Series TV

Crítica de Harley Quinn temporada 3 (HBO Max)

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Aprovechando mi suscripción a HBO Max para ver La Casa del Dragón he aprovechado para ver la tercera temporada de Harley Quinn, la serie de animación para adultos protagonizada por la antigua novia del Joker. Y aunque la serie ha empezado bien, tengo graves problemas con el final de temporada.

PUNTUACIÓN: 6/10

El caos y la locura continúan en la tercera temporada de esta mordaz y desternillante serie de animación para adultos. Concluyendo su temporada «Come. ¡Bang! Matar. Tour», Harley Quinn y Hiedra Venenosa regresan a Gotham como la nueva pareja de villanos de DC. Junto con su equipo -King Shark, Clayface y Frank la Planta-, «Harlivy» se esfuerza por convertirse en la mejor versión de sí mismas, al tiempo que trabaja por el ansiado plan de Hiedra de transformar Gotham en un paraíso del Edén.

Desarrollada por Justin Halpern, Patrick Schumacker y Dean Lorey, la tercera temporada de Harley Quinn cuenta con Chrissy Pietrosh y Jessica Goldstein como co-showrunners junto a Schumacker y Justin Halpern.

En la versión original tenemos de nuevo a Kaley Cuoco como Harley Quinn, Lake Bell como Hiedra Venenosa, Alan Tudyk como The Joker, Clayface, Ocean Master, Ron Funches como King Shark, JB Smoove como Frank the Plant, Tony Hale como Dr. Psycho, Christopher Meloni como Commissioner Gordon, James Adomian como Bane y Clock King y Diedrich Bader como Batman / Thomas Wayne.

Disfruté muchísimo las dos primeras temporadas de Harley Quinn. Su humor bestia, el nivel de sangre y violencia y que pudieran ir a su aire sin tener que respetar ningún tipo de continuidad consiguieron que la serie fuera sin duda el éxito sorpresa más satisfactorio de la actual producción audiovisual de DC / Warner / HBO. Así que tenía muchas ganas de ver por donde irían los tiros en esta tercera temporada. Y la verdad es que excepto un GRAN PROBLEMA que luego comentaré, la serie me estaba dejando bastante satisfecho. Tras la confirmación del romance entre Harley e Ivy en la temporada anterior, esta temporada se centra en la forma en que ambas tienen que aceptar a su pareja cómo es, con lo bueno y lo malo. La locura que es Harley no debería encajar con el mundo tranquilo y ordenado que busca la doctora Pamela Isley, sobre todo ahora que ha recuperado su plan maligno de convertir Gotham en un jardín destruyendo la ciudad y sus habitantes. Pero sin embargo funciona, y su relación me parece una delicia de principio a fin, creando una relación que transmite empatía y cariño mutuo que es lo mejor de la serie.

Junto a la pareja protagonista, me encantan los secundarios. Escuchar a Bane en la versión original es una pasada divertidísima, y lo mismo para King Shark o Clayface. Junto a ellos, Batgirl aspira a convertirse en LA defensora de Gotham, recibiendo la ayuda de un Nightwing sobre el que los productores y guionistas dirigen su mirada para reírse abundantemente a su costa. Junto a ellos, Joker es un personaje demasiado goloso para dejarle correr, y volveremos a tenerle en la serie en su nuevo papel de padre y marido respetuoso que vive en los suburbios. De hecho, que la serie le dedique un episodio monográfico me ha gustado, resaltando el hecho que en esta serie todo es posible.

Es curioso que hace pocos meses The Boys incluyó el Herorgasm en su tercera temporada y Harley Quinn haga algo similar en esta. No tengo claro quien copió a quien si es que eso sucedió. De hecho, teniendo en cuenta los tiempos de producción de la animación, lo más probable es que fuera esta serie la que primero empezara a trabajar en el episodio en cuestión, aunque la orgía de héroes aparecía ya en el comic de Ennis y Robertson. Así que más que «¿quién copió a quien?» podemos estar en el caso que dos equipos creativos diferentes empleen el mismo argumento para uno de sus episodios sin saber de la existencia del otro. Dicho esto, me parece una casualidad increíble.

En cierto sentido me parece que los productores de Harley Quinn han sido bastante cobardes en esta temporada. Lo digo porque hasta la fecha Harley e Ivy eran sin duda alguna villanas cometiendo delitos y buscando cumplir sus objetivos egoístas. Lo cual realmente era un soplo de aire fresco dentro del actual panorama televisivo americano en el que toda historia debe tener un objetivo moralizante o de visibilización de colectivos oprimidos. Esto ya no se cumple en esta temporada. A pesar de la ultraviolencia que sigue presente, Harley hace su transición de villana a heroína. No a antiheroína, no. A heroína. Y al mismo tiempo mantiene su relación con una Ivy que no renuncia a sus fechorías y a sus planes de terraformación del planeta, pero un poco si. A pesar de todo lo punkies que dicen ser de boquilla, la evolución del personaje de Harley no puede ser más mainstream y esperable.

Harley Quinn es una exageración andante, tampoco es que haya que tomársela demasiado en serio, las cosas como son. Ofrece un entretenimiento over-the-top para los fans del universo DC (o simplemente a las fans de la antigua novia del Joker que tantos y tantos cosplays protagoniza en casi cualquier evento). Es una serie muy divertida y el 90% del tiempo me ha dado un entretenimiento estupendo.

Sin embargo, hay algo que me ha fastidiado mucho mucho en el final de la temporada, hasta el punto que me estoy planteando NO ver una posible continuación en caso que se realice. Pero es algo que no puedo comentar sin entrar en SPOILERS, así que sigue leyendo bajo tu responsabilidad.

Entrando en territorio de spoilers, si algo no me acabó nunca de gustar de la serie era el tratamiento del Comisario Gordon, convirtiéndole en un borracho amoral igual de malo que los villanos (las villanas) que dice querer detener. Como decía, acepto sin problemas que esta serie no abrace ninguna continuidad y pueda contar la historia que quiera sin problemas. El caso de Batman / Bruce Wayne era más complejo, ya que aceptaba precisamente este elemento de NO continuidad y la realidad que si Batman apareciera «normal», no habría serie de Harley porque estaría siempre detenida sin más. La forma en que se lo quitaron de en medio en gran parte de la segunda temporada me pareció un elemento necesario que funcionó bien en el contexto de la serie.

En esta tercera temporada han llevado todo un paso más allá al convertir a Bruce en un lamebotas ridículo que pierde la salud mental cuando Selina rompe con él. Y hasta eso lo acepté sin problemas porque esta serie merece contar su historia a su aire, etc, etc… Aparte que el episodio en que Harley entra en la mente de Bruce para descubrir información que necesita pero acaba ayudando a una mente rota me parecen estupendos. Hasta ese momento todo iba bien y no tenía problema con los cambios.

Sin embargo, el climax final en que el Alcalde Joker detiene a Bruce por fraude fiscal y él reconoce haber cometido el delito y acepta ir a la cárcel me parece penoso. Penoso por lo que supone para un personaje tan icónico como él, dentro que él no es el protagonista de esta serie. Pero penoso además porque pone encima de la mesa el actual pensamiento woke en el que todos los hombres blancos son (somos) culpables de algo, abrazando las teorías del «white privilege» tan extendidas en los Estados Unidos. En otro momento de la serie alguien le dice a Bruce específicamente que sería mejor si empleara su riqueza para ayudar a los pobres y dar becas de educación.

Esto por supuesto conecta con el sorprendente giro del Joker de hacerse alcalde porque quiere que su hijo adoptivo pueda recibir una beca, haciendo una crítica muy poco sutil a la cultura política maintream actual. Lo cual no tiene nada de malo si no fuera lo parecido que resulta con ese engendro que fue Joker de Todd Phillips, donde se abrazaban todas las teorías antisistemas mientras tiraba la piedra y escondía la mano. Esta serie está diciendo lo mismo que la película de Phillips, pero con una versión más friendly y cool. Y qué casualidad que dos obras mainstream de una gran corporacón como Warner repita estos elementos.

Cuando veo algo tan penoso como es mostrar a Bruce como un defraudador (un delincuente), me han roto la suspensión de credulidad metiéndome un panfleto político de la peor calaña. Y ha provocado que el castillo de naipes se me ha derrumbado de forma clamorosa. Hasta ahora he aguantado con humor que todos los hombres blancos sean villanos o personajes patéticos. El humor siempre es a costa de Bruce, Gordon o Nightwing, nunca de una mujer. Y no es un tema de reírse de los héroes, no hay bromas a costa de Batgirl ni desde luego su caracterización la hace parecer nada más que una heroína que busca hacer lo correcto. Por poner otro ejemplo, Selina (Catwoman) es mostrada como una elitista, pero el humor nunca es a su costa. Aceptaba el humor chungo a costa de los hombres porque de alguna manera ofrecía algo diferente y era entretenido, las cosas como son. Y porque no hay duda que hay diferencia entre Gordon y Batman. Pero en el momento en que veo el panfleto político y la soflama identitaria, me han tocado la moral de la peor forma posible. Tengo claro que Harley Quinn está siendo un éxito entre el fandom, a mi 9 de los 10 episodios me estaban gustando mucho. Pero una vez queda claro de qué va esto, creo que mejor conmigo no cuenten.

Comparto el trailer de esta tercera temporada:

Harley Quinn me parece una serie divertidísima, pero reconozco que los ramalazos woke in-your-face me han molestado bastante. En todo caso, el todo irreverente consiguen que el visionado sea mayoritariamente satisfactorio si no piensas en lo que realmente te están mostrando.

PUNTUACIÓN: 6/10

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Comics

Crítica de By night vol. 1 de John Allison y Christine Larsen (Fandogamia)

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Tras disfrutar de Giant Days, aproveché el pasado salón Comic Barcelona 2022 para comprar en el stand de Fandogamia el primer volumen de By Night, escrita por John Allison y dibujada por Christine Larsen, con color de Sarah Stern.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

Algo está pasando en Spectrum, Dakota del Sur, el hogar de Jane Langstaff y Heather Meadows, mejores amigas en el insti. Spectrum es una floreciente ciudad que hace ya mucho que dejó de florecer. Nada queda de su vieja gloria salvo la finca de Charleswood, donde se encuentra la fábrica de engranajes de Charlesco, envuelta por el misterio de la desaparición de su fundador… pero en las profundidades de Charleswood, oculta, hay una máquina conocida como el Eidolón, capaz de abrir una puerta a otra dimensión. John Allison, y la artista Christine Larsen (Hora de Aventuras) te invitan a viajar a un mundo más allá del Eidolón, repleto de extrañas criaturas y fantásticas aventuras.

En comparación con Giant Days que es una serie abierta, John Allison planteó By night como un comic de 12 números con un final claro desde el principio. Y de nuevo con la comparación, frente al slice-of-life de las jóvenes universitarias, aquí Allison ha optado por una historia de ficción sobrenatural con dos amigas, Jane y Heather, de personalidades muy diferentes cuya relación se enfrió cuando la segunda se marchó a la universidad.

La ambientación de Allison tiene su interés, al mostrar un pueblo que era próspero hasta que la desaparición del dueño de CharlesCo provocó la debacle de la empresa, algo que recuerda a decenas ¿cientos? de pueblos pequeños que dependían completamente de una industria y que sufrieron cuando ésta desapareció. En este caso, Allison opta por una historia con una vertiente fantástica para explicar esta desaparición, mostrando un mundo en otra dimensión en el que las posibilidades son enormes.

Lamentablemente, el conjunto de este primer volumen se me queda a medio camino de todo. Las protagonistas no acaban de interesarme y sobre todo Heather me cae mal, y de momento el mundo fantástico es todo excepto eso, siendo un fail importante que no transmite ninguna emoción. Por supuesto, de sensación de amenaza mejor olvidarse, muchos menos plantear algo que pudiera sugerir terror.

El principal problema de By night es el apartado gráfico, con una flojísima Christine Larsen en el dibujo con color de Sarah Stern. Incluso entendiendo que este comic se plantee como un all-ages, cosa por otro lado cuestionable dado que las protagonistas son universitarias mayores de edad luego el target como mucho sería juvenil / young-adults, no es muy aceptable este dibujo tenga un feeling casi amateur, con unas figuras super básicas que no transmiten nada y unas viñetas casi sin fondos. Es que hay que negar la mayor, aunque el comic fuera para niños, el dibujo no puede ser montonero pensando que total, los niños consumen lo que les echen.

Leo en la sinopsis que Larsen ha trabajado en Hora de Aventuras y acepto que la popular serie de animación tiene un estilo de dibujo super básico que en todo caso no impide contar la historia en formato televisivo. Pero en el comic no basta con dibujar viñetas, tienes que plantear una narrativa que fluya entre ellas para contar la historia, y es algo que no he encontrado en este comic. Hablaba que el comic falla en la ambientación fantástica y en transmitir emoción, y todo ello es achacable a un dibujo en mi opinión deficiente. Si esta misma historia estuviera dibujada por Max Sarin (artista de Giant Days), ¡anda que no cambiaría la cosa!!

Por un lado, el hecho que son tan sólo tres tomos me invita a comprar los otros dos para tener la obra completa y saber cómo termina la historia. La super económica edición de Fandogamia también invita a la compra, las cosas como son. Pero la verdad es que con este dibujo tan tan flojo se me quitan completamente las ganas de gastar mi dinero en este comic.

Comparto algunas páginas del comic:

By night no es tan divertido comparado con Giant days ni tiene un dibujo igual de carismático, pero creo que puede gustar a un público de comics all-ages o young-adults

PUNTUACIÓN: 5.5/10

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Novelas

Crítica de El Ritmo de la guerra de Brandon Sanderson (El Archivo de las tormentas 4)

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Me cuesta muchísimo ponerme a leer los tochales de El Archivo de las Tormentas de Brandon Sanderson. Pero una vez lo hago, como ha sido el caso de El ritmo de la guerra, la cuarta novela, la experiencia es siempre super satisfactoria.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

El Ritmo de la Guerra es la esperada cuarta parte de la decalogía «El Archivo de las Tormentas» y el libro que continúa la historia de El camino de los reyes, Palabras radiantes y Juramentada.

Hay secretos que hemos guardado mucho tiempo. Vigilantes. Insomnes. Eternos. Y pronto dejarán de ser nuestros.

La Una que es Tres busca, sin saberlo, el alma capturada. El spren aprisionado, olvidado hace mucho tiempo. ¿Puede liberar su propia alma a tiempo de hallar el conocimiento que condena a todos los pueblos de Roshar?

El Soldado Caído acaricia y ama la lanza, incluso mientras el arma hiende su propia carne. Camina siempre hacia delante, siempre hacia la oscuridad, sin luz. No puede llevar consigo a nadie, salvo aquello que él mismo puede avivar.

La Hermana Derrumbada comprende sus errores y piensa que ella misma es un error. Parece muy alejada de sus antepasados, pero no comprende que son quienes la llevan a hombros. Hacia la victoria, y hacia ese silencio, el más importante de todos.

Y la Madre de Máquinas, la más crucial de todos ellos, danza con mentirosos en un gran baile. Debe desenmascararlos, alcanzar sus verdades ocultas y entregarlas al mundo. Tiene que reconocer que las peores mentiras son las que se cuenta a sí misma.

Si lo hace, nuestros secretos por fin se convertirán en verdades.

Brandon Sanderson (Lincoln, Nebraska, 1975) es el gran renovador de la fantasía del siglo XXI, con veintitrés millones de lectores, y el autor más prolífico del mundo. Desde que debutara en 2006 con su novela Elantris, ha deslumbrado a lectores en treinta lenguas con el Cosmere, el fascinante universo de magia que comparten la mayoría de sus obras. Sanderson es autor de la brillante saga Nacidos de la Bruma (Mistborn), formada por El Imperio Final, El Pozo de la Ascensión, El Héroe de las Eras, Aleación de ley, Sombras de identidad y Brazales de Duelo. Tras El aliento de los dioses, una obra de fantasía épica en un único volumen en la línea de Elantris, inició con El camino de los reyes una magna y descomunal decalogía, El Archivo de las Tormentas, que continuó con Palabras radiantes, Juramentada y El Ritmo de la Guerra (además de la novela corta Esquirla del Amanecer). Con la serie Escuadrón (Escuadrón, Estelar, Citónica y Escuadrón Cielo), Sanderson se acerca, también, a los lectores de la ciencia ficción. Con un plan de publicación de más de veinte futuras obras (que contempla la interconexión de todas ellas), el Cosmere se convertirá en el universo más extenso e impresionante jamás escrito en fantasía épica. Sanderson vive en Utah con su esposa e hijos y enseña escritura creativa en la Universidad Brigham Young. Curso de escritura creativa es el libro que recoge sus valiosos consejos.

El ritmo de la guerra me ha parecido la novela más expositiva de lo que llevo leído de El archivo de las tormentas y en general de la obra de Sanderson. Lo cual no tiene por qué ser malo. Como en novelas anteriores, la trama está dividida en varios arcos de personajes, y en todos los casos vamos a encontrar una evolución super interesante que cambia su statu-quo de todos ellos, algo que entiendo que es más interesante que tener combates más o menos inspirados.

En muchos aspectos Sanderson sigue buscando desmitificar clichés de la fantasía épica, como es tener a un héroe (Kaladin) aquejado de síndrome de stress post-traumático y de un terrorífico sentimiento de culpa al no poder salvar a todos sus amigos y familiares. Reconociendo que una parte del viaje del héroe pasa por alzarse ante los problemas que se cruzan en el pasado. Shallan con su personalidad fragmentada por los traumas de su pasado también tendrá que intentar dar un paso adelante y decidir quien quiere ser. Y lo mismo podríamos decir de Adolin, Navani o Venli.

Geográficamente, la novela tiene una trama principal y dos secundarias. Mientras Dalinar y Jasnah parten a luchar en el frente de batalla de Emul en una maniobra estratégica, la que sería la trama más secundaria de la novela, Shallan y Adolin viajan a Shadesmar como enviados diplomáticos para animar a más honorspren a unirse a los humanos. A los problemas de Shallan con sus personalidades y su decisión de saber quién quiere ser, se añade a un Adolin que descubrirá que sus habilidades como espadachín y guerrero no le servirá para la prueba que tiene ante sí. Una trama que además del desarrollo de los dos protagonistas hará que avancemos en nuestro conocimiento de los sprens y lo que pensábamos que sabiamos de ellos.

Las historias principales tendrán lugar en Urithiru, donde se han quedado Navani como regente que intenta desentrañar los misterios de la torre, y Kaladin de baja por sus problemas mentales. En el momento menos esperado, los Fusionados liderados por Raboniel invaden y toman el control de Urithiru, corrompiendo al Hermano, el spren de la torre, lo que hace que todos los Radiantes de la torre, excepto Kaladin y Lift, caigan inconscientes. Tras rendir sus exiguas tropas para evitar una masacre, Navani se unirá a Raboniel para una investigación que cambiará todo lo que pensaban que conocían sobre la luz tormentosa y la luz de vacío, la fuente aparente de muchos de los poderes de los dotados.

Mientras Navani intenta ganar tiempo para salvar a Hermano de la corrupción total, Kaladin, el único despierto junto a Lift (pero ella ha caído prisionera), deberá ayudar en la medida de sus posibilidades, lanzando una guerra de guerrillas de un sólo hombre, una tarea imposible, y más si sus sueños le traicionan al ser terribles pesadillas que le recuerdan sus fallos del pasado. Y junto a todo esto, la novela se centra en mostrarnos a modo de flashback la historia de Venli, la parshendi hermana de Eshonai que está conectada a la vez a Timbre, un spren, y a Ulim, un vaciospren, y juró el Primer Ideal de los Caballeros Radiantes al final de la novela anterior, incluso a pesar de estar al servicio de Odium y sus Fusionados. Una Venli que siempre se ha comportado cobardemente y tiene muchos pecados en la consciencia que tendrá que decidir si es capaz de hacer lo correcto aunque le pueda costar la vida.

Las 1400 páginas ha hecho avanzar muchísimo las principales líneas argumentales con múltiples sorpresas de todo tipo, y todos los protagonistas han evolucionado un montón durante la novela. Dicho esto, El ritmo de la guerra me ha dejado cierta sensación de historia de transición que nos prepara para lo que será el gran climax de la primera parte del Archivo de las Tormentas. Y es que Sanderson ha explicado que en total plantea 10 novelas divididas en dos series de 5 cada una. Esto hace que la trama necesita empezar a mostrar algunos de los secretos de cara a lo que se supone que serán los enfrentamientos claves que tenga previstos para el final de esta primera parte de su serie.

El juramento de Kaladin de El camino de los reyes puede ser lo más épico que jamás haya leído. Lo malo es que a pesar de guardarse varios momentazos en esta novela, el principal de los cuales también le tiene a él de protagonista, las cotas de épica siempre quedan por debajo cuando se comparan con la primera novela. En este sentido, es interesante entender que esta NO es una novela de combates, aunque hay un par o tres bastante buenos, sino que lo principal es seguir construyendo y haciendo crecer a estos personajes, y en eso Sanderson se muestra brillante.

Sin embargo, dentro que todo lo encuentro muy entretenido y estoy super super conectado emocionalmente con todos los personajes, me ha dado cierta sensación que todo está bien pero a la vez no hay nada brillante. Si hay tres o cuatro destellos increíbles, pero dentro de una novela de 1400 páginas, no hay duda que Sanderson exige que invirtamos mucho tiempo para llegar a esos pay-offs para los diferentes personajes. Y no tengo claro si a algún lector concreto esta novela le puede haber parecido pesada y de ritmo lento, porque realmente lo es.

Yo mismo necesito encontrar el momento adecuado para poner a leerme estas 1400 páginas. Y aunque me cuenta ponerme, la verdad es que Sanderson siempre consigue dejarme más que satisfecho con sus libros.

El ritmo de la guerra me ha gustado mucho y ha dado muchas respuestas a preguntas que no sabía que tenía, aunque globalmente tenga también cierta sensación de elemento de transición de cara al climax final. En todo caso, una de las sagas más estimulantes de la fantasía heroica actual.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Series TV

Crítica de Cobra Kai temporada 5 (Netflix)

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Tenía ganas de ver la quinta y posiblemente última temporada de Cobra Kai que se acaba estrenar en Netflix. Comento mis impresiones de esta temporada, lo bueno y lo no tan bueno de una serie que en su temporada anterior ya mostraba claros síntomas de agotamiento.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cobra Kai está ambientada 34 años después de la película original de Karate Kid, reexaminando la narrativa desde el punto de vista de Johnny Lawrence (William Zabka), y su decisión de reabrir el dojo de karate Cobra Kai que lleva a reavivar su antigua rivalidad con Daniel LaRusso (Ralph Macchio). En esta quinta temporada,

La serie, creada por Josh Heald, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg, basándose en los personajes de las películas clásicas de Karate Kid de los años 80 creados por Robert Mark Kamen, fue producida por Youtube Red, el fracasado canal con contenidos propios de pago que intentó lanzar Youtube entre 2018 y 2019. La espectacular primera temporada fue estrenada en mayo de 2018 mientras que la segunda lo hizo en abril de 2019. Tras la compra de la serie por parte de Netflix, estrenó su exitosa tercera temporada en diciembre de 2020, con una cuarta temporada estrenada a final de 2021. La temporada de 10 episodios tiene la virtud de ofrecer un buen final a la historia en caso que quieran finalizarlo ahora, y a la vez deja una enorme puerta abierta en caso de querer incluso ampliar la franquicia.

Las estrellas de Karate Kid Ralph Macchio y William Zabka repiten sus papeles como Daniel LaRusso y Johnny Lawrence. Cobra Kai también está protagonizada por Courtney Henggeler (Amanda, mujer de Daniel), Xolo Maridueña (Miguel), Tanner Buchanan (Robbie Keene, hijo de Johnny), Mary Mouser (Samantha, hija de Daniel), Martin Kove (John Kreese), Peyton List (Tory Nichols) y Thomas Ian Griffith como Terry Silver, el villano de Karate Kid 3.

En esta temporada tenemos el retorno de Yuji Okumoto como Chozen Toguchi, el villano de Karate Kid 2 reconvertido a amigo de Daniel, y los cameos de Sean Kanan como Mike Barnes, el luchador malo alumno de Terry Silver de Karate Kid 3 también reconvertido a buena persona y Robyn Lively, que interpretó a Jessica en Karate Kid 3.

Empezando al revés de lo que suelo hacer, la verdad es que noté unos clarísimos síntomas de agotamiento de la fórmula de Cobra Kai la temporada anterior, con un alargamiento de tramas de resultaba redundante y un exceso de elementos de culebrón en lugar de lo que nos gusta, los entrenamientos y combates de Karate. Tampoco me gusta nada que utilicen a Johnny de alivio cómico a costa de estar anclado en los 80 y por ejemplo no saber nada de tecnología. Creo que han alargado el chiste hasta niveles infumables y hace ya tiempo que dejó de tener gracia. Estos aspectos hicieron que le empezara a ver las costuras narrativas a la serie, y la verdad es que los tres o cuatro primeros episodios no hacen más que redundar en estos elementos que no me gustaron. El viaje de Miguel a México no pinta nada, el sentimiento de culpa de Daniel LaRusso tras perder ante Terry Silver acaba aburriendo y los gags a costa de Johnny por ejemplo al hacerle conductor de Uber me parece penoso. Visto desde ese punto de vista, la serie mantiene algunos de los elementos que menos me gustaban.

El paso del tiempo no le está jugando una buena pasada a las escenas de artes marciales. Y hay que entender que Ralph Macchio y Thomas Ian Griffith tienen 60 años y no están para muchos trotes, al igual que un William Zabka con 56. De hecho, dado que ¡Martin Kove tiene 75 años! la serie plantea para el combate que John Kreese tiene en la cárcel que lo realice Barrett Carnahan, el actor que interpretaba al joven Kreese que viajó a Vietnam. Dentro de los problemas físicos, esta solución creo que resulta bastante acertada. Y con sus carencias, sus combates en el climax final del último episodio me han parecido que tienen bastante fuerza y quedan bastante correctos en lo relativo a coreografías pero genial en la parte emocional.

Lo que no veo tan bien es que los combates de los chavales, sobre todo los de Samantha y Tory, sean tan tan flojos. Y tengo claro que esto no es una serie de flipadas tipo John Wick, pero después de 5 temporadas esperaba que ya plantearan combates mejores. Pero tampoco Miguel, Robbie o Eli (Hawk) me parece que hayan mejorado sus habilidades marciales, la verdad. De hecho, en las temporadas 2 y 3 hubieron unos brillantísimos combates multitudinarios que me volaron la cabeza. Lo visto en el climax de esta temporada me parece rodado con desgana y sin chispa, como si fuera un compromiso que hay que pasar de la forma más funcional y menos interesantes posible.

Por suerte, la serie triunfa por los personajes y la forma en que se van tejiendo las relaciones entre ambos. A pesar de lo que comentaba antes, la serie plantea un climax final super satisfactorio para Johnny y Daniel que hace que funcione como final de la serie si decidieran cerrarla aquí. También los chavales tras años de enfrentamientos y malos entendidos entre ellos terminan en un momento perfecto emocionalmente, lo cual me parece muy chulo. Siempre digo que una serie, comic, película, etc… normalita si el clavan el final te deja con buen sabor de boca que hace que el conjunto parezca mejor de lo que es (mira tú si no con Rogue One). Eso mismo sucede con el final de esta temporada de Cobra Kai, está muy bien.

Cobra Kai en muchos aspectos ha ido de crecer y mejorar, no dejando que los errores del pasado definan nuestro presente si el cambio es posible. Ese ha sido el centro emocional de Johnny y la temporada le muestra ya en paz consigo mismo y aceptando su vida y su amistad con Daniel. Un Daniel que aunque tiene dudas y cree que ha causado más mal que bien, al final entiende como le enseñó el señor Miyagi que algunas luchas deben ser luchadas porque no se debe permitir que los malos ganen. Su viaje emocional y su evolución me parece que está muy bien, dentro que los momentos iniciales en los que parece que Daniel ha cambiado de rol con Johnny y es él el oscuro no acaban de funcionar del todo bien.

La serie ha hecho gala de una enorme construcción perfectamente ensamblada en la que nostalgia y entretenimiento actual se daban la mano. En esta quinta temporada quizá llevan un pelín demasiado lejos lo de los cameos de actores de Karate Kid 3, pero en el fondo tampoco desentonan y consiguen dejarnos con una sonrisa.

Creo que es posible que esta sea la última temporada de Cobra Kai. Y lo digo a pesar que los guionistas han dejado una enorme puerta abierta para su continuación. En todo caso, diría que esta continuación debería ser con un nuevo título, ya sea Miyagi-do o quien sabe si no volverán al clásico Karate Kid. Lo digo porque tras este final, el uso de Cobra Kai como contraste de la escuela de Daniel y Johnny (Miyagi-do) ha dejado de tener sentido. Y no dudo que esta temporada va a tener una audiencia muy buena, además que al final estamos ante una serie bastante barata de producir. Estos motivos me hacen pensar que Cobra Kai podría terminar aquí, al mismo tiempo que se abre la posibilidad a un spin.of que amplíe la franquicia.

Al final, Cobra Kai ha sido un entretenimiento de primer orden, y a veces (¿siempre?) no hay que pedirle nada más a una serie de estas características. Lo que tengo claro es que a pesar de la decepción de la cuarta temporada y del inicio titubeante de esta, si la serie continuara, sea con el nombre que sea, yo estoy seguro que le daré una oportunidad.

Comparto el trailer de esta temporada:

A pesar de las dudas iniciales, Cobra Kai consigue levantar el vuelo y dejarnos con un gran sabor de boca en lo que podría ser el final de la serie, pero quien sabe si el comienzo de algo mayor.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Películas

Crítica de Juego de asesinos de Joe Carnahan (Prime Video)

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Tenía ganas de ver una buena película de acción sin complejos, y creo que Juego de Asesinos, la última película de Joe Carnahan disponible en Prime Video ha cumplido perfectamente su función.

PUNTUACIÓN:7.5/10

Una comisaría de policía de un pequeño pueblo se convierte en el improbable campo de batalla entre un asesino a sueldo, una inteligente policía novata y un estafador que busca refugio tras las rejas sin ningún lugar al que huir.

Joseph Aaron Carnahan (1969) es un director de cine, guionista, productor y actor estadounidense especializado en cine de acción. Es conocido por películas como Narc, Smokin’ Aces, The A-Team, The Grey, o Boss Level. También escribió y dirigió varios episodios de la serie de televisión de la NBC The Blacklist. Carnahan escribe el guion de la película junto a Kurt McLeod, a partir de una historia de McLeod y Mark Williams. La película cuenta con fotografía de Juan Miguel Azpiroz, montaje de Kevin Hale y música de Clinton Shorter. La película de 107 minutos de duración contó con un presupuesto de 6 millones de dólares.

En el reparto tenemos a un potente dúo de caras conocidas dentro del género de la acción: Gerard Butler como Bob Viddick, un sicario profesional y Frank Grillo como Teddy Murretto, un estafador. Alexis Louder completa el trío protagonista interpretando a Valerie Young, una agente de policía novata en medio del caos. Toby Huss como Anthony Lamb, un asesino psicótico con un contrato y Chad L. Coleman como Duane Mitchell como el sargento de policía completarían el reparto en sus papeles principales.

Dentro de su modestia de medios, Juego de asesinos me ha parecido una película super entretenida que cumple más que de sobra su función, sobre todo teniendo en cuenta que la vi en casa gracias a estar disponible en Prime Video. La película tiene una duración perfecta de 102 minutos que empieza a tope y no da un segundo de respiro. Teniendo en cuenta que la mayoría del metraje tiene lugar dentro de la comisaría, realmente están pasando un montón de cosas todo el rato y hay varias sorpresas y giros inesperados que me han parecido buenísimos. Leyendo la sinopsis me daba cierto feeling a Asalto a la comisaría del distrito 13, pero realmente la película va por otro lado, nada que ver.

Carnahan como director, guionista y productor de la película plantea la película con varios toques de humor negro que funcionan muy bien y que ayudan a transmitir que tampoco hay que tomarla demasiado en serio, lo cual creo que va en beneficio de la historia y del visionado. Aunque hay una escena de una explosión que muestra que han ido bastante justos con el presupuesto, realmente el climax final lo he visto super potente y me ha dado lo que le pido a una película de acción de este tipo.

Si tengo algo menos bueno que comentar, dentro que me gustan Gerald Butler y Frank Grillo, realmente esperaba más de sus personajes y sobre todo de su enfrentamiento dialéctico y físico durante la película. En todo caso, sí me gusta que lo guarden todo para un potentísimo climax final plagado de fuego y muerte. El verdadero descubrimiento de la película para mi es Alexis Louder, que está genial como el único personaje moral de la película que tiene que enfrentarse a una piscina de tiburones en la que todos son enemigos que buscan su muerte. Dentro de su bisoñez, Louder se crece y mira de tu a tu a Grillo y Butler, lo cual me parece una pasada.

Comparto el trailer de la película:

Juego de asesinos es una estupenda película de acción que me ha dado justo el entretenimiento que necesitaba. Me parece perfecto que Prime siga ofreciendo este tipo de película de acción dentro de su catálogo. Ojalá muchas más películas así.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros