Crítica de El Cabronazo volumen 1 de Rick Remender, Lewis LaRosa y vv. aa. (Panini Comics)

Panini acaba de publicar en España el nuevo comic de Rick Remender El Cabronazo (Scumbag) un comic creado junto al artista Lewis LaRosa planteado como una farsa super divertida y over-the-top del género de espías tipo James Bond publicado en Image Comics.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Flipando en colores

El destino del mundo descansa sobre la peor persona sobre la faz de la Tierra. Rick Remender se une con un conjunto de los mejores artistas del cómic estadounidense para narrar la historia de Ernie Ray Clementine, un motorista adicto a las drogas que accidentalmente recibe el suero que le convierte en el más poderoso espía del mundo. La encarnación viviente del «Sexo, drogas y Rock and Roll», integrada en una organización de inteligencia mundial.

Contiene Scumbag 1-5 USA

Rick Remender ha planteado Scumbag como una sátira del género de super espías tipo James Bond 007. En el momento de escribir estas líneas Remender ya ha confirmado que la historia quedará cerrada en el tercer volumen (número 14 USA), siendo ese el final que siempre tuvo previsto. Junto a Remender, el colorista Moreno Dinisio (Black Science) se encarga de dar una estabilidad cromática a un comic que rompiendo la norma de los comics de creación propia ha tenido a un dibujante diferente en cada grapa.

Y es que Remender creó Scumbag junto al dibujante Lewis LaRosa (Punisher Max, entre otros), y en principio la idea era que dibujara toda la serie. Sin embargo, un problema de espalda obligó a LaRosa a abandonar la serie tras haber dibujado apenas el primer número. Ante esta situación sobrevenida, Remender optó por no buscar un sustituto, sino plantear que dibujantes de primer nivel dibujaran un número cada uno. De esta forma, Andrew Robinson (Superman / Batman) dibuja el segundo número, Eric Powell (The Goon) el tercero, Roland Boschi (Punisher Max, Winter Soldier, Wolverine + X-Men, Ghost Rider) el cuarto y Wes Craig (Deadly Class) el quinto último de este tomo.

Dentro que todos los artistas escogidos son de primer nivel, la verdad es que parece que Remender está gafado en los últimos tiempos. Lo digo teniendo en cuenta el final abrupto de su fallida Seven to Eternity con Jerome Opeña y los casi dos años que tuvimos que esperar para leer el final de Low con Greg Tocchini, a lo que habría que sumar la polémica que se creó en redes sociales cuando LaRosa acusó a Remender de no haberle pagado lo que le correspondía como creador de la serie. Una acusación a la que Remender tuvo que salir a contestarle que el comic aún no había dado ni un céntimo de beneficio, dado que tras la salida de LaRosa (habiendo cobrado por su trabajo en el número uno), Remender tuvo que contratar a todos los artistas pagándoles por adelantado su tarifa por página, lo que ha incrementado los costes de producción más de lo que tenía planificado.

En este sentido, no cabe duda que algo pasó entre Remender y LaRosa, porque el dibujante abandonó Scumbag debido a sus problemas de espalda, pero al poco tiempo anunció su siguiente proyecto, y como ya os podréis imaginar no era el comic de Remender. Esto resalta los problemas que sufren los artistas en el mundo mainstream, ya que mientras los guionistas pueden escribir múltiples guiones todos los meses, los dibujantes sólo pueden crear un comic al mes (si llegan). Es por esto que aparte de sus problemas de espalda que no dudo que seguro los sufriría, ¿se dió cuenta LaRosa que el guión de Remender no le enamoraba y antes de atarse durante dos años a este comic prefirió bajarse del barco?¿O puede que simplemente DC le ofreciera dibujar a Batman y prefirió el sueldo y la visibilidad que le ofrecía DC, al ser un tren que sólo llama a tu puerta una vez? Lo que está claro es que los artistas no trabajan por amor al arte y al final tienen que priorizar lo que ellos vean que les va a salir más rentable económicamente. Por cierto, tras la polémica, LaRosa reconoció que Remender le habría pagado su trabajo como dibujante en el Scumbag #1, pero que él como creador también posee la mitad de los derechos de explotación del comics en cine y televisión, y en ningún momento había renunciado a ellos, por lo que se intuye un problema más allá de las páginas del comic.

Y empezando a valorar el comic en si, dentro que El Cabronazo es super divertido, el baile de dibujantes es justo su principal problema. Porque no hablamos de historias autoconclusivas que más o menos permitirían aceptar que el dibujo sea de un padre y una madre diferente. Al contrario, estamos ante una historia con principio y final contada en 14 partes que necesita tener una personalidad artística para triunfar, cosa que el comic no puede tener por el problema derivado por la baja de LaRosa. De forma que estando muy bien la historia de Remender, globalmente el baile de dibujantes me parece un bajón y me ha impedido disfrutar de este comic como me hubiera gustado.

Dicho esto, El Cabronazo es un festival del Remender más cafre y nihilista, con una de las presentaciones de un protagonista más bestias que recuerdo desde quizá Trainspotting. Película estrenada en 1996, hace más de 25 años. Ese es el nivel. El comic es una sátira construida con brocha gorda que tira contra todos, por supuesto los ultra republicanos reaccionarios y racistas, pero también contra los buenistas que buscan cambiar el mundo «por nuestro bien». Todo ello en una ambientación que parodia todo el género de espías y en general a James Bond.

El protagonista Ernie Ray Clementine es un egoísta drogadicto, alcohólico, putero, machista y traicionero que personifica los peores defectos de la sociedad americana, una sociedad que sólo mira por uno mismo y a la que le trae floja lo que le pase a los demás mientras a mi él vaya bien. En este arranque de la historia Ernie no acierta ni cuando intenta ayudar a los que cree que son sus amigos, opinión no compartida por esas personas. Y en parte da un poco de pena porque diría que Remender transmite con acierto que Ernie es un redneck con sueños de grandeza que realmente es un don nadie del que la sociedad se ha aprovechado toda su vida debido a su incultura y torpeza innata. Otro buen elemento crítico, la verdad.

Aparte de tener mucha acción, el comic es realmente una historia de humor en el que tenemos las situaciones más bestias y over-the-top imaginables, muchas de las cuales con un marcado elemento sexual. Remender se ha mostrado en otros comics previos como un anarquista que no cree en la sociedad capitalista occidental, y este comic entraría sin duda en esta clasificación y mostraría su vena más nihilista. Visto lo visto, diría que más que un final feliz El Cabronazo va dirigido claramente a un final en el que la humanidad sea barrida de la faz de la Tierra. Lo cual me valdría, todo sea dicho.

Sea como fuere, lo cierto es que el nivel de diversión que me ha dado el comic asegura que compraré seguro los dos volúmenes restantes, para disfrutar del final de Remender haya preparado a esta historia. En este sentido, parece que tras comics como Seven to eternity en el que no acabó de acertar con la historia, en este la parte bestia y políticamente incorrecta encaja con el ADN del comic.

Comparto varias páginas del primer número:

El Cabronazo en una de las lecturas más punkis y super bestias que le recuerdo a un Rick Remender más nihilista que nunca. Tú decides si esto es algo bueno o malo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Shock 1 de Richard Matheson

Otra de mis compras en Barcelona fue el primer volumen de historias cortas de Richard Matheson, Shock 1: Cuentos de horror. Y me he encontrado una estupenda lectura que no puedo más que recomendar a todo el mundo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

«Me encendió la imaginación. Matheson mostró el camino.»

Stephen King

Shock 1 es una colección de historias cortas de Richard Matheson, entre las que encontramos Los hijos de Noah, Lemmings, La fuente generosa, Conferencia telefónica, Mantage, Digno de mención, El hombre de los festivos, La danza de los muertos, Legión de conspiradores, Al borde, El abominable avance del terror, La nave de la muerte y El repartidor.

Richard Matheson (New Jersey, 1926) en un famoso escritor de ciencia ficción y terror, que trabajó además de guionista para cine y televisión. Matheson se inició en la literatura publicando sus cuentos en el periódico Brooklyn Eagle. Ya en California, comenzó a escribir relatos de fantasía, terror y ciencia ficción, publicados desde 1950 por la revista The Magazine of Fantasy and Science Fiction. Su primer cuento publicado Nacido de Hombre y Mujer lo hizo inmediatamente famoso. En 1954 apareció su ya clásica novela Soy leyenda, una original historia en la que el mundo sufre una pandemia de vampirismo y un solo hombre debe enfrentarse a ella.

En 1957 adaptó para el cine su novela El hombre menguante, de lo que resultó una película de culto, The Incredible Shrinking Man. Otros guiones para cine son, El cuervo (1963) y Twilight Zone: The Movie (1983). Para televisión trabajó en guiones de capítulos de La dimensión desconocida que adaptaban sus cuentos. También en la película para televisión El diablo sobre ruedas de Steven Spielberg que adaptaba su cuento Duelo.

Reconozco que no soy muy lector de historias cortas. Aunque su duración resulta perfecta para poder ocupar los momentos sueltos, me cuesta tanto encontrar el momento para concentrarme en la lectura de libros que siempre que lo hago prefiero centrarme en novela larga. Dicho esto, Shocks 1 me ha dado un buen puñado de historias escritas por uno de los grandes nombres de la ciencia-ficción americana, Richard Matheson, que he disfrutado mucho. Matheson escribió estas historias alrededor de 1961, fecha en que están registradas según veo en la ficha técnica del libro, y me chifla comprobar que resultan super leíbles hoy en día y no han envejecido nada, lo cual encuentro que es la gran virtud del libro.

Aunque Gigamesh presenta esta antología como «cuentos de horror», la verdad es que en muchos momentos Matheson mezcla elementos de ciencia-ficción en sus historias, lo que hace que sean geniales y conecten totalmente con mi sensibilidad. En este sentido, es curioso que hay una idea recurrente en muchas de estas historias, y es ver a personas normales haciendo cosas cotidianas de su día a día que de repente van a sufrir un giro inesperado que romperá nuestras ideas preconcebidas sobre el mundo «normal». Además, como buen historia corta, la narración también se plantea para crear el shock en las últimas líneas que nos dejen con el mejor sabor de boca al haber visto cómo nuestras expectativas quedaban destrozadas.

Las historias comprenden desde pocas páginas hasta casi treinta, de forma que Matheson no plantea complejos construcciones psicológicas ya que entra de lleno en la premisa desde el primer momento. De entre todas, diríq que Los hijos de Noah, Conferencia telefónica, Mantage, Legión de conspiradores, Al borde, La nave de la muerte y El repartidor me han parecido historias super buenas en las que encuentro trazas del mítico escritor de Soy Leyenda o de Twilight Zone.

Si a todo esto le sumamos el precio super ajustado de la edición de Gigamesh, el resultado final es que no podría estar satisfecho por la lectura de este volumen. Creo que tendrá que pedirle a mi hermano Fernando que cuando vaya a Gigamesh me compre el siguiente volumen.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Chip y Chop: Los guardianes rescatadores de Akiva Schaffer (Disney+)

Recuerdo ver algún episodio suelto de la serie de dibujo de Chip y Chop (Chip & Dale en el original), pero nunca me consideré fan de estos personajes. Descubrir la premisa de la película recién estrenada en Disney+ dirigida por Akiva Schaffer me ha volado la cabeza con sus reminiscencias a ¿Quién engañó a Roger Rabbit?

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Treinta años después de sus aventuras originales, Chip y Chop viven en Los Ángeles entre dibujos animados y humanos. Chip (voz original de John Mulaney) lleva una vida rutinaria y hogareña como vendedor de seguros, mientras que Chop (voz original de Andy Sandberg) se ha hecho la cirugía 3D y se dedica a explotar la nostalgia de convención en convención, desesperado por revivir sus días de gloria. Cuando un antiguo compañero de reparto desaparece misteriosamente, Chip y Chop se ven obligados a recuperar la amistad perdida y a hacer de detectives una vez más como Guardianes Rescatadores para salvar a su amigo.

Disney anunció esta película en 2019. Tras un cambio en la dirección finalmente Akiva Schaffer ha dirigido esta película con guión de Dan Gregor y Doug Mand, a partir de una historia original de Barry Schwartz. La película de apenas 95 minutos cuenta con Larry Fong para la fotografía de la parte rodada en imagen real, y música de Bryan Tyler.

La película cuenta con las voces de John Mulaney como Chip, el intrépido, optimista y maduro líder y co-fundador de Rescue Rangers y Andy Samberg como Dale, el despreocupado mejor amigo de Chip y co-fundador de Rescue Rangers, que suele actuar antes de pensar.​ KiKi Layne intepreta a la detective Ellie Steckler, una de las pocas actrices de imagen real de la historia. En el resto de voces encontramos a actores conocidos como Will Arnett como Sweet Pete, Eric Bana como Monterey Jack, Keegan-Michael Key como Bjornson the Cheesemonger y J. K. Simmons como el Capitán Putty del Departamento de Policía de Los Angeles.

Entrando a valorar la película, me ha flipado la idea de un mundo claramente inspirado por ¿Quién engaño a Roger Rabbit? (Robert Zemeckis, 1988) en el que los personajes animados comparten mundo en Los Ángeles con las personas reales. Frente a una historia noir con personajes animados del clásico de Robert Zemeckis, Chip´n Dale utiliza esta ambientación para plantear una metáfora metatextual sobre lo que le suceden a los personajes animados cuando sus películas o series son canceladas. Algo que tiene su correlación a los actores con un único papel importante que viven de la nostalgia del público.

Plantear que la clásica serie de animación de Chip y Chop de 1989 fue una serie rodada por unas ardillas actores que tuvieron su momento de gloria hace décadas es una genialidad absoluta. Y este elemento conecta a su vez con la identidad de un villano que es un personaje clásico super querido que en el mundo «real» fue abandonado al crecer y perder su encanto infantil. Que Disney haya aceptado el argumento de la película me parece una maravillosa locura, de largo lo mejor de la película. La obsesión del cine comercial (de sus estudios, se entiende) por los reboots y por reutilizar conceptos populares de otras épocas en lugar de crear nuevas historias es también un elemento importante de esta película, siendo un elemento utilizado con un humor irónico sutil que funciona de maravilla.

El elemento de personajes de animación en el mundo real sirve para mostrar otro de los hallazgos visuales de la película, y al ver como conviven personajes realizados con todo tipo de animaciones diferentes, desde la primera animación en blanco y negro, en 2D tradicional de la Disney de los 70/80, o los actuales modelos en 3D. Esto permite hacer unas bromas super buenas, por ejemplo a costa de la animación de primeros años 2000 tipo Polar Express en la que la «perfección» de las figuras no ocultaba lo raro que quedaban por sus expresiones inhumanas. El detalle que Dale se ha «optimizado» y ha cambiado a una figura en CGI 3D para intentar seguir siendo popular mientras que Chip mantiene su imagen en 2D resalta las diferencias y la evolución que ha vivido el medio, así como la obsesión del mundo del espectáculo de estar a la última y parecer siempre joven y fresh.

Y junto a estos elementos y tan importante como la acción de los protagonistas, la película te obliga a estar atentos a los innumerables cameos y apariciones especiales en segundo plano, ofreciendo momentos maravillosos y sorpresas super divertidas incluyendo a personajes de Pixar y de otras compañías. Los anuncios en la parada del bus o los carteles de próximos estrenos nunca fueron tan divertidos y sorprendentes, con tantos guiños a la historia de la animación que es imposible captarlos todos.

Este aspecto del cameo «obligado» desde cierto punto de vista conecta con la obsesión que un grupo de público tiene con ellos, hasta el punto que llega a ser más importante que la historia en si, como hemos visto este mes con el estreno de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura de Sam Raimi, en el que algunas personas han criticado que la película no por su calidad sino porque no mostrara todos los cameos que ellos imaginaban que debía tener, cameos que nunca existieron más que en el sueño húmedo de estos fans y en webs sin escrúpulos que publican todo tipo de mentiras para generar clicks.

Quizá el único pero de la película es que hay tantos elementos chulos en relación al aspecto metatextual de la película y los numerosísimos cameos y apariciones especiales, muchos de los cuales en segundo plano, que la investigación en si de Chip y Chop resulta un elemento bastante trillado y poco original en el que todo se ve venir de principio a fin, siendo casi lo menos importante de la película.

De hecho, hay un elemento fundamental sobre esto y es que la película me gustó mucho más a mi que a mi hijo de 14 años, entiendo que debido a que él no tiene ninguna conexión emocional hacia la historia de la animación (y sus personajes) como me pasa a mi. Es por esto que cuando yo me moría de risa con los cameos y apariciones sorpresa, para él eran situaciones (y personajes) que no le decían nada, hasta el punto que me comentó al terminar el visionado que «ya la vimos, no quiero volver a verla». Y no creo que sea un hecho sorprendente, ya que creo que Disney ha planteado una película de Chip y Chop más para los padres que conocimos a los personajes en los 80/90 que a los niños actuales. El elemento de nostalgia cobrando de nuevo protagonismo en un producto audiovisual de 2022. Lo cual es arriesgado, dado que viendo el poster en Disney+ yo al menos no tenía claro a qué target dirigía Disney la película, y en ese sentido entiendo que habrá muchos espectadores adultos que no le van a dar una oportunidad a la película esperando una historia para niños como fue en su momento la serie de 1989. A lo que habría que sumar que posiblemente para los niños que sí la vean la película no sea nada del otro jueves, como le pasó a mi hijo.

La película me ha gustado mucho, pero a la vez entiendo que entra en la categoría de bien sin más una vez descuento la diversión de los cameos. En este sentido, entiendo que la duración de 95 minutos es perfecta, sobre todo porque la investigación policial realmente no da más de si.

Comparto el trailer de la película:

Chip y Chop: Los Guardianes Rescatadores acierta gracias a la potentísima premisa, aunque quizá se me queda corta al no llevar la historia que viven los protagonistas al mismo nivel que el elemento metalingüístico, quedándose en una película entretenida que gustará más a los padres que a los hijos que no tienen conexión con la mayoría de personajes que habitan este mundo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Love, Death and Robots temporada 3 (Netflix)

Por fin se ha estrenado la tercera de Love, Death & Robots, la antología de cortos de animación creada por Tim Miller y David Fincher, que vuelve a traernos algunas historias excelentes con una animación que merece la calificación de «mind-blowing«.

PUNTUACIÓN: 8/10

Seres terroríficos, retorcidas sorpresas y humor negro se combinan en esta antología de relatos animados para adultos de la mano de Tim Miller y David Fincher.

Esta tercera temporada se compone de 9 cortos de animación y apenas 130 minutos totales, lo que sumado a los 8 cortos que compusieron la segunda temporada serían una cantidad similar a los 18 episodios que se incluyeron en la primera temporada. Esto me recuerda que más que temporadas dos y tres, hubiera sido más honesto que Netflix las hubiera denominado Temporada 2 Parte 1 y Parte 2. En todo caso, prefiero quedarme con lo bueno y agradezco a Netflix que un concepto tan poco comercial como este haya llegado a tener tres temporadas.

Dicho esto, voy a compartir la sinopsis de cada capítulo y mis impresiones generales sin spoilers:

Tres robots: Estrategias de escape

Tres robots se adentran en un mundo post-apocalíptico… y hacen un breve recorrido por los últimos intentos de la humanidad por salvarse.

Corto de 11min basado en una historia de John Scalzi que él mismo adapta y dirigido por Patrick Osborne, con Blow Studio como estudio de animación.

La serie de cortos en los que unos robots super cuquis están de veraneo en la superficie de un planeta Tierra sin vida humana se han convertido en el único contenido continuado de toda la serie. Y en esta temporada aprovecha para hacer humor a costa de los rednecks que intentaros sobrevivir aislados, pero también de los millonarios que abandonaron a la gente común y acabaron igual. Dentro que este corto está bien y tiene detalles divertidos, posiblemente sea uno de los más flojos de toda la temporada debido a su argumento conectando con las teorías actuales de lo políticamente correcto. La animación me gusta pero la historia no tanto.

Mal viaje

¡Cuidado con el tanápodo! Un miembro de la tripulación de una nave que viaja por un océano alienígena hace un trato con un monstruo hambriento de las profundidades

Corto de 21min que significa el debut de David Fincher en la dirección en esta antología de animación. Corto con guión de Andrew Kavin Walker (Seven) basado en una historia de Neal Asher, realizado por Blur Studio.

La historia de Fincher entraría en el survival-horror, con un tripulante de un barco que hará todo lo que sea necesario para sobrevivir. Con mucho gore y una animación sucia hiper realista en lo referido a los fondos, la verdad es que me ha encantado, y es uno de los obligados de ver esta temporada.

El propio pulso de la máquina

Cuando una misión de exploración a una luna de Júpiter termina en desastre, la única superviviente debe emprender un viaje tan peligroso como alucinante.

Corto de 17 min dirigido por Emily Dean, con guion de Philip Gelatt adaptando una historia de Michael Swanwick realizado por el estudio de animación Polygon Pictures.

Mind-blowing es un término que viene que ni pintado a la hora de calificar esta historia. Frente a otros cortos con animación hiper realista, este opta por un estilo de animación que nos traslada al mundo del comic, con reminiscencias a Moebius. El viaje de esta astronauta a la que se le acaba el tiempo adquiere un nivel psicodélico que la coloca como uno de los más originales e interesantes de la temporada. Otro must-watch absoluto.

La noche de los minimuertos

Un revolcón en un cementerio acaba mal y desencadena una invasión de zombis a escala mundial. Eso sí, nunca un apocalipsis fue tan bonito como este.

Corto de 7 min. Escrito y dirigido por Robert Bisi y Andy Lyon adaptando una historia de Jeff Fowler y Tim Miller, realizado por el estudio de animación Buck.

El apocalipsis zombie en un mundo en miniatura ofrece una historia rápida de apenas 7 minutos pero que contiene momentos divertidísimos, más de los que la retina puede atrapar.

Equipo mortal

Ni siquiera una máquina de matar cibernética creada por la CIA puede vencer a las Fuerzas Especiales estadounidenses. ¿Su arma secreta? Un gran sentido del humor.

Corto de 14min dirigido por Yennifer Yuh Nelson, con guion de Philip Gelatt adaptando una historia de Justin Coates, realizado por el estudio de animación Titmouse, Inc.

Dentro de esta antología de historia de animación, las historias de corte militar han tenido una gran importancia, y esta historia ofrece momentos super gores y over-the-top con este grupo de fuerzas especiales que se enfrenta a un monstruo salido de sus peores pesadillas. Entretenido pero sin más, junto al de los tres robots serían los cortometrajes menos buenos de la temporada.

El enjambre

Mientras investigan los secretos de una antigua entidad alienígena, dos investigadores humanos descubren el terrible precio de la supervivencia en un universo hostil.

Corto de 17 min escrito y dirigido por Tim Miller, adaptando una historia de Bruce Sterling, realizado por el estudio de animación Blur Studio.

Tim Miller dirige este corto que visualmente es otro de los mejores de esta temporada gracias a la recreación de este hábitat alienígena con multitud de seres deferentes a todo. Me ha resultado todo super interesantes, pero al mismo tiempo me quedé con la sensación que no han acabado de cerrar la historia de la mejor manera posible. Con todo, otro corto muy chulo e interesante.

La ratas de Mason

¡Apocalipsis de ratas! El granjero Mason se da cuenta de que tiene un auténtico problema cuando empiezan a contraatacar. ¡Maldición!

Corto de 11 min dirigido por Carlos Stevens, con guion de ¡¿JOE ABERCROMBIE?! adaptando una historia de Neal Asher, realizado por el estudio de animación Axis Studios.

Mason tiene un problema de ratas cada vez más inteligentes, suerte que la tecnología tiene justo lo que el granjero precisa. El toque cruel y de humor negro de la historia me recordaron a Abercrombie, aunque en este caso la historia nos deje con una sensación de final feliz. Un corto muy original y sangriento, los ingredientes perfectos para que una historia de este tipo me guste.

Sepultados en salas abovedadas

Una unidad especial en misión de rescate se ve atrapada en una prisión que contiene una fuerza maligna. Las tácticas militares modernas se enfrentan a dioses antiguos.

Corto de 15 min dirigido por Jerome Gelatt, con guion de Philip Gelatt adaptando una historia de Alab Baxter, realizado por Sony Pictures Imageworks.

Es este temporada tenemos a otro grupo de fuerzas especiales que se encuentra más de lo que nunca imaginaron durante una misión. Sin embargo, conectar la historia con los mitos de Lovecraft ha hecho que me haya gustado muchísimo más este corto comparado con el de Equipo Mortal. Con una animación alucinante y una acertadísima sensación de Cosmic-Terror, este sería otro de mis cortos favoritos de esta temporada.

Jíbaro

Un caballero sordo y una sirena de leyenda se enredan en una danza mortal. Una atracción fatal teñida de sangre, muerte y tesoros.

Corto de 17 min escrito y dirigido por Alberto Mielgo y realizado por el estudio de animación Pinkman.tv.

Alberto Mielgo me ha volado la cabeza con la animación de este corto. Con una sensibilidad hiper-realista añadiendo detalles increíbles a la armadura de un caballero sordo que no se ve afectado por los poderes de la sirena que habita el lago, los 17 minutos de corto son una experiencia frenética alucinante. El verdadero descubrimiento de esta temporada.

En resumen, otro buen grupo de cortos de animación que me han gustado mucho, algunos muchísimo, y a la vez me han sabido a poco porque me los he visto en un supiro. Ojalá la audiencia de Love Death & Robots sea muy buena y Netflix siga confiando en este formato y podamos disfrutar de más historias en los próximos años. Un formato maravilloso para todos los amantes de la animación.

Comparto el trailer de esta tercera temporada:

Muy bien como siempre Love, Death & Robots. Aunque que sean sólo 9 episodios vuelva a dejarnos la miel en los labios, hay que quedarse con lo bueno y agradecer que un concepto como este haya llegado a existir. En este caso, no puedo más que agradecer a Netflix que apueste por conceptos tan poco comerciales como este.

PUNTUACIÓN: 8/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Conan: El cimmerio 01 La reina de la Costa Negra , de Jean-David Morvan y Pierre Alary (Planeta Cómic)

Tenía muchas gana de leer la versión francesa de Conan que Glénat empezó a publicar en Francia y que Planeta Cómic nos ha traído a España. El primer álbum con la adaptación de La Reina de la Costa Negra obra de Jean-David Morvan y Pierre Alary ha resultado todo un descubrimiento.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

El Cimmerio con sabor francés.

«Yo solo sé una cosa: si la vida es una ilusión, yo también lo soy. En consecuencia, la ilusión también es real para mí. Vivo, ardo de vida, amo, mato… y estoy contento».

Conan celebra 40 años en Planeta con la nueva edición de sus historias con Glenat, adaptando las novelas originales de Robert E. Howard, trayendo el mejor Conan, el más auténtico y el que sus seguidores más valoran a día de hoy. En una colección de álbumes que siguen el original hasta el mínimo detalle.

El personaje de Conan fue creado por Robert E. Howard en 1932. Howard falleció en 1936 y el personaje se ha convertido en un icono a nivel mundial, gracias a las novelas, los comics Marvel (luego Dark Horse) y las películas protagonizadas por Arnold Schwarzenegger.

Debido a las leyes de las leyes de copyright y de derechos de autor que como mínimo protegen la obra de un creador durante toda su vida y hasta por lo menos 50 años después de su muerte, en Estados Unidos esos derechos están protegidos durante 90 años, pero en España y en otros países europeos ese periodo es de 80 años para los autores nacidos antes de 1986. Es por esto que una vez cumplidos los plazos legales, Conan pasó al dominio público en 2016 y ya puede ser utilizado por cualquier autor en Europa. En USA esa protección se extiende hasta 2226, con el añadido que Conan Properties, la actual tenedora de estos derechos, tiene registrada marcas como CONAN, o Conan El Bárbaro, por lo que los autores o editoriales que decidan publicar comics del personaje pueden hacerlo pero sin usar estos nombres en las portadas para promocionar sus creaciones.

Una vez he comentado la problemática legal, que es interesante pero secundaria, lo importante por supuesto es ver cómo han planteado los autores contratados por Glenat la adaptación de La Reina de la Costa Negra, una de las más famosas novelas de Howard debido a la aparición de Bêlit, el gran amor de Conan. Y el trabajo del guionista Jean-David Morvan y el artista Pierre Alary no puede ser mejor.

Un primer elemento interesante es que Glénat ha optado por volver a las fuentes originales para adaptar únicamente las novelas de Howard, unas novelas en las que Howard planteaba aventuras autoconclusivas en las que Conan no tenía evolución entre ellas, ni existía una cronología, pudiendo leerse en cualquier orden. Al ser historias publicadas en la revista pulp Weird Tales, es probable que Howard contara que muchos lectores sólo leerían una revista concreta por lo que no tenía sentido crear una evolución a un personaje que por otra parte no sabía qué continuidad llegaría a tener. Esto resulta muy interesante, porque tras la muerte de Howard varios estudiosos de su obra trataron de establecer una cronología para Conan que para su creador carecía de importancia. Fruto de esto se publicó el ensayo A probable outline of Conan´s Career de 1938 de Peter Schuyler Miller y John Drury Clark, que fue ampliado por el novelista L. Sprague de Camp y posteriormente por el escritor de Marvel Roy Thomas cuando empezaron a publicar los comics originales.

Y esto es un factor clave, ya que yo he crecido con los comics Marvel y en ellos Roy Thomas planteaba como clave de las aventuras hacer que el viaje de Conan por la Era Hyboria pudiera ser casi seguido por el mapa, situando por ejemplo que si una novela estaba ambienta en XXX y en la siguiente Conan estaba en YYY, en los comics veíamos el viaje de Conan para llegar de un punto a otro.

También resulta muy interesante conocer además que Conan no evoluciona ni gana conocimientos en las novelas, viviendo en un estado perpetuo de carpe-diem. Conan en esta novela es muy diferente al de los comics. No sólo en el apartado gráfico, sino también con una filosofía de vida «Vivo, ardo de vida, amo, mato… y estoy contento», mucho más salvaje e indómita que lo que estamos acostumbrados.

Tampoco ningún personaje secundario repitió aparición en la obra de Howard, lo cual rompe con el empeño de Thomas de crear un universo alrededor de Conan al que poder volver en caso de necesidad creativa, empezando por Red Sonja o la propia Bêlit. Recordar la Saga de Bêlit en los comics Marvel a través de cuarenta y tantos números ha sido una experiencia muy diferente a leer este álbum de 56 páginas con principio y final cerrado que va al grano desde el minuto uno y resulta super satisfactorio de una forma muy diferente a los comics Marvel. Por todo lo anterior, no puedo más que aplaudir el trabajo del guionista Jean-David Morvan.

Me ha pasado algo curioso con el dibujo de Pierre Alary, con color de Sedyas. En un primer momento en el que ojeé el álbum no acababa de conectar con su estilo casi rozando el cartoon, o con su representación de Conan. Sin embargo, cuando me he sentado a leerlo con tranquilidad y he entrado en su propuesta, me ha encantado la fuerza y la fluidez narrativa que tiene la historia, con el plus de que las 56 páginas permiten la lectura en una sentada. Reconozco que para mi Conan siempre será el de John Buscema, pero la calidad gráfica de este álbum es altísima.

En resumen, este primer volumen de Conan El Cimmerio me ha gustado mucho y no encuentro el momento que Planeta publique el segundo este próximo mes de junio. Una lectura super recomendable para todos los fans del Cimmerio, que somos muchos, y en general para los del género de la espada y brujería.

Comparto las primeras páginas del comic:

Conan El Cimmerio: La Reina de la Costa Negra me ha parecido una lectura excelente que me deja con ganas de más historias del personaje alejado del estilo de las adaptaciones realizadas por Marvel o Dark Horse.

PUNTUACIÓN: 8/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!