, que se encargó de la supervisión posterior de la serie y mantuvo su estreno, aunque es dudoso que vaya a continuarla más allá de esta primera temporada recién estrenada en España que ha contado con 10 episodios de aproximadamente 25 minutos cada uno, que han sido dirigidos por Neal Holman.

La serie está protagonizada pen sus voces originales por Ally Maki, Olivia Munn, Nobi Nakanishi, Fred Tatasciore, George Takei y Jason Sudeikis.

Hit Monkey no va a estar en el listado de mejores series de 2022 de nadie, pero me ha ofrecido un entretenimiento sangriento, loquísimo y over-the-top estupendo que he disfrutado de principio a fin. De hecho, agradezco que en su momento Marvel Television se atreviera a utilizar este concepto nada conocido entre el público general. Ni siquiera entre el público comiquero, debo decir, porque reconozco que no he leído el comic de Daniel Way y Dalibor Talajic y diría que poca gente debe haberlo hecho.

Y sinceramente, eso da completamente igual, la verdad. Porque la historia se siente completa y autocontenida desde el primer fotograma de la serie, y no tuve jamás la sensación de que me había perdido algo. Si acaso, hay un par de invitados especiales comiqueros que molan un montón que no esperaba ver en la serie dado que no me había fijado en el poster de la serie y no me había enterado que estaban ahí. Esos momentos molan un montón, al igual que la identidad de la villana que protagoniza la batalla final.

Hay que reconocer que la premisa de un mono que de repente se convierte en un maestro luchador y que escucha la voz de un asesino fallecido que provocó la muerte de toda su familia es super loca, y obliga a que el espectador la acepte y entre en la historia. Este es quizá el único pero que se me ocurre, que al ser algo super loco y de animación, habrá mucha gente que no le dará una oportunidad. Y me da una pena tremenda. Por ellos que se lo pierden, claro.

De hecho, historias locas como esta son las que justifican la creatividad que se consigue con la animación, y whoa! ¡Menudo sorpresón me he llevado con ella! Las escenas de acción son super sangrientas y consiguen que te preocupes por los diferentes personajes, lo cual me parece un éxito tremendo. Reconozco que a mitad de la serie los intentos de humor con la voz en off de Jason Sudeikis me cargaron un poco, pero los 4 últimos episodios me parecen modélicos en el nivel de sorpresas y giros que tiene la historia mientras vemos peleas a ver cual más loca. Creativamente, Hit Monkey me parece un éxito monumental.

Los fans de la animación no podemos más que dar las gracias al momento tan maravilloso que estamos viviendo gracias a las plataformas de streaming. Tenemos una cantidad y variedad alucinante a nuestra disposición, y la cosa no para de mejorar. Si recientemente he disfrutado What if?, Arcane o Cortar por la línea de puntos, tras este Hit Monkey tenemos The Legend of Vox Machina, los cortos de The Boys, una nueva película del universo de The Witcher y, espero antes de final de año, la segunda temporada de Invencible. Si con esta variedad no somos felices, el problema lo tenemos nosotros.

Comparto el trailer de esta serie:

Me ha gustado mucho Hit Monkey y creo que ha supuesto el entretenimiento over-the-top con corazón que justo necesitaba en este este momento. A pesar que creo que es complicado (o imposible) que vaya a pasar, ojalá más series así. Saldremos todos ganando.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Veneno 1 de Al Ewing, Ram V y Brian Hitch (Marvel Comics – Panini)

Han pasado varios meses desde el final de la etapa de Donny Cates y Ryan Stegman en Veneno, y la espera ha merecido la pena, porque Al Ewing, Ram V, Brian Hitch, Andrew Currie y Alex Sinclair han entrado por la puerta grande en la colección con un modélico número 1.

PUNTUACIÓN: 8/10

¡La más ambiciosa serie jamás protagonizada por un simbionte! Después de redefinir a Hulk, Al Ewing salta al mundo del Protector Letal, en compañía de Ram V, un verdadero maestro del terror, para construir un relato impresionante, plasmado nada menos que por el legendario Bryan Hitch. ¡El artista de The Ultimates ha vuelto, y lo está dando todo en cada página! ¡Nunca has visto un Veneno como éste!

El arranque de la nueva colección de Veneno es un comic de 48 páginas que me ha parecido modélico en todos los aspectos. Empezando por el guión, me gusta que Al Ewing y Ram V (Costas Salvajes) sean totalmente continuistas respecto a donde Donny Cates y Ryan Stegman dejaron a Eddie Brock al final de su etapa, convertido en el Rey de Negro con acceso a los simbiontes de toda la galaxia y realizando labores de policía espacial para intentar compensar el daño causado por Knull. Obviamente, la tranquilidad no puede durar y una nueva amenaza cósmica surge con poder para acabar con Eddie y su hijo Dylan, lo que nos deja con un cliffhanger monumental de los que justifican la lectura mensual de grapas. Si el principal objetivo de una grapa es dejar al lector con ganas de querer comprar la siguiente, el éxito es total.

Aparte de la amenaza en si, Ewing y V ponen en marcha un giro narrativo que no quiero comentar para no entrar en spoilers que provoca que la historia en esta grapa tenga algún elemento confuso que diría que quedará explicado a medida que la serie avance. No tengo claro cómo se distribuyen el trabajo Ewing y V, si Ewing planteó el argumento que es finalizado y dialogado por V, o si es cualquier otra posibilidad. Pero me parece que el primer comic de Ram V en Marvel se salda con nota alta, lo que tengo claro que puede abrir la posibilidad que escriba nuevas series en solitario en el futuro inmediato.

Brian Hitch parece que está viviendo una segunda juventud en los últimos años. Con sus colaboradores habituales Andrew Currie en el entintado y Alex Sinclair en el color nos ofrece unas páginas increíbles llenas de detalles, fondos y momentos potentes. Agradezco un montón cuando se nota la conexión entre los guionistas y el dibujante, planteando elementos narrativos interesantes que permitan el lucimiento del artista, que es precisamente lo que tenemos en estas páginas. Que este primer número tenga 48 páginas permite a Hitch lucirse con el ritmo de la historia al tener la oportunidad de insertar numerosas splash-pages excelentes super espectaculares.

Por ponerle un pero, no acabo de reconocer a Dylan, el hijo de Eddie, tal y como lo dibuja Hitch, pero obviamente esto es un tema de estilo al que seguro me acostumbraré en breve. Lo que sí quiero destacar es que el comic es ante todo narrativa visual y tener a un fuera de serie como Hitch es un lujo que no acabaremos de apreciar hasta que finalice este primer arco y venga un sustituto que por lógica va a ser inferior. Leo muchas reseñas de medios profesionales centrados en valorar y analizar la historia que pasan de puntillas sobre el dibujo del comic, un error garrafal en mi opinión. Hay tantos dibujantes montoneros en el mundo del comic mainstream que cuentan la historia de forma correcta pero sin personalidad, o que directamente molestan e incomodan la lectura que no apreciamos como se merece cuando un dibujante se sale.

Me ha dejado muy satisfecho este primer número de Veneno. No tengo claro cuanto va a durar esta nueva etapa, pero creo que nos esperan unos comics que van a dar gusto leer mes a mes, que es el objetivo primero y principal de este nuestro entretenimiento.

Comparto las primeras páginas del comic:

Parece que Marvel se ha propuesto cuidar a Veneno, porque el inicio de esta nueva etapa no podía empezar mejor. Nos esperan emociones fuertes y yo estaré para verlo.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Alma de Sergio Carrera

Conocí a Sergio Carrera gracias a su estupendo Toxic Detective junto al escritor Claudio Cerdán. El disfrute total que tuve con dicho comic hizo que me animara a participar en el crowfunding que Sergio lanzó para la impresión de Alma, un comic de 136 páginas que recopila dos comics previos del artista argentino y una nueva historia creada para este volumen.

PUNTUACIÓN: 8/10

SERGIO CARRERA es un autor de cómics argentino que ha trabajado para las editoriales estadounidenses Image Cómics, Boom Studios, IDW Publishing, Chapterhouse y DC Comics. Además colaboró en varios números de la revista VIVA del periódico Clarín e incursionó en el arte de discos de músicos argentinos tales como Zolvein Vixon, Psycho Side y el británico Anthony Mullen. En la actualidad, además de trabajar para el mercado francés, ha dado sus primeros pasos en el cómic español publicando junto al novelista Claudio Cerdán su primer obra conjunta: Toxic Detective, novela gráfica policial que ha conquistado a la crítica especializada. Tras este Alma, Sergio se ha reunido de nuevo con Claudio Cerdán para realizar Toxic Survivor, continuación de Toxic Detective, que se publicará durante este 2022.

Alma se compone de tres historias inéditas en España, aunque las dos primeras fueron editadas en Argentina en 2010 y 2017. Las historia son:

Buenos Aires Eterna: Jeliel, un ángel que recorre las calles de Buenos Aires enviando al otro lado las almas de aquellos que acaban de morir, decide experimentar la humanidad a través del amor que le ofrece Güendalina, una chica que decide quedarse con Jeliel para hacerle compañía. O al menos eso intentarán, ya que una entidad demoníaca visitará nuestro plano para reclamarla.

El Lado Bueno: Juan Pablo Carrizo, excombatiente de la guerra de Malvinas, viaja a Londres a conocer a la madre de un soldado británico que él mismo mató durante el enfrentamiento, con la finalidad de cerrar esa herida que ambos comparten desde hace 20 años.

Vacío: Una protagonista sin nombre recorre las calles vacías de su ciudad, siendo ella la última humana que existe en todo el planeta. Deambula entre las ruinas de la civilización superando los peligros de su nueva realidad y buscando un motivo para vivir.

Alma es la confirmación que Sergio Carrera es un autor con una voz propia que transmite su corazón y sus inquietudes en la página impresa, creando historias con las que es imposible no conectar. Si en Toxic Detective me gustó mucho su labor como dibujante y el uso del blanco y negro para imprimir la personalidad al comic, en Alma se muestra con un interesante contador de historias con un marcado acento argentino.

Este es un primer elemento que me gusta de Alma. Buenos Aires se convierte en protagonista de la primera historia, haciendo que el paseo de los protagonistas por la ciudad nos la acerque a los del otro lado del charco. El hecho que el protagonista de El lado bueno sea un ex-militar que luchó en la guerra de las Malvinas y siga traumatizado 20 años después es otro elemento 100% argentino que sin embargo cualquier lector puede entender y empatizar con su dolor. Dentro del elemento emocional que tienen las historias, hay que destacar que dos de las tres son de temática fantástica, cosa que en modo alguno resta emotividad a lo que nos está contando Sergio, más bien al contrario.

La vida, la muerte, el sentido de nuestra existencia, la pérdida de las cosas importantes que ya no recuperamos y buscar cómo seguir adelante son elementos que Carrera introduce en sus historias de forma modélica, consiguiendo que los protagonistas te atrapen gracias a su corazón y la evolución que sufren en las páginas de la historia.

Me gusta el estilo de dibujo de Sergio, sus páginas en blanco y negro transmiten una personalidad bestial y al menos a mi me muestra que ha volcado todo su amor por la narrativa comiquera en estas páginas. Tengo que reconocer que su uso de la foto-referencia en algunos momentos me parece excesivo (ese Iggy-pop, por ejemplo, era completamente innecesario), pero globalmente ya digo que las tres historias me han gustado.

Al publicar Sergio las historias en orden cronológico, de alguna manera podemos ver en Alma la evolución de su estilo, y frente al uso más generalizado de grandes manchas de negro en Buenos Aires eterna, encontramos en Vacío un dibujo marcado por la línea del lápiz que destaca los elementos fundamentales de la historia despojándola de elementos supérfluos. Esta evolución me gusta y me indica que Sergio sigue con ganas de experimentar y probar cosas nuevas, consiguiendo que el dibujo mantenga toda su fuerza.

A destacar además que gracias al crowfunding de Verkami, el comic me ha llegado con un montón de extras super chulos. Además de una lámina super chula (¡gracias!), el comic incluía un marca páginas, dos posavasos, un imán y una ilustración personalizada de agradecimiento, que he disfrutado mucho. Además, el comic de 136 páginas en tapa blanda tiene un super adecuado formato de 17x26cm, e incluye además varias páginas de extras en la que Sergio explica su proceso creativo, que me han parecido muy interesantes y que son la guinda de un pastel maravilloso.

Me ha gustado mucho leer Alma, así que no tengo duda que Toxic Survivor será una compra segura cuando se publique este año 2022. Seguiré muy atento las próximas obras de Sergio Carrera.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de El Libro de Boba Fett episodio 6 (Disney+)

Jon Favreau y Dave Filloni nos están haciendo vivir la magia de Star Wars que los fans soñamos durante años con disfrutar. ¡Menuda bendita locura ha sido este sexto episodio de El Libro de Boba Fett! Ha sido tan grande que es imposible analizar el episodio sin entrar en SPOILERS.

PUNTUACIÓN: 9/10

SPOILERS A CONTINUACIÓN

Episodio 6: Del desierto llega un extraño.

Se exploran algunos misterios y Boba Fett descubre nueva información.

Dave Filloni dirige este sexto capítulo y también colabora con Jon Favreau para escribir el guión de un episodio brillante en la forma en que conecta lore de Star Wars de todas las épocas. Al igual que pasó la semana pasada, y en contraste con los 4 primeros episodios de Boba Fett, es alucinante la cantidad de cosas que pasan y el montón de personajes que hacen su aparición en los apenas 42 minutos del episodio (47 contando los títulos de crédito).

Cob Vanth. Mando. R2D2. LUKE SKYWALKER. Grogu. Ahsoka Tano. Cad Bane.

¡VIRGEN SANTÍSIMA!!! ¡Es que van a tope y no se guardan nunca nada!

Cada vez parece más claro que Favreau y Filloni nos han engañado desde el principio y este El Libro de Boba Fett realmente se trataba de un The Mandalorian 2.5 encubierto y nunca estuvo en sus planes hacer una historia autónoma del Universo Star Wars con el que conecta, y yo no puedo estar más contento por ello. El planteamiento de «marvelizar» el universo de Star Wars reforzando la interconectividad de todos los personajes de épocas y formatos diferentes no puede ser más sorprendente y emocionante. De hecho, si antes del estreno de Boba Fett había fans entre los que me encuentro que dentro que nos alegrábamos de poder ver una serie de Boba Fett considerábamos que estar 2 años sin disfrutar de las aventuras de Din Djarin era demasido tiempo, no cabe duda que ¡Jon Favreau pensaba exactamente lo mismo! Porque en cine es un plazo normal entre películas, pero en televisión dos años son una barbaridad. Tiene todo el sentido del mundo que Favreau y Filloni optaran por NO dejar el arco de Mando para Mandalorian T3 sino que no se hayan guardado nada y lo hayan añadido ahora en la serie de Boba Fett.

Este sexto episodio incluye algunos de los mejores momentos de Star Wars de toda la saga, empezando por todo el entrenamiento de Luke a Grogu, un sueño hecho realidad. Ya lo pensé en su momento tras ver The Mandalorian, pero lo cierto es que Favreau y Filloni están dejando en un malísimo lugar a la terrible última trilogía cinematográfica. Pero si el Episodio IX acabó con mi ilusión por Star Wars, The Mandalorian volvió a prender una llama en mi interior que no pensé que pudiera brillar de nuevo, que este Libro de Boba Fett está asentando.

Sin embargo, también confirma algo que ya comentaba al final del cuarto episodio y sobre todo la semana pasada, y es que a pesar de los intentos de humanizar a Boba Fett y convertirle en un personaje tridimensional que fuera mucho más que una armadura molona, cosa que por otro lado consiguen, queda claro que el protagonista de la serie hasta el cuarto episodio se queda muy corto en lo referido a carisma y en capacidad de aguantar por si sólo una serie, cosa que sí consiguió Din Djarin. A todo esto, entrando en territorio de suposiciones, diría que es imposible que la guerra contra el Sindicato Pike pueda resolverse en el último episodio de la semana que viene, aunque quizá si consigan resolver la lucha por el control de Tatooine, de forma que nos van a dejar con un final abierto con la guerra por el control del elemento criminal de la galaxia para The Mandalorian temporada 3, prevista para navidades de este mismo año.

Ver de nuevo a Luke Skywalker y alucinar con la perfección de los planos me ha volado la cabeza, porque apenas ha pasado un año desde el final de The Mandalorian y el salto tecnológico es acojonante. Los planos de Luke ahora sí son perfectos, e incluso sabiendo el truco no consigo notarlo y me sentí como si estuviéramos de nuevo en 1983 tras acabar de ver El Retorno del Jedi por primera vez, con un Mark Hamill que en ese momento tenía 32 años. Las posibilidades que abre la tecnología puede cambiar el negocio del entretenimiento, y veo cada vez más claro que Lucasfilm va a seguir explotando el mundo de Star Wars de este momento temporal post-Retorno del Jedi mientras deja aparcada en un cajón la fallida tercera trilogía ambientada veintitantos años después, porque es aquí y ahora donde está la esencia de Star Wars que los fans llevábamos demandando porque es la parte realmente potente donde se concentran los mejores personajes, cosa que Favreau y Filloni (y Lucasfilm) saben.

Pero no es sólo tecnología fría o fan-service vacío (sigo sin verle la connotación negativa que se le da al término). La historia aporta una emoción a todos los personajes que me vuela la cabeza, conectándola además con todo el lore de Star Wars de la República, la trilogía original, las series de animación como The Clone Wars, Star Wars Rebels o The Bad Batch y el universo ampliado por The Mandalorian. Favreau y Filloni son unos maestros a la hora de crear historias que se sienten Star Wars de principio a fin, con los personajes en el centro de atención.

Buen momento para quitarse el sombrero y hacerle un monumento a Pedro Pascal y su minimalista interpretación de Mando, que consigue transmitir toda la emoción ante el dilema que siente en relación a su «hijo» Grogu sin que se le vea nunca la cara. Sus matices y comunicación no verbal en este episodio están a años luz a cualquier cosa que nos han mostrado hasta la fecha Temuera Morrison o Ming-Na Wen, los protagonistas absolutos hasta el episodio 4, destacando la enorme diferencia actoral existente entre Pascal y el resto. Rosario Dawson como Ahsoka Tano resultó super inesperada en el episodio y comparte unos momentazos con Mando primero y con Luke después que son magia pura. Y, de nuevo, es que todo el episodio es emoción.

Y qué decir de Timothy Olyphant como Cobb Vanth, su parte en el episodio tiene un feel al western más puro que me parece brillante, con un potentísimo duelo contra Cad Bane (Corey Burton), el cazarrecompensas duroniano que tuvo una gran importancia en The Clone War y que más recientemente salió en The Bad Batch, que ha supuesto la guinda a un pastel casi perfecto. A todo esto, incluso sin haber visto las series de animación, la presentación que hace Filloni de Bane es un prodigio de narrativa y deja claro que es un enemigo peligroso y que un Sheriff curtido como Vanth es normal que esté preocupado por su llegada. No hace falta conocer todo el lore para saber que la amenaza es muy real.

Como digo, todo en este episodio es increíble hasta que recuerdo que la serie se llama «El Libro de Boba Fett» y por segundo episodio consecutivo Fett tiene una importancia mínima y nunca le echamos de menos. Queda claro que la serie ha contado con dos narrativas diferentes que han estado separadas a hachazos una respecto la otra. Temuera Morrison ha hecho lo que ha podido como Boba Fett, aunque cada vez queda más claro que preferimos a Mando y el lore de personajes que vienen con él. Dicho esto, como Favreau es un gran narrador que sabe qué necesita la historia en cada momento, sigo confiando que nos va a dar en el último episodio los momentazos de puto amo que llevamos esperando ver de Boba desde que comenzó la serie y que aún no tuvimos. ¿Fett contra Cad Bane? ¿Donde hay que firmar? ¡Lo quiero ya!

No quiero terminar sin quitarme el sombrero también ante Dave Filloni, aparte de por su conocimiento enciclopédico del lore de Star Wars, porque se sale en este episodio como director, creando imágenes bellísimas y momentos super potentes de tensión y emoción. Si en la temporada 2 de Mandalorian se inspiró en Kurosawa y el cine japonés para el episodio de Ahsoka, todo lo relacionado con Cob Vanth es puro western y me encanta. A todo esto, confío que Vanth no esté muerto y haya sobrevivido al disparo.

No acabo de creerme que quede apenas un episodio para conocer el final de este Libro de Boba Fett. Y no tengo duda que Favreau junto a Robert Rodriguez pueden conseguir que el final nos deje en lo más alto.

Comparto el teaser trailer del episodio:

El Libro del Mandalor…., perdón, de Boba Fett no deja de crecer y de ir a más. Qué ganas que se haga la semana que viene para conocer el final de la historia.

PUNTUACIÓN: 9/10

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