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Crítica de Caballero Luna Episodio 1 (Disney+)

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Prometedor. Si sólo tuviera una palabra para describir mis impresiones del primer episodio de Caballero Luna recién estrenado en Disney+, sería esa. Comento mis impresiones del episodio de presentación del nuevo héroe de Marvel Studios protagonizado por Oscar Isaac.

PUNTUACIÓN: 7/10

Episodio 1. El problema del pececito.

Steven Grant sufre un trastorno de identidad disociativo y comparte cuerpo con un fiero mercenario.

Moon Knight (Caballero Luna en España) es una serie más arriesgada de lo que parece. Estamos ante la primera serie original en imagen real que Marvel Studios presenta en Disney+ que no es un concepto derivado / continuación de las películas del MCU, como pasó en Wandavision, Falcon y el Soldado de Invierno, Loki y Ojo de Halcón. Y que el protagonista no sea un héroe puro típico sino un personaje con trastorno de identidad disociativo (lo que toda la vida hemos entendido como síndrome de personalidades múltiples), puede ser una importante barrera a la entrada de algunos espectadores que no sepan qué esperar, o no consigan conectar con él.

El comic de Marvel nunca ha sido un super ventas, pero desde su primera aparición en Werewolf by Night #32 (1975) creado por el escritor Doug Moench y por el artista Don Perlin, el personaje ha disfrutado de varias etapas celebradas en las que encontramos a Moench con Bill Sienkiewicz, Charlie Huston con David Finch, y más recientemente Warren Ellis con Declan Shalvey o Jeff Lemire con Greg Smallwood. Si te interesa conocer más detalles sobre el personaje, te recomiendo que escuches el podcast monográfico de Sala de Peligro.

Para esta nueva serie de Disney+ de seis episodios, Marvel Studios ha contratado a Jeremy Slater como creador y escritor principal, y a Mohamed Diab al frente del equipo de dirección.

Jeremy Slater es un escritor y productor de cine y televisión estadounidense, conocido por su trabajo en películas como 4 Fantásticos, la adaptación live action de Death Note, y en series de televisión como The Umbrella Academy y The Exorcist, que Slater creó y en las que se desempeña como productor ejecutivo.

Mohamed Diab es un escritor, guionista y director de cine egipcio cuyo trabajo se centra principalmente en problemáticas relacionadas con la sociedad egipcia. Es reconocido por su debut como director, la película de 2010 El Cairo 678, estrenada un mes antes de la revolución egipcia. Diab además escribió la historia de la exitosa franquicia cinematográfica El Gezeira (La isla), cuya recaudación en taquilla ha sido de las más altas en la historia del cine egipcio y árabe. Caballero Luna es el primer trabajo de Diab en el mercado americano.

La serie cuenta con localizaciones en Budapest, que hace las veces de Londres, Eslovenia y Jordania, además de en los estudios centrales de Disney en Atlanta. Este primer episodio de presentación de la serie y del personaje tiene 47 minutos, 41 sin los títulos de crédito. La serie cuenta con fotografía de Gregory Middleton y Andrew Droz Palermo y montaje de Cedric Nairn-Smith, Joan Sobel y Ahmed Hafez. El compositor egipcio Hesham Nazih ha compuesto la música de la serie, siendo su primer gran proyecto en inglés y una muestra de la búsqueda de talento de Marvel entre profesionales árabes.

El gran atractivo de Caballero Luna es poder disfrutar del talento de Oscar Isaac e Ethan Hawke. Isaac interpreta al protagonista Steven Grant, un perdedor que trabaja en el Museo Británico, tiene una gran afición por el Egipto antiguo y sufre pesadillas de una vida que no es la suya. O tal vez es Marc Spector, un mercenario busca tesoros que se ha convertido en el avatar del dios de la luna Khonshu. Por su parte, Hawke es Arthur Harrow, un fanático religioso y líder de una secta que adora al dios egipcio Ammit y que probablemente vaya a convertirse en el antagonista del protagonista. Junto a ambos, en este primer episodio hemos escuchado al veterano F. Murray Abraham haciendo la voz del dios Khonshu.

Y empezando a valorar este episodio, lo primero destacado es confirmar qué suerte tiene Marvel Studios, o que buen trabajo del director de casting, al poder contar con Oscar Isaac. El actor nacido en Guatemala aunque afincado desde niño en Estados Unidos realiza un despliegue actoral super chulo en este episodio protagonizado por Steven Grant, un perdedor super educado que personifica el estereotipo del loser pobre de buen corazón que no sabe cómo relacionarse con la gente. Escucharle en la V.O. es alucinante porque Steven no se mueve ni habla igual (con un marcado acento británico) que Marc Spector, aunque esta personalidad apenas aparece en el episodio. Este elemento de las personalidades diferentes entiendo que fue lo que le dio a Isaac el extra de desafío interpretativo para aceptar el papel. La posibilidad que seguro veremos en próximos episodios de ver a Oscar Isaac alternar las diferentes personalidades puede darnos momentos espectaculares, lo cual me sugiere que si este arranque ha estado bien, la serie irá mejorando a medida que avance. Y a todo esto, ¿qué ha pasado con Jake Lockley, la tercera personalidad de Spector en los comics?

Como fan de los comics veo que este Steven Grant loser trabajando en el Museo Británico de Londres no tiene nada que ver con el millonario playboy de los comics, aunque diría que este cambio va a ser más bien anecdótico, y casi imprescindible para poner en marcha la trama de forma rápida. Confío que la visión global que nos muestre la serie del personaje va a ser bastante fiel al espíritu de los comics, partiendo que el Caballero Luna fue cambiando de origen con el paso de los años, así que no hubo una versión única y homogénea. En este sentido, lo que la serie sí ha hecho muy bien es mostrar claramente que Grant / Spector es alguien con problemas mentales. Que Grant no recuerde nada de lo que hace Spector cuando toma las riendas está super bien, y me recordó obviamente para bien al Tyler Durden de El club de la luche de Fincher (salvando las distancias).

Ethan Hawke es un actor que me encanta, así que tenerle en pantalla siempre está bien, aunque en este episodio ha tenido poco trabajo que hacer más allá de estar plantado delante de mucha gente y compartir dos cortas escenas con Isaac. Espero que por esta parte la serie también crezca y mejore a medida que avance, porque sería una pena desaprovechar el carisma y la presencia en pantalla de Hawke.

Comentaba al comienzo que el episodio me parecía prometedor. Y esto es así porque dentro que todo está bien, los 41 minutos se me han pasado en un suspiro y apenas han cubierto la presentación del protagonista. Queda todo por saber, empezando por el origen de Grant / Spector, el motivo de su enfrentamiento con Arthur Harrow y en general cual es el conflicto, qué apuestas están en juego en la serie. Todo lo visto me ha gustado sin fliparme, pero entiendo que están en la dirección correcta para ofrecernos una estupenda versión del Caballero Luna.

De hecho, ha sido todo tan poco, apenas la presentación de lo que está por venir, que lo mejor que se me ocurre es que me han dejado con muchas ganas de saber cómo continúa la historia. Tener que esperar 5 semanas para ver el final de la serie creo que se me van a hacer muy largas.

Si tengo que decir algo menos bueno del episodio, diría que la factura general me ha transmitido calidad televisiva, no cinematográfica. De hecho, hacer que los elementos sobrenaturales estén en un segundo plano desenfocados en parte ayudan a crear una atmósfera perturbadora (dentro de que hablamos de una serie de Disney, por supuesto nada terrorífico ni gore), pero no oculta el hecho que esto ayuda a abaratar el coste de estos efectos. En todo caso, viendo las localizaciones de la serie, tengo claro que Marvel ha invertido bastante dinero en esta serie, por lo que espero que también en este aspecto Caballero Luna también mejore a medida que avance la serie.

Comparto el trailer de esta serie:

Caballero Luna nos ha mostrado poco, pero todo bueno. A pesar de los cambios respecto al comic creo que va a ser una versión fiel al espíritu del personaje, y me ha dejado con ganas de saber cómo continúa la historia. La semana que viene comentaré a ver qué tal sigue.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Pam & Tommy (Disney+)

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No tenía demasiado interés a priori por conocer la historia de Pamela Anderson, Tommy Lee y su cinta de video robada. Sin embargo, tengo que reconocer que Pam & Tommy, la serie de Disney+ recién finalizada, ha sido super entretenida y con una profundidad inesperada en algunos momentos.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Narra la historia de la relación entre Pamela Anderson y Tommy Lee, el turbulento romance que comenzó cuando se casaron después de conocerse solo durante 96 horas en 1995 y el escándalo mundial cuando salió a la luz un video de la pareja manteniendo relaciones sexuales. (FILMAFFINITY)

Pam & Tommy es una miniserie dramática estadounidense de ocho episodios que narra el matrimonio entre la actriz Pamela Anderson y el batería de Mötley Crüe Tommy Lee, interpretados por Lily James y Sebastian Stan respectivamente, durante el periodo en que se hizo público su vídeo sexual no autorizado.

Pam & Tommy es una miniserie dramática estadounidense de ocho episodios basada en el artículo de Rolling Stone de 2014 «Pam and Tommy: The Untold Story of the World’s Most Infamous Sex Tape» de Amanda Chicago Lewis, la serie fue creada para Hulu por Robert Siegel, que escribe además cuatro de los ocho episodios. El resto de episodios cuentan con guión de Matthew Bass & Theodore B. Bressman, Brooke Baker, D.V. DeVincentis y Sarah Gubbins. Craig Gillespie dirige tres episodios, Lake Bell y Gwyneth Horder-Payton dos cada uno y Hannah Fidell el restante.

Aunque inicialmente el proyecto consiguió luz verde al estar James Franco interesado en dirigirla e interpretarla, finalmente Franco salió de un proyecto rodado en Los Angeles entre abril y junio de 2021.

La serie destaca por la increíble transformación de los protagonistas Lily James y Sebastian Stan, que se convierten en unos gemelos de Pamela Anderson y su marido Tommy Lee. James y Sebastian lucen increíbles a lo largo de unos episodios que tienen como tercer protagonista a Seth Rogen, que interpreta a Rand Gauthier, el carpintero que supuestamente robó la cinta rodada por el matrimonio tras dejarle a deber Lee una importante cantidad de dinero.

Pam & Tommy está basada en unos hechos reales que sucedieron entre 1995 y 1996. En ese momento, yo era un universitario de 21-22 años y eran unos años en los que el mundo de internet estaba en pañales. En esos años la aparición de Pamela Anderson en Los Vigilantes de la Playa la convirtió en una celebridad a nivel mundial, con una carrera en el cine truncada por el desastre de Barb Wire, película de 1996 que reconozco vi en el cine al ser un personaje de los comics de Dark Horse, y que fue realmente terrible. Aunque ¿meses / años? más tarde llegó a España el escándalo de la cinta porno de Pam y Tommy, realmente se trató de una historia que ni conocía ni me interesaba lo más mínimo.

La serie funciona muy bien a varios niveles. Empezando por el elemento pseudo-biográfico al contarnos la historia de amor y la relación que compartieron durante varios años Pamela Anderson y Tommy Lee, la serie consigue que empatices con ambos, siendo realmente Pamela la más perjudicada por el escándalo. Incluso Tommy Lee acabó cayéndome más o menos simpático, a pesar de ser un gilipollas total.

Lily James y Sebastian Stan están ambos increíbles, su caracterización es alucinante. Viéndola en versión original, Stan como Tommy Lee está clavado como una estrella del rock millonario estúpido con aires de grandeza que trata a todo el mundo fatal. Sin embargo, el amor que siente por Pamela se siente real durante toda la serie, a pesar que al mismo tiempo no puede dejar de ser una persona egoísta que no acaba de ponerse en el lugar de su mujer ante el trauma que sufrieron.

James hace de una increíble Pamela Anderson. Dentro que me gusta su interpretación, sobre todo a medida que avanza la serie, me queda una duda importante ya que la voz que usa para recrear a Anderson me dio la sensación que la estaba representando como si fuera una persona extremadamente simple y sin ninguna luz en la cabeza, casi retrasada, y no se si esto es algo buscado a propósito, la verdad. De hecho, no se si realmente Pamela Anderson era así de simple o se trata de una licencia interpretativa, aunque en ese sentido tampoco es que Tommy Lee aparezca como un dechado de inteligencia.

El mayor acierto de la serie es cuando en su segunda mitad nos mete de lleno en el machismo de la sociedad de la época que entiendo sigue vigente hoy en día, que trata a Pamela como una zorra que se merece lo que le pasa y que no se creyó que ella no había vendido la cinta y por tanto no tuviera derecho a su intimidad. Aunque Tommy también es víctima del robo, él es visto como el «machote» que se tiró al pibón, mientras que Pamela sólo recibió escarnio público y vio como su carrera cinematográfica no llegó nunca a despegar al verse perjudicada por la difusión de la cinta. Aparte que no era buena actriz, pero muchas malas actrices tuvieron más de una oportunidad cosa que no tuvo Pamela.

Al haberse estrenado la serie en Disney+ (dentro de Star), sorprende ver las numerosas escenas con desnudos explícitos sobre todo de Sebastian Stan (que por otro lado no se si ese miembro es real o se trata de un inserto digital, que sería lo más probable), dejando a Lily la mayoría del tiempo con los pechos al aire. Más allá de la sorpresa inicial, me parece que se trata de la elección creativa correcta en una serie de estas características.

La otra sorpresa de la serie sobre todo al principio es comprobar que la historia plantea dos puntos de vista, el de Pam & Tommy pero también el de Rand Gauthier, el carpintero que robó la cinta interpretado por Seth Rogen. Gauthier es un perdedor de libro del que todo el mundo se aprovechó, y conocer su parte de la historia y descubrir que supuestamente es el que menos dinero consiguió a partir de la difusión de la cinta robada añade una dosis adicional de patetismo al conjunto. Porque aunque en el primer episodio podríamos pensar en Gauthier como una víctima del caracter irascible de Tommy Lee (posiblemente lo fuera), sus acciones y errores posteriores en la serie le pasan al papel de persona patética y un tanto repulsiva, a pesar de la humanización que tiene gracias a su relación con su ex-esposa.

La serie sirve además como crónica de una época que parece super lejana cuando sólo han pasado 25 años. La vida en Los Angeles de 1996 pre-internet en el que el grunge de Seattle está sustituyendo al rock y al heavy en las listas de éxitos es algo que recuerdo perfectamente porque lo viví en primera persona. Este mundo y como el robo de la cinta de Pamela y Tommy abrió las puertas del infierno para la pareja al estar completamente desprotegidos a la hora de defender su intimidad, estando a merced de aprovechados y empresarios sin escrúpulos, me han encantado. En este sentido, la forma en que presentan el nacimiento de la industria del porno en internet y como esta cinta fue uno de los hitos que se vivieron durante esos años.

Frente a la historia de perdedores y seres penosos con que empieza la serie, su evolución a drama por todo lo que tuvo que sufrir Pamela hace que el visionado de la serie haya sido super satisfactorio y no me hayan sobrado episodios. En ese sentido, al estar inspirado en hechos reales, no es posible que hayan finales felices, con lo que la sensación dramática está perfectamente conseguida.

Estoy pensando en elementos menos buenos de la serie, y el primero y principal es que hay muchas posibilidades que esta historia no interese a un grupo muy amplio de espectadores. Sin embargo, el elemento de crítica social en lo relacionado con la pérdida de nuestra intimidad por culpa de las redes sociales es un tema que está de rabiosa actualidad, por lo que creo que es una historia que han sabido sacarla en el momento justo.

Otro cosa a tener en cuenta es que esta serie es una dramatización inventada a partir de los hechos reales. A partir del artículo de 2004 en el que se hacía una cronología de los sucesos alrededor del robo de la cinta, los productores se inventan todos los diálogos y situaciones que viven los personajes, por lo que podemos caer en el error de pensar que los sucesos sucedieron realmente como aquí se cuentan, cosa que no tiene por qué ser así.

Comparto el trailer de esta serie disponible en Disney+:

Pam & Tommy me ha parecido una muy buena serie que me ha gustado mucho más de lo que pensaba a priori que lo haría y que recomiendo sin duda a todo el mundo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Películas

Crítica de Red de Domee Shi (Disney+)

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Disney+ ha estrenado Red, la última película de Pixar dirigida por la debutante Domee Shi, que plantea desde una visión chino-americana los temas universales habituales de Disney como aceptarte a ti mismo con lo bueno y lo malo sin importar lo que piensen los demás.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Mei Lee, una niña de 13 años un poco rara pero segura de sí misma, se debate entre ser la hija obediente que su madre quiere que sea y el caos propio de la adolescencia. Ming, su protectora y ligeramente exigente madre, no se separa nunca de ella lo que es una situación poco deseable para una adolescente. Y por si los cambios en su vida y en su cuerpo no fueran suficientes, cada vez que se emociona demasiado (lo que le ocurre prácticamente todo el tiempo), se convierte en un panda rojo gigante. (FILMAFFINITY)

Domee Shi (1989) es una animadora, directora y guionista china-canadiense. Nacida en China, se trasladó a los dos años a Toronto con su familia, donde creció. Trabaja en Pixar desde 2011, trabajando en películas del estudio como Inside Out, Los Increíbles 2 y Toy Story 4. En 2018 dirigió el corto Bao, siendi la primera mujer en dirigir un corto en Pixar, ganando el Óscar al mejor cortometraje animado de ese año. Red es su primer largometraje como director.

Shi escribió el guión de la película junto a Julia Cho y Sarah Streicher. Que esté ambientada en Toronto a principios de los años 2000 indica que la directora ha intentado recuperar momentos de su niñez y adolescencia en esta película. La película de 100 minutos cuenta con Ludwig Göransson para componer la música de la película, convirtiéndola en su primera composición para una película de animación. Billie Eilish y Finneas O’Connell escribieron tres canciones originales interpretadas en la película por la banda de chicos ficticia 4*Town, «U Know What’s Up», «1 True Love» y «Nobody Like U».

En las voces originales tenemos a Rosalie Chiang como Meilin «Mei» Lee, la niña chino-canadiense de 13 años protagonista que se transforma en un enorme panda rojo cada vez que experimenta alguna emoción fuerte, como la excitación o la ansiedad -debido a la conexión mística asociada a sus antepasados con los pandas rojos-. Sandra Oh interpreta a Ming Lee, la estricta y sobreprotectora madre de Mei. El grupo de amigas de Mei está formado por Ava Morse como Miriam, Hyein Park como Abby y Maitreyi Ramakrishnan como Priya, y en el colegio tendrán que lidiar con Tyler (Tristan Allerick Chen), un abusón que se mete con Mei. Del resto de voces, destacaría a Orion Lee como Jin Lee, el padre de Mei y Wai Ching Ho como Wu Lee, la abuela de Mei.

Aunque superficialmente Red nos cuenta la historia de una niña que se convierte en un panda gigante rojo, esto sirve de metáfora para hablar de temas habituales dentro de Pixar y Disney, como ser quien tú quieras ser sin importar lo que piensen las personas a tu alrededor, aceptando lo bueno y lo malo porque no somos perfectos. Mei y sus tres amigas son super divertidas y nos ofrecen una visión de la pre-adolescencia poco habitual en una película de gran presupuesto, que hay que agradecer. Sus momentos de fangirls del grupo de chicos 4*Town («¿por qué se llaman four si son cinco?» es una broma buenísima) o buscando dinero para poder ir al concierto nos da momentos buenísimos en una película que te mantiene en general con la sonrisa en la cara durante los 100 minutos de película.

Por supuesto, Pixar se toma el mantra de la diversidad muy seriamente, y en este sentido me parece genial que aparte de convertir en protagonista a una familia chino-canadiense, las amigas de Mei sean una niña coreana, otra de ascendencia ¿hindo-pakistaní? y una niña caucásica. Además, el diseño de Mei como una niña con gafas y formas redondeadas como las de la típica empollona de la clase me parece muy adecuado con la realidad diversa a nuestro alrededor. Me ha chiflado lo locas que están (en el buen sentido) y lo divertidas que resultan sus interacciones.

La animación de Pixar está como siempre a otro nivel. Los movimientos corporales de las niñas y la química que transmiten me han encantado, pero es que además los fondos y los objetos a menudo tienen una perfección alucinante. Si no fuera porque se que la película es de animación, hubieron objetos que parecía que estaban rodados en imagen real. En este sentido, no conozco Toronto, pero no tengo duda que varios elementos como el Chinatown, el tranvía o el pabellón donde se realiza el concierto son iguales que la realidad. Como no puede ser de otra manera, la animación de Pixar es de 10.

Globalmente Red es una película que se ve con agrado y que cumple razonablemente bien el objetivo último de entretener con una protagonista y unas amigas que son todo corazón. Sin embargo, el principal problema que le veo es que no hay tensión ni conflicto, de forma que no me dejó con ganas de volver a verla. Las niñas están chulas, las metáforas de la película evidentes pero siempre necesarias y está genial la búsqueda de la diversidad que nos muestra. Pero la historia en si es bastante flojita. Me parece curioso que en las últimas películas de Pixar no acaba de haber un «villano» al uso, ya que lo importante es el viaje vital y la evolución de los personajes. Red lleva esto al extremo, y más allá de las acciones de la madre de Mei que la avergüenzan constantemente ante sus amigas y compañeros de clase, no hay un conflicto interesante en la película. Y si no hay drama o conflicto, la película no acaba de funcionar ni tiene tensión dramática, más allá de su chulísima animación.

Otro tema interesante es que Pixar siempre ha apelado a un público ámplio de espectadores / consumidores. Sus películas gustan a los niños pero también a los padres. Onward y Luca son ejemplos maravillosos de esta filosofía que hace que sus películas gusten a todo el mundo. Soul es quizá la primera que pecó de centrarse más en los adultos que en los niños, y en Red me ha pasado que por primera vez he sentido que Pixar ha hecho una película que no es para mi. Y es que hay un nicho muy muy claro de, además de visibilizar el elemento chino-americano, apelar a las niñas pre- y adolescentes, además de las mujeres treintañeras que fueran niñas o adolescentes al comienzo de los años 2000 en los que está ambientada la película. Por supuesto, no pasa nada si Pixar no hace una película que no es para mi, pero me ha resultada curiosa la sensación, sobre todo porque no la esperaba en una película de Disney / Pixar.

He leído que varios animadores se han quejado que Disney ha quitado momentos explícitos de visibilidad del colectivo LGTBI+. Y dentro que no se si es cierto pero entiendo que siendo Disney puede ser el caso, creo que las metáforas de la película de «ser quien eres en realidad» o la de «no tener miedo de mostrar a tu yo interior aunque haya quien piense que eres un monstruo» son elementos que apelan clarísimamente a este colectivo, que pueden sentirse totalmente identificados con la protagonista y sus amigas.

En este sentido, me pasa un poco como en Luca, una película protagonizada por NIÑOS en los que hubo gente que quiso ver elementos gays era algo que directamente no se correspondía con la realidad de una historia de amistad entre niños mientras vivían aventuras de verano. Red nos muestra a unas niñas pre-adolescentes, de hecho la protagonista ni siquiera ha empezado a menstruar y realmente no ha empezado a pensar en chicos o chicas más allá de querer ver a su grupo de música favorito. Introducir en estos personajes de 13 años un elemento sexual, ya sea gay o hetero, no se siente correcto en la historia, ya que las niñas no están en ese momento vital.

El panda rojo es además una metáfora muy clara del paso de niña a mujer, un cambio vital y una sexualidad sobre el que la protagonista avisa a su madre que quiere vivir y disfrutar sin imposiciones de nadie. En este sentido, entiendo que el final de la historia metafóricamente debió dejar muy satisfecho a colectivos feministas en general y pro-abortistas en particular, que llevan años usando el slogan «mi cuerpo, mi decisión». La metáfora está ahí, pero creo que prefiero no pensar demasiado sobre ese aspecto y mejor me quedo con la parte divertida, positiva y hasta infantil de la película.

No tengo problemas en que Pixar haga películas que no son para mi, con no volver a verla lo soluciono sin problemas, no se me ocurre perder el tiempo en pensar lo que Pixar tendría que haber hecho para ajustarse a mis gustos. Pero el wishfull-thinking y pensar que toda obra de entretenimiento tiene que hablar de ellos es algo que está demasiado visible en determinados colectivos sociales, que intentan forzar sus narrativas en todo el entretenimiento. Por esto, no tengo problema que las metáforas puedan conectar con todo tipo de personas sin necesidad de hacer más explícitos determinados elementos que creo no corresponden en esta historia de una niña de 13 años. Quien quiera ver las metáforas que tan claras están en la historia las entenderá sin problemas, no es necesario hacer explícitos elementos que están ya presentes en la película de una forma bastante elegante.

Comparto el trailer de la película:

A pesar de la frescura de los personajes y la maravillosa animación, lamentablemente Red me ha parecido una de las películas más flojas de Pixar, que no creo que vuelva a volver a ver.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de Dopesick: Historia de una adicción (Disney+)

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Con bastante retraso comento mis impresiones de Dopesick: Historia de una adicción, maravillosa serie denuncia sobre uno de los grandes problemas de la sociedad americana, el exceso en el consumo de medicamentos.

PUNTUACIÓN: 8/10

8 episodios. Miniserie que transporta a los espectadores al epicentro de la lucha contra la adicción a los opioides que se libra en Estados Unidos, desde la sala de juntas de Purdue Pharma a una castigada comunidad minera de Virginia, pasando por los despachos de la DEA.

Dopesick es una miniserie creada por Danny Strong que ha sido estrenada en España por Disney+. La serie está basada en el libro Dopesick: Dealers, Doctors and the Drug Company that Addicted America de Beth Macy, escribiendo Strong el guión junto a Benjamin Rubin.

Daniel William Strong (1974) es un actor, escritor, director y productor de cine y televisión estadounidense. Como actor, Strong es conocido por sus papeles en Buffy the Vampire Slayer y Gilmore Girls. También escribió los guiones de Recount, la adaptación de HBO Game Change, The Butler de Lee Daniels y el final de dos partes de la trilogía cinematográfica de Los juegos del hambre, Sinsajo – Parte 1 y Sinsajo – Parte 2. Strong ha ganado dos premios Emmy, dos premios Writers Guild of America, un premio Producers Guild of America y un premio NAACP Image.

Dopesick cuenta con ocho episodios de una hora de duración, que han sido dirigida por Michael Cuesta, Barry Levinson, Patricia Riggen y Danny Strong, con dos episodios cada uno. La serie cuenta con fotografía de Checco Varese y música de Lorne Balfe.

El reparto de Dopesick me parece una pasada, empezando por el gran reclamo de Michael Keaton como el Dr. Samuel Finnix, Rosario Dawson como la agente del FBI Bridget Meyer, Peter Sarsgaard, Michael Stuhlbarg, Will Poulter, John Hoogenakker y Kaitlyn Dever.

Dopesick me ha parecido una gran serie que denuncia una terrible historia real que no conocía, cómo una empresa farmacéutica lanzó un opiáceo contra el dolor tremendamente adictico como si no lo fuera, falsificando con la ayuda de las personas que supuestamente tenían que controlarles el etiquetado con el objetivo de ganar más dinero al poder venderlo masivamente, engañando sistemáticamente a los médicos que tenían que prescribirlo y provocando una de las crisis más graves de drogadicción en los Estados Unidos.

El acierto para que la denuncia realmente tenga fuerza es que la historia aparte de estar contada de forma super didáctica y sencilla de entender, es que además se plantea desde los personajes, de forma que ves el primera persona el sufrimiento que este medicamente causó en gente inocente. Además, las investigaciones de los fiscales y de la agente del FBI interpretada por Rosario Dawson nos muestra la peor cara del capitalismo salvaje, aquel que hará cualquier cosa por conseguir un beneficio, aún a sabiendas que sus acciones iban a causar mucho dolor. En todo caso, me llamó la atención como la serie sugiere los delitos, pero en ningún caso los muestra o dice que se cometieron, cosa que entiendo es para evitar un pleito de la familia propietaria de la empresa. Pero que a pesar de no mostrarse quedan implícitamente muy claros.

Cuando ves series denuncia como esta la verdad es que uno se alegra de vivir en España, porque es acojonante el estado de la sanidad en los Estados Unidos y de la FDA (Food & Drugs Administration), conunos recursos mínimos y unos funcionarios que en lugar de velar por la salud pública están pensando en hacer no hacer enemigos entre los empresarios de cara a un futuro fichaje por parte de estas empresas. La sensación que si no pasan más cosas es por pura casualidad y no por el trabajo de los funcionarios fue una sensación que me rondó varias veces a lo largo del visionado de la serie, al igual que el convencimiento que a lo major si han pasado pero no nos hemos enterado y han pasado por debajo del radar.

El reparto me parece que están todos muy bien y transmiten la humanidad necesaria a cada uno de los dramas individuales causados por este medicamento, además de la impotencia de los fiscales que siendo honestos notan que son motas de polvo luchando contra un sistema corrupto que no les va a permitir ganar. También la duración de 8 episodios creo que es muy correcta y consiguió mantenerme interesado sin llegar a aburrir en ningún momento. Plantear el guión como una historia no cronológica sino hacer que la serie vaya dando salto adelante y atrás en el tiempo creo que es otro de los grandes aciertos, que enfatizan momentos como cuando los ejecutivos dicen que el medicamento no produce adicción para ver a continuación las colas de enfermos adictos delante de las farmacias que se convirtieron en habituales apenas un par de años después del lanzamiento del medicamento.

No se me ocurre nada menos bueno que decir de esta serie, creo que acierta en prácticamente todo lo que plantean. Lo único es reconocer que por la temática es una serie que tienes que ver con el estado mental adecuado, dado que igual con la que está cayendo con el COVID ver esta historia no es la idea más optimista que se nos puede ocurrir. Dicho esto, si realmente te gusta el cine denuncia de los años 70, esta es una serie perfecta que te encantará.

Comparto el trailer de la serie:

Dopesick me ha parecido una gran serie de las que deben ser vistas por todo el mundo, que hacen que me alegre de vivir en España.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de El Libro de Boba Fett episodio 7 (Disney+)

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Ya tenemos el final de El Libro de Boba Fett con un séptimo episodio dirigido de nuevo por Robert Rodríguez y con guión de Jon Favreau. Un buen final con muchas cosas buenas pero también con una ejecución cuestionable en algunos momentos.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

RESEÑA CON SPOILERS

Episodio 7. En el nombre del honor.

Boba Fett y Fennec Shand se enfrentan a un conflicto cada vez mayor.

Este séptimo episodio tiene una duración de una hora (55 sin los títulos de crédito), siendo de largo el capítulo más largo de toda la serie. Robert Rodríguez dirige su tercer episodio en la serie tras el primero y el criticadísimo tercer episodio, con Jon Favreau en el guión.

A Temuera Morrison (Boba Fett), Ming-Na Wen (Fennec Shand) y Pedro Pascal (Din Djarin, The Mandalorian) se les unen todos los personajes de Tattoine que hemos conocido hasta la fecha, Matt Berry (8D8, el droide torturador al servicio de Fett), David Pasquesi (el mayordomo twi’lek de Mok Shaiz, alcalde de Mos Espa), Carey Jones como el wookie cazarrecompensas Krrsantan, Sophie Thatcher (Drash, la líder de un grupo de cyborgs que se ponen del lado de Boba Fett), Jordan Bolger (Skad, miembro de grupo de cyborgs liderado por Drash), Ami Sedaris (Peli Motto, la mecánica que construye la nave de Mando) y Corey Burtor como el hiper molón y peligroso Cad Bane.

Empezando por los elementos positivos, en mi reseña del histórico episodio seis ya comentaba que estaba seguro que Favreau y Rodríguez iban a conseguir dejarnos en lo más alto, aunque quedaba implícito que era imposible poder superar los momentazos vividos en ese momento. Y lo cierto es que este séptimo episodio tiene un montón de momentazos increíbles con Boba Fett en el centro de atención que ahora sí muestran porqué la serie le tiene a él de protagonista.

El momento Butch Cassidy y The Sundance Kid con Boba y Mando luchando ellos dos contra todas las fuerzas del Sindicato Pike está super bien, al igual que el esperado duelo de Boba contra Cad Bane, que nos ofrece otra escena que quedará para el recuerdo. Pero incluso mejor que estas escenas es ver a Boba montando el Rancor contra los robots asesinos, un sueño hecho realidad. Esperábamos que Boba Fett brillara, y por fin lo consigue en este último episodio.

Otro elemento muy chulo es que Favreau sigue sin guardarse nada para más adelante y va a tope en el cierre de la historia en Tattoine. Si la semana pasada tenía duda si la trama de Grogu iba a resolverse en esta serie o la iban a dejarla para la temporada 3 de The Mandalorian, Favreau no sólo responde a la pregunta de si Grogu se queda con Luke o vuelve con Mando, sino que guarda a Grogu varios de los mejores momentos del episodio. También Mando tiene un par de momentazos que están super bien. Y la reunión de Mando y Grogu o el epílogo trasmiten más emoción que todo lo que vimos de Boba y Fennec juntos, lo cual, aunque entraré luego, no es bueno desde el punto de vista del protagonista. Además, frente a la gente que NO le gusta que Luke deje marchar a Grogu y no le entrene, creo que Grogu es demasiado buen personaje como para dejarle marchar, además que de esta manera Lucasfilm tiene completa libertad en caso que quisiera desarrollar una serie de la Academia Jedi con total libertad.

Se ha hablado mucho del elemento «cutre» de Robert Rodríguez, por esto creo que es justo reconocer que el combate del rancor contra los robots o el homenaje a King Kong me parecen momentos super chulos que están perfectamente contados, al igual que cuando Grogu duerme al rancor. Aunque hay elementos menos buenos sobre los que ahora entraré en detalle, realmente prefiero quedarme con los elementos chulos del episodio y en general de la serie, que para mi son muchos. En mi caso, cuando piense en El Libro de Boba Fett será siempre desde una perspectiva de vaso medio lleno, y estoy seguro que volveré a ver la serie en el futuro, aún reconociendo los elementos menos buenos.

Y es que si una evidencia ha quedado clara ahora que tenemos completa la serie es la falta de carisma de Temuera Morrison y Ming-Na Wen, y su imposibilidad de aguantar ellos solos una serie completa de Star Wars. Y mira que Favreau y Rodríguez le guardan a Boba los mejores momentos del episodio, pero a Boba le falta el carisma que si tiene Din Djarin, y eso es algo que se nota en todo momento. Y lo digo triste, no es algo de lo que me alegre.

En la serie hemos aprendido que tras casi morir en la Fosa de Sarlacc, Boba decide no volver a tener a jefes asquerosos que no se preocupan por su vida. Aprende lo bonito que es tener una tribu que cuida de ti, aunque sea una vida dura, con los Tusken. Y tras perderles y recuperar su armadura, vuelve a Tattoine para controlar el crimen del planeta, buscando ser respetado, no temido, entiendo que en un intento que pagar la culpa que siente por no haber podido salvar a los Tusken. Esta evolución se entiende a lo largo de la serie a pesar de la falta de emoción que tiene todo al no saber Temuera Morrison transmitirla.

Y aunque en lo relativo a la acción Boba tiene momentos para su lucimiento, argumental y emocionalmente la serie tiene un gran problema en este episodio, provocado por la obligación actual de que todos los personajes secundarios tengan su momento de gloria. Y es que tras conocer Boba que fueron los Pikes los que mataron a su familia Tusken, la escena en la que Fennec mata al jefe del sindicato (y a todos los gangsters locales) queda completamente vacía ya que ¡era Boba quien tenía que haberse enfrentado a él para conseguir su venganza! Aparte de ser una escena muy loca, porque ¿cómo ha entrado Fennec en la habitación?, que sea ella quien les mate roba la posibilidad de que Boba quede en paz con su pasado, de forma que en mi opinión esto sea un error que provoca que esta parte de la serie no encuentre un final satisfactorio.

Ya en episodios anteriores comenté el que para mi era el principal problema de la serie además de la falta de carisma de Boba y Fennec, y era que no me acababa de creer que Boba, Fennec y dos guardias gamorreanos pudieran hacerse con el control de todo el mundo criminal de Tattoine. No, con los chavales Cyborgs o el wookie tampoco me lo creo. Esto, que es una responsabilidad 100% de Jon Favreau, era el elefante en la cacharrería que hacía que mi suspensión de credulidad saltara por los aires en varios momentos, y en el climax de la serie el problema se vuelve más evidente que nunca.

A pesar que el momento traición con los pikes y sus aliados atacando simultáneamente mola, un momento que recuerda obviamente a El Padrino, todos los enfrentamientos en los que hay humanos que hay ha continuación están cutremente resueltos y quedan televisivos en el mal sentido, porque ¡son siempre cuatro gatos! ¿Cómo te vas a creer que este grupo pueda derrotar a nadie? Incluso el esperado momento «llegada del 7º de Caballería al rescate» queda cutre porque la guarnición que llega de Free Town son ¡10 agricultores con pistolas!

No tengo claro lo que voy a decir, pero da la sensación que Robert Rodríguez vendió a Lucasfilm que él podía rodar los episodios en muy poco tiempo ahorrándoles mucho dinero, consiguiendo además que las escenas de acción quedaran bien. Entiendo que la primera parte sí lo ha conseguido, pero no la segunda. Y no soy un hater de Rodríguez que opine que «es un cutre que no sabe rodar acción» como parece ser la norma últimamente. Con gran presupuesto Rodríguez rodó unas excelentes escenas de acción en Alita: Angel de Combate, pero con un presupuesto ridículo hizo El Mariachi o Desperado, que siguen siendo super visibles hoy en día. Sin embargo, sí es cierto que desde que fundó su estudio en Austin Texas, muchas de sus películas para niños parecen trasmitir que daba por bueno escenas no demasiado acertadas visualmente.

En la narrativa de acción hay una parte de creerte lo que te muestran o no hacerlo y que la suspensión de credulidad salte por los aires. Por ejemplo a pesar de haber construido un sets con 4 calles de Mos Espa sobre las que los personajes van dando vueltas una y otra vez, durante el episodio te crees que están escapando por una ciudad de gran tamaño. También la llegada de los robots-tanque gigantes con escudos son escenas que funcionan super bien. Sin embargo es imposible creerse nada de la huida de los humanos, ni el segundo tiroteo usando el muro de una casa como barricada. Esas escenas no funcionan nada bien, sobre todo la segunda con unos robots tanque que deberían destruir el muro de un sólo disparo y cuya potencia de tiro es irrisoria.

El hecho que las fuerzas de Boba Fett sean 4 gatos provoca elementos ridículos como que Krrsantan sea herido repetidamente y no muera, pasando de tener que ser ayudado para andar en una escena a disparar y luchar por su cuenta en la siguiente, porque a alguien tienen que dar los Pikes para las escenas tengan cierta tensión. Pero también tuve la sensación en varios momentos que Lucasfilm sólo ha fabricado 10-12 trajes / prótesis de los Pikes y estamos viendo todo el rato a los mismos 10 figurantes muriendo una y otra vez durante el episodio. En este episodio se ha visto algo que jamás sentimos en The Mandalorian, un elemento cutre televisivo provocado por la falta de un presupuesto adecuado para rodar el episodio con la escala que requería la historia. Lo cual es un enorme problema, en mi opinión.

En todo caso, incluso con este elemento cutre revoloteando en la mayoría de escenas, hay tantos momentazos estupendos como el duelo con Cad Bane, todo lo que tiene que ver con Grogu, Mando y el Rancor, que no puedo más que darme por satisfecho globalmente.

El Libro de Boba Fett no ha sido ni mucho menos perfecto, pero nos ha dado un entretenimiento 100% Star Wars que ha conseguido alegrarme el corazón en muchos momentos, lo cual es mucho más de lo que consiguieron los decepcionantes Episodios VII, VIII y IX de Star Wars. Aunque voy a verla, no tengo nada de hype por ver la serie de Obi Wan Kenobi que se estrena el próximo 24 de mayo (tampoco es que flipe con los Episodios I, II y III), pero si se me han quedado unas ganas locas de ver la tercera temporada de The Mandalorian y la serie de Ahsoka Tano. Gracias a Jon Favreau y Dave Filloni, Star Wars está más viva que nunca.

¡Ah! ¡Y Cobb Vanth está vivo! Menos mal que se ha confirmado, también en este aspecto podemos respirar tranquilos, hubiera sido una pena que hubiera muerto.

Comparto el teaser trailer del episodio:

Pensando en El Libro de Boba Fett prefiero quedarme con el vaso medio lleno y destacar las cosas buenas que son muchas por delante de los elementos cuestionables que también existen.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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