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Misión: Imposible – Nación Secreta. Tom Cruise sigue en plena forma.

La quinta película de la saga Misión: Imposible, Nación Secreta, demuestra que Tom Cruise no ha perdido su buen ojo y sigue dando a los espectadores un gran espectáculo cinematográfico.

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Tras el estreno de M:I 4 en 2011, parecía que la estrella de Tom Cruise se estaba apagando. Jack Reacher (2012), Oblivion (2013), realmente la única película mala de Cruise de estos años, y Al filo del mañana (2014) fueron decepciones comerciales que pusieron en duda la capacidad de Cruise de mantenerse como una estrella cinematográfica a nivel mundial. Por este motivo el estreno de esta M:I 5 estuvo rodeado de gran expectación y todo lo que no fuera un gran éxito sería visto como la confirmación del declive de Cruise.

Afortunadamente para él, la película está siendo merecidamente un gran éxito de taquilla en todo el mundo, lo que ha ayudado a que los estudios hayan dado luz verde al rodaje de Jack Reacher 2 y de una nueva Misión Imposible, que será la 6ª entrega de la saga. Estas nuevas secuelas se estrenarán a partir de 2017 tras Mena, su nueva película ambientada en el mundo de los cárteles de la droga en los años 80 y que está siendo dirigida por Loug Liman, que ya colaboró con Cruise en Al filo del mañana.

Tengo que señalar sin embargo, que aunque la agenda de Cruise vaya a seguir muy cargada de rodajes en los próximos años, su edad, 53 años, va a empezar a jugar un factor importante en el tipo de películas que haga próximamente. En M:I 5 le vemos realizando la mayoría de las escenas, como en la que se sube a un avión que acaba de despegar, o conduciendo coches y motos, pero solo hay una escena de combate cuerpo a cuerpo. Sin duda, aunque se muestra en plena forma, en el fondo creo que el propio Cruise conoce sus propias limitaciones, y sabe como disimularlas.

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El argumento de Nación Secreta nos cuenta como el gobierno de los EE.UU. decide cerrar la FMI a petición del Director de la CIA Alan Hunley (Alec Baldwin) en el peor momento posible. Ethan Hunt (Tom Cruise) ha descubierto que El Sindicato, una organización criminal secreta formada por espías de varias nacionales dados por muertos, existe realmente y lleva años realizando actos de terrorismo a escala global que amenazan el actual orden mundial. Evitar a la CIA dé con él y detener al Sindicato sin los recursos del FMI va a ser una misión mucho más imposible que de costumbre, y más enfrentado a la agente británica renegada Ilsa Faust (Rebecca Ferguson), que está por ver si es una aliada frente al Sindicato, o solo les utiliza para sus propios fines.

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La película está excelentemente dirigida por Christopher McQuarrie, que también escribió el guión, cumpliendo totalmente con lo que se espera de este tipo de cine. La tensión y el peligro se respiran en todas las escenas, y en especial en la de la Ópera de Viena o las rodadas en Marruecos, sin duda estos los dos momentos álgidos de la película.

McQuarrie, ganador de un Oscar en 1996 por su guión de «Sospechosos Habituales», se ha convertido en uno de los colaboradores habituales de Tom Cruise en los últimos años. Tras escribir el guión de Valkyria, dirigida por Brian Singer, director con el que McQuarrie ha colaborado también en varias ocasiones, Tom Cruise confío en él para escribir y dirigir Jack Reacher, una excelente película de acción con un feeling a cine de los 80 que aunque no consiguió ser un super éxito de taquilla si dejó a los aficionados con un buen sabor de boca. Tras esta película, escribió también el guión de «Al filo del Mañana», una de las mejores películas de ciencia ficción del año pasado, tras la cual Cruise le escogió para dirigir esta película.

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En el capítulo de los actores secundarios, destaca sobre todo el carismático Simon Pegg, de nuevo en el papel del genio informático Benji Dunn, que consigue robar las escenas al resto de reparto y demuestra que puede dar mucho juego en próximas entregas de la franquicia. Y Rebeca Fersuson (Ilsa Faust) se convierte por méritos propios en la versión femenina de Ethan Hunt.  Esto va en detrimento de otros personajes que huelen a carne de recambio: Jeremy Renner (William Brandt) no pasa de ser un correcto secundario sin más y a Ving Rhames (Luther Stickell) se le ve ya muy mayor y con ganas de una merecida jubilación.

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Quizá el aspecto más flojo de la película sea el villano de la función, el enigmático y peligroso Solomon Lane (Sean Harris), líder del Sindicato. Aunque en el fondo, las películas de Misión Imposible siempre se han preocupado más de mostrar como Ethan Hunt y su equipo llevan a cabo sus misiones imposibles, que en desarrollar un contrincante de verdadera entidad y carisma que pudiera hacer sombra a Cruise. Y esta 5ª entrega no es una excepción, siendo el villano un vehículo meramente utilitario y necesario para poner en marcha la acción.

Además, como los dos grandes momentos de la película son la escena en la Opera de Viena y la infiltración a la instalación marroquí, el último tercio de la película no llega a sorprender y da cierta sensación de perder el ritmo que hasta ese momento habiamos visto.

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Con todo, es una película sumamente entretenida, que hace que las 2 horas de proyección pasen volando y que confirman que vamos a tener a Tom Cruise durante muchos años. En mi caso, mientras mantenga el nivel exhibido aquí o en Jack Reacher, yo seguiré pagando por ver en cine las nuevas películas de Tom Cruise, lo que creo que hoy en día es el mayor halago que le puedes dar a un actor.

Como siempre, os paso el primer trailer de la película.

Misión:Imposible – Nación Secreta es una dignísima incorporación a la franquicia y una película que asegura su continuación. ¡Te la recomiendo!

Crítica: 7.5/10

True Detective 2ª Temporada – Qué difícil es ser buen policía en California

La 2ª Temporada de True Detective terminó y aún teniendo algunos grandes momentos televisivos, ha resultado una pequeña decepción. Aunque es justo reconocer que igualar el nivel de excelencia de la primera temporada era una misión casi imposible, y que su creador Nick Pizzolatto acertó al intentar hacer una serie lo más diferente posible a la anterior.

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«Tenemos el mundo que nos merecemos» es el pesimista y desalentador slogan que marca el tono de esta temporada. La acción se traslada a California para contarnos una historia típicamente noir con personajes torturados por su pasado que verán involucrados a su pesar en la investigación de un caso de asesinato que sacará a la luz una maraña de corrupción y cuentas pendientes que salpicará a todos los estamentos del poder policial, político, judicial y económico del Estado.

Si en la primera temporada todo giraba en torno a los 2 protagonistas, «Rust» Cohle (Matthew McConaughey) y Martin Hart (Woody Harrelson), para esta temporada el número de protagonistas se duplica:

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Ray Velcoro (Collin Farrell) es un veterano policía que trabaja como detective en la corrupta localidad de Vinci, epicentro de un entramado de corrupción urbanística que se extiende por todo el Estado. Velcoro está quemado y es un adicto a las drogas y el alcohol, aunque no siempre fue así. La investigación de la violación de su mujer hace años hizo que quedara en deuda con el mafioso Frank Semyon, lo que le empujó al alcohol, los negocios sucios y finalmente acabó con su matrimonio. Pero, ¿es eso cierto, o es solo la excusa que él quiere creer?

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Frank Semyon (Vince Vaughn) es un mafioso que está intentando dejar sus negocios ilegales y convertirse en un hombre de negocios respetable. El asesinato del empleado municipal de Vinci Ben Caspere, que era además su apoderado en los negocios inmobiliarios, derrumbará sus sueños y le obligará a retornar a una vida que creía terminada. Dispuesto a averiguar quién mató a Caspere, utilizará de nuevo su influencia con Velcoro para conocer la verdad. ¿La muerte de Caspere fue provocada por sus negocios con Semyon o está relacionada con algo mucho mayor?

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Ani Vezzerides (Rachel McAdams) es una detective de la Oficina del Sheriff del condado de Ventura. Un oscuro suceso de su infancia jodió su vida y la convirtió en una persona huraña, de mal carácter y que odia al mundo entero. Especialmente a su padre, un gurú de un grupo espiritual new-age al que hace años que no visita. Al encontrarse el cuerpo de Caspere en su jurisdicción, será ella quién dirija la investigación. Aunque está por ver si sus superiores están realmente interesados en resolver el caso o en enterrarlo.

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Paul Woodrugh (Taylor Kitsch) es un motorista de la Patrulla de Caminos de California, antiguo soldado veterano en Afganistán, y que muestra unas peligrosas tendencias autodestructivas a partir de algo que le pasó durante este periodo de combate. Al ser él quién encuentra el cuerpo de Caspere estando fuera de servicio, sus superiores del cuerpo de policía le hacen participar en la investigación, en parte para quitarle de en medio.

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Alejada del misterio con toques lovecraftiano de la primera temporada, y centrada en una historia típicamente noir en la que unos policías con muchos defectos investigan un caso que en realidad a nadie le interesa que sea resuelto, quizá esta temporada tiene 2 problemas principales:

– Los personajes no son ni de cerca tan carismáticos como Rust y Martin de la 1ª temporada. Su principal y casi única cualidad es que «están jodidos», y no tienen esa chispa que te invita a querer conocer lo que les pasó. Y cuando finalmente conocemos el pasado de estos personajes, no consigue crear ninguna afinidad ni vínculo positivo hacia ellos, excepto quizá en el caso de Velcoro.

– El asesinato de Caspere y otros misterios sin resolver que iremos conociendo a lo largo de la serie son una excusa para colocar a personajes de filosofías muy diferentes en ruta de colisión, y empezar así a desentrañar el tema principal, la corrupción que corrompe a todos los estamentos de California y mueve los hilos en la sombra. Por tanto, la muerte de Caspere no nos importa, ya que de hecho este personaje ni siquiera aparece antes de que se encuentre su cadáver.

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A pesar de lo que acabo de comentar, esta temporada de 8 episodios te engancha completamente. Aunque ni el crimen ni su investigación consiguen que te impliques emocionalmente, si me gusta este tipo de narración exigente que no me lo da todo mascadito sino que te obliga a reflexionar sobre lo sucedido en cada episodio. Eso sí, debido a la gran cantidad de nombres, sucesos, detalles y fechas que van apareciendo, o entras en el «rollo» o puedes acabar totalmente perdido y sin tener ni idea de lo que está sucediendo, ni quién hizo qué, ni por qué.

Nick Pizzolatto nos brinda de nuevo algunos diálogos muy acertados, sobre todo en las conversaciones de Velcoro con Semyon o con Vezzerides. Lo único, es que quizá el exceso de protagonistas impide que nos centremos en ellos, y no puedan trasmitir el carisma que se espera.

Unido a lo anterior, creo que los actores globalmente cumplen aunque sin llegar al sobresaliente de McConaughey y Harrelson. Que estos actores se salieran probablemente elevó nuestras expectativas, por lo que todo lo que no sea sobresaliente parece un bajón, algo que aunque inevitable, no es demasiado justo. Además de la calidad de los actores, quizá el guión tampoco les haya permitido brillar más de lo que lo han hecho.

Visualmente hay momentos muy potentes, como ese paisaje gris e industrial en que se mueven los personajes, o las omnipresentes autovías de California, que parecen un personaje más, a modo de un sistema circulatorio que extiende el cáncer de la corrupción por todos lados.

Además, tenemos el episodio 4, que marca el final de la primera parte de la historia y que cuenta posiblemente con la mejor escena de toda la serie, y muy, muy por encima de toda la televisión actual. Quizá solo por ese episodio, merece que inicies el camino y empieces a ver esta serie.

Y aunque el final no es perfecto, es lógico y coherente con lo visto y con los parámetros del género noir, en el que no siempre los buenos ganas o sobreviven. Por ello, globalmente sí me dejó con un buen sabor de boca.

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Comparto con vosotros 3 videos, la intro de la serie, visualmente alucinante como de costumbre, y dos trailers de esta temporada:

A pesar de no ser un sobresaliente, esta segunda temporada sí merece ser vista, situándose muy por encima de la media de series de televisión de temática policial / criminal.

Nota: 7/10

 

Ex-machina, el laberinto de la Inteligencia Artifical

Ex-Machina, debut en la dirección del escritor Alex Garland, colaborador habitual del director Danny Boyle en películas como 28 días después o Sunshine, es una de las mejores películas de Ciencia-Ficción del año, y una de las que mejor refleja la complejidad de la Inteligencia Artificial.

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La película, estupendamente interpretada por Oscar Isaac, Alicia Vikander y Domhnall Gleeson, está planteada como una historia en espiral, con capas dentro de capas que te mantienen intrigado y que te descolocan durante toda la película hasta el sorprendente, aunque lógico, climax final. De hecho, este final obliga a replantearte todo lo que has visto, para darte cuenta que todos los personajes son más complejos de lo que aparentaban en un principio.

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El argumento de la película gira en torno a Caleb Smith, (Gleeson), un programador de Bluebook, un imaginario conglomerado fusionando Google y Facebook, que gana un premio para conocer al enigmático CEO de su empresa, Nathan Smith (Issac), que vive recluido en un complejo en Alaska alejado del mundo.

Al llegar, Caleb descubre que realmente ha sido elegido por sus habilidades únicas para ser el componente humano de un Test de Turing, destinado a evaluar la capacidad de AVA (Vikander), un robot con aspecto y características femeninas, y en su caso, comprobar si realmente tiene consciencia y se la puede considerar una I.A. (Inteligencia Artificial).

Durante las entrevistas con Caleb, AVA demuestra una sofisticada inteligencia y emotividad, pero habrá que ver si eso es suficiente para demostrar la existencia de la I.A. o meramente demuestra una programación excepcional de Nathan. Aunque preguntas como ¿porqué AVA tiene miedo de Nathan? harán que Caleb se replantee su función es este experimento.

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Hemos podido ver en los últimos tiempos películas como Her en las que la I.A. es la protagonista. Sin embargo, aunque hay muchos lugares comunes, Ex-machina consigue mantenerse en todo momento en un terreno familiar pero diferente e interesante.

El diseño conceptual de AVA, en el que participó en dibujante y portadista de comics JOCK (Losers para Vertigo), entra dentro de esta categoría.  Huye del típico diseño blanco puro aséptico que tantas veces hemos visto, por ejemplo en la película Yo, Robot de Will Smith, pero mantiene una simplicidad, funcionalidad y lógica que le otorga una gran verosimilitud. La elección de cuerpo transparente que deja ver su mecanismo robótico constrasta con la expresividad de su cara, y ayuda a mantener al espectador en equilibrio frente a estas 2 facetas de AVA.

Esto ayuda a que la estupenda interpretación de Alicia Vikander destaque. AVA no trasmite en ningún momento sensación robótica, a pesar que podemos ver sus intimidades» robóticas, sino una versión de ser humano perfecto. Todos sus movimientos son los justos y necesarios, y trasmite una gran curiosidad y empatía no solo a Caleb, si no también a nosotros los espectadores. La duda que hay en todo momento es si estamos ante sentimientos «reales» o esta actuación es fruto de una compleja manipulación generada por su programación.

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También quiero destacar la actuación de Oscar Isaac, como el huraño y manipulador Nathan. Pero aunque desde el principio trasmite una gran sensación de mal rollo en todo lo que hace, si escuchas atentamente todo lo que dice tiene sentido, por lo que quizá tenga motivacioness ocultas más allá de lo que sus actos indican.

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Alex Garland ya era un reputado guionista, pero con esta película se une al grupo de directores interesantes a los que tener muy en cuenta. Sus guiones para películas como 28 días después, Sunshine o Dredd demuestran su interés por la ciencia-ficción y el cine de género al que da un giro moderno e interesante. Con Ex-machina realiza un guión de apariencia sencilla pero que esconde una gran complejidad en el fondo, que traslada perfectamente a imágenes en este su debut como director.

La película se realizó con un presupuesto bajo, pero ajustado a las necesidades de la historia que Garland quería contar, prácticamente en un único decorado, la casa de Nathan apartada en el corazón de Alaska.

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Auconsciencia, engaños, sexualidad, manipulación… todos esos son temas que se reflejan en esta película. La gran duda es saber quien hace qué, y quién manipula a quién y como terminará todo.

Os paso el trailer de la película, que marca muy bien el tono de la película.

 

 

Si te gusta la ciencia-ficción alejada de explosiones y grandes despliegues de efectos generados por ordenador, esta película es de obligado visionado, ¡te la recomiendo!

Puntuación: 8.5/10

Inside-Out, la maduración de nuestras emociones

Inside-Out (Del revés) es el nuevo peliculón de los estudios PIXAR. Escrita y dirigida por Pete Docter (Up, Monsters S.A.), va a marcar un nuevo listón de calidad que va a ser muy difícil de superar.

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El año pasado hubo una importante falta en los estrenos cinematográficos, ya que Pixar no estrenó ninguna película, debido a los retrasos en la producción de esta película y del otro estreno de este año, «The Good Dinosaur», que estrenará este próximo otoño. Así que las expectativas estaban por todo lo alto. Y lo cierto es que «Del Revés» las supera completamente.

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La premisa es increiblemente original e imaginativa. Riley es una niña de 11 años que vive feliz en Minnessota. Pero los cimientos de su realidad se empiezan a resquebrajar cuando sus padres deciden mudarse a San Francisco, teniendo que abandonar su casa, a sus amigos y su hobby favorito, el hockey sobre hielo. A pesar de este cambio radical, Riley permanece con una mentalidad positiva, e intenta ayudar a sus padres en estos momentos complejos.

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Aquí empiezan los elementos originales, al enseñarnos que todas las personas nos regimos por 5 emociones básicas, que ayudan a formar nuestra personalidad. Alegría es la líder del grupo en la cabeza de Riley y organiza todo desde el puesto de mando en la consciencia del cerebro de Riley para que sea feliz el mayor tiempo posible. Tristeza, Miedo, Asco e Ira, las otras 4 emociones, ayudan a Alegría en este cometido, siempre desde sus particulares puntos de vista.

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Las experiencias de Riley más importantes de guardan en «Recuerdos Esenciales», que ayudan a formar las 5 islas de personalidad que forman su yo de niña y que la definen: Familia, Amistad, Payasadas, Hockey y Sinceridad.

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En este momento de crisis, Tristeza toca sin querer recuerdos felices de la infancia de Riley en Minnessota y los convierte en tristes. Alarmados, Alegría intenta que no toque nada ni cambie ningún recuerdo, pero Tristeza no puede evitar seguir haciéndolo, aunque no sabe porqué ni cómo ha conseguido cambiar el recuerdo. Al final, Alegría y Tristeza caerán al almacén central de recuerdos con algunos de los recuerdos esenciales, y tendrán que intentar volver al centro de mando para devolverlo todo a la «normalidad».

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Para ello, contarán con una ayuda inesperada, Bing-Bong, el amigo imaginario de la infancia de Riley, con el que jugaba cuando era una niñita pequeña, y al que habían olvidado.

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Sin los recuerdos esenciales, las 5 islas de la personalidad se apagan y Riley empieza a actuar diferente a como era habitual. Se enfada con su mejor amiga de Minnessota por teléfono, tiene un horrible primer día de colegio y llora delante de toda su clase, no recuerda como jugar a hochey en mitad de una prueba con el equipo de colegio, e incluso empieza a mentir y a discutir con sus padres. Y así, una tras otra, las islas de la personalidad de Riley van cayendo al basurero mental donde de depositan los recuerdos que ya no se usan.

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Alegría y Tristeza nada pueden hacer por evitarlo desde el almacén de recuerdos, y están a punto de caer en la desesperación. Y cuando Alegría cae al basurero con Bing-Bong, descubre allí la verdadera importancia de Tristeza, al ser un sentimiento íntimamente ligado a ella, y en muchas ocasiones, una define a la otra, y un suceso feliz no es posible sin una pequeña tristeza anterior.

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Finalmente, el sacrificio de Bing-Bong permite a Alegría escapar, y tras localizar a Tristeza, consiguen llegar al centro de mando, dejando que sea ella la que tome las riendas del centro de mando, justo cuando Riley estaba a punto de escaparse de casa, para confesar a sus padres que ella está triste y se siente mal por la mudanza.

Esta triste verdad que era necesaria expresar une aún más a la familia y consigue que todo vuelva poco a poco a la normalidad y a la felicidad. Y esta es la clave de la película, que nos enseña que todas las emociones son importantes y que tenemos que experimentarlas todas para tener una vida completa y satisfactoria. Un zasca en la boca a las vidas siempre felices que nos muestra la televisión (sin ir más lejos, en toooodas las series del Disney Chanel), totalmente irreales y sin sentido.

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Además, es una interesante forma de mostrarnos como el paso de la niñez a la adolescencia provoca un cambio en nuestros valores y prioridades, de manera que cosas fundamentales hasta ese momento dejan de serlo en favor de otros intereses. Y aunque este cambio es normal, hay que tener un ambiente familiar lleno de cariño para que los niños puedan desarrollar su personalidad definitiva de la forma más positiva posible.

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Me ha sorprendido sobre todo de esta película como consiguen explicar de forma super sencilla como funciona nuestro cerebro y qué son conceptos complejos como la memoria a largo plazo, las islas de personalidad, el pensamiento abstracto, el subconsciente, la imaginación, las creencias (formadas por hechos y opiniones), el basurero mental o la divertida explicación de los deja-vu. Esto se consigue con unos personajes coloridos llenos de carisma que en seguida te atrapan con sus cualidades, destacando obviamente los personajes de Alegría, Tristeza, y la sorpresa de la película, el amigo imaginario Bing-Bong.

El único pero  es que aunque la película es para todos los públicos, realmente la temática es muy adulta. Los personajes de colores ayudan a mantener interesados a los niños, pero creo que la historia es demasiado profunda para ellos. Veo un películón en el que está todo perfectamente pensado y encaja, pero quizá la complejidad del guión resta un poco de diversión al conjunto. Diversión no entendida como estar riendo a carcajadas todo el rato, sino una experiencia para todos los públicos.

Aunque este es un pero muy, muy pequeño, que no desmerece el increíble guión, la imaginación de todos los personajes y el paisaje dentro de la cabeza de Riley, y el mensaje revolucionario que comparten con los espectadores de una película supuestamente para niños.

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Comparto con vosotros los 2 primeros trailers de la película, que es por méritos propios un clásico del cine moderno.



Del revés es un películón, y no te la puedes perder. Te la recomiendo!!

Puntuación: 9/10

Vengadores: La Era de Ultron – La última misión de Joss Whedon

Como buen aficionado, fui a ver Los Vengadores: La Era de Ultron el día del estreno junto a un público entregado que deseabamos pasar un buen rato. ¿Qué tal fue la peli? ¿Consigue superar las enormes expectativas creadas? Vamos a ello!!

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La película es un gran espectáculo de casi 150 minutos que desde el primer fotograma no te va a dejar respirar, y que seguro dejará satisfechos a la mayoría de aficionados que vayan a verla.

Joss Whedon, su escritor y director, tenía ante sí una tarea casi imposible: Mejorar la inmejorable primera película, que fue un sueño hecho realidad para muchos fans de los comics Marvel. Siendo una muy buena película, creo que globalmente Vengadores: La era de Ultron no consigue superar la magia de la primera película, aunque sí nos ofrece una estupenda película llena de grandes momentos y visualmente espectacular que marca un antes y un después en el universo Marvel cinematográfico.

En esta segunda parte hay más super-héroes, más acción y a la vez más desarrollo de personajes que en la anterior. Es una película independiente con un principio y un final claros, a la vez que continúa los sucesos de las películas anteriores, como Capitán América: Soldado de Invierno, y abre a la vez un montón de argumentos que se continuarán en las siguientes películas… Buff, parece que se ha conseguido la cuadratura del círculo, podríais preguntaros con razón. Y la verdad, es que aunque la película para mí es de notable, algunos detalles impiden que llegue al sobresaliente que yo al menos esperaba.

A continuación voy a pasar a comentarla con algún pequeño Spoiler, pero sin destripar las principales sorpresas de la película.

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Tras Capitán América: Soldado de Invierno SHIELD ha desaparecido. El mundo es un lugar más peligroso tras conocerse el alcance de la amenaza de Hydra. Así que esta película no pierde tiempo en preámbulos ni explicaciones, empezando directamente con Los Vengadores asaltando una de las bases de Hydra en Sokovia, un país imaginario en la Europa del Este. El concepto es claro, si eres un fan y has visto las anteriores películas, no tendrás problemas en seguir el ir y venir de los personajes, no solo de los principales, sino también de secundarios de otras películas como Maria Hill, Sam Wilson (El Halcón), o James Rodhes (Máquina de Guerra). Pero si entras al cine despistado, quizá puedas tener la sensación de que te has perdido algo.

Además, si en la primera película tuvimos que esperar 100 minutos para verles por fin juntos, ahora desde el principio Whedon te da lo que quieres ver, a los héroes juntos en acción, disfrutando de algunos detalles visualmente brutales durante la batalla en los bosques.

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Durante la misión, Los Vengadores descubren que Hydra tiene a 2 humanos «mejorados» (enhanced en el original). Los gemelos Pietro y Wanda Maximoff son los únicos supervivientes de unos experimentos realizados por Hydra para conseguir a sus propios Super-Soldados, y han adquirido poderes de velocidad él y de telepatía, telequinesis y mucho más ella. Los gemelos Maximoff, huérfanos tras morir sus padres hace años tras un ataque americano a su país, se presentaron voluntarios para que los USA, y en concreto Tony Stark, fabricante de las armas que mataron a sus padres, pagaran por lo que le hicieron a su país, por lo que fueron fácil carne de cañón para Hydra.

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Tras esta primera escaramuza, los gemelos huyen y los Vengadores vuelven a casa con el cetro de Loki, que contiene la Gema del Infinito de la Mente, y una tecnología que le permitirá a Tony llevan a cabo un sueño que lleva mucho tiempo buscando. La creación de una Inteligencia Artificial que ayude a que el planeta esté a salvo de todo tipo de amenazas, incluidas la invasión extraterrestre de los Chitauri de la primera película.

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Pero el experimento sale mal, y Tony despierta a Ultron, una I.A. que odia a la raza humana, y que intentará aniquilarla. Y para derrotarla, Los Vengadores tendrán que enfrentarse no solo a Ultron y su ejército mecánico, sino a sus propios miedos, que amenazan con destruir al grupo desde dentro.

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La película ofrece todo lo que los fans estábamos esperando, más acción, mayor amenaza, más personajes, más humor y diálogos ocurrentes de Whedon, y más desarrollo de los personajes de Ojo de Halcon, la Viuda Negra o Hulk, para paliar el déficit de la primera película. Los héroes son HÉROES, siempre más preocupados por la seguridad de los civiles que en vencer como sea al villano, que por otro lado… ¿no es eso precisamente lo que hacen los héroes?

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En el lado de los actores, Marvel demuestra una vez más tener un instinto especial para acertar con los castings de sus películas. Los novatos Elisabeth Olsen (Wanda Maximoff), Aaron Johnson (como su hermano Pietro) y Paul Bettany (como La Visión, tras años de solo oirle como la voz del ordenador Jarvis) cumplen de maravilla con sus papeles, aportando interesantes matices a los nuevos héroes. Y aunque no pude escuchar a James Spader en la versión española, las críticas americanas también alaban los matices que aporta al robótico villano Ultron.

Y en el lado de los veteranos, para mi destaca especialmente Chris Evans como el Capitán América, que demuestra que él ES es Steve Rogers, y su presencia impone en pantalla. Jeremy Renner disfruta de más minutos en pantalla, así como Scarlett Johansson (Viuda Negra) y Mark Ruffalo (Hulk), una imposible pareja, dos héroes heridos en el interior que se ven atraidos mutuamente. Robert Downey Jr. trasmite su carisma como Tony Stark, aunque en algunas escenas parece que está con el piloto automático puesto, sin conseguir una interpretación 100% redonda. Y muy desaprovechado continúa Chris Hemsworth (Thor), personaje que brilla en la batalla, pero al que Whedon parece no haberle cogido el truco para que su personalidad se vea claramente en la historia, más allá de sus momentos de humor.

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Todo genial hasta ahora, pensareis… Lo sería si se hubiera podido contar todo correctamente.

Realmente pasan MUCHAS cosas, quizá demasiadas, incluso para los 141 minutos de película. Y para mostrar toda la acción, todos los momentos de desarrollo de personajes, y que TODOS los héroes tengan su momento o momentos de lucirse en pantalla, la narración es demasiado precipitada. Las escenas se suceden y todo es importante, pero a tal velocidad que se pierde la posibilidad de que calen en el espectador.

Relaciones como p.ej. la de Bruce Banner y Natasha Romanoff se presentan y se concluyen casi con una frase de diálogo ingenioso, algo que resta verosimilitud a la situación, y que sin duda hubiera merecido un mayor desarrollo. Y casi todas las escenas, incluso algunas de importante carga dramática, tienen chistes de Whedon, que restan dramatismo a una película que ha sido catalogada por toda la crítica como más «oscura».

La historia está autocontenida en si misma y no se ven las consecuencias en el mundo «real», como por ejemplo tras la batalla en Sudáfrica entre Hulk y el Iron Man Hulkbuster, o cual es la situación en que queda el mundo al final de la película, cosa que sí mostraron con acierto películas anteriores.

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Estamos posiblemente ante una historia que merecía haberse estrenado con una duración de 160/180 minutos para que todas las situaciones y personajes hubieran sido desarrollados con el ritmo y el tiempo que sin duda merecían. Demasiada duración, supongo, para el estandar del cine comercial americano que busca conseguir récords de recaudación, y que a mayor duración, menos sesiones pueden realizar las multisalas. Una autentica pena, la verdad, ya que esos minutos adicionales estoy convencido que hubieran mejorado sustancialmente la película.

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Y fruto en parte de esa necesidad de que las escenas avancen a toda velocidad está otro de los problemas de la película: ULTRON.

El villano tiene una nacimiento apresurado (como todo en la película) que no está del todo explicado, y su motivación no pasa del típico «acabar con la humanidad», con lo que su plan y sus acciones pierden fuerza. Además, el personaje es un CGI creado por ordenador, con lo que no trasmite ningún carisma, como sí lo hicieron Tom Hiddlestone (Loki) o Robert Redford (Alexander Pierce) en anteriores películas. Y ese mismo uso excesivo del CGI hace también que no me trasmitiera ninguna sensación de amenaza «real» para los héroes, como sí provocaba el Soldado de Invierno en la última película del Capitán América.

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Con todo, la película sin duda merece verse en el cine, siendo un espectáculo de primer orden como no creo que volvamos a ver… ¡ hasta la siguiente película!! Creo además que un segundo visionado permitirá asimilar completamente toda la información y todos los argumentos que se abren y que tendrán que ser desarrolladas en las próximas películas de la Fase 3 del universo cinematográfico de Marvel.

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La película supone la despedida de Joss Whedon de la dirección de las aventuras de los «Heroes más poderosos de la Tierra». Vengadores: La era de Ultron es un trabajo enorme del director, que consigue sacar adelante algo muy, muy difícil de conseguir y que tendrá mi eterno agradecimiento, a pesar de que algún elemento hubiera podido mejorarse.

Creo que su decisión de bajarse de los mandos justo ahora es la más acertada, y que con estas 2 películas ha podido contar lo que quería contar como él quería. Es el momento de dejar que sangre nueva aporte nuevos puntos de vista a estos personajes y que les den una nueva fuerza y carisma en pantalla. Además, gracias al final abierto de la película y el cambio en el statu-quo que se produce, hay unas enormes posibilidades para que las siguientes películas sean familiares por los personajes, pero con situaciones totalmente frescas y novedosas.

Y los directores elegidos para llevar a cabo esta tarea, los Hermanos Russo, directores de Capitán América: Soldado de Invierno y la próxima C.A.: Civil War de estreno en 2016, son sin duda una gran elección.

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Ant-Man este mes de agosto, Capitán América: Civil War y Doctor Extraño en 2016; Guardianes de la Galaxia 2, la nueva película de Spider-Man y Thor: Ragnarok en 2017; la primera parte de Vengadores: Infinity War, Ms. Marvel y Pantera Negra en 2018… Las cosas siguen pintando bien para los superéroes Marvel en el cine, y yo seguiré aquí para verlo y disfrutarlo

¡Saludos a todos!