Tras el crossover de Nightwing con el nuevo Superman, Tom Taylor continúa las aventuras de Dick Grayson con una aparición invitada de excepción, Flash (Wally West) uno de sus mejores amigos desde los tiempos de los Nuevos Titanes, en una aventura en dos partes con dibujo del dibujante invitado Geraldo Borges y color del habitual Adriano Lucas.
PUNTUCIÓN: 7,5/10
Get Grayson Parte 3. Una historia de Nightwing y Wally West, ¡parte 1 de 2! Cuando es más fácil ir a comprar panecillos como Nightwing que como Dick Grayson porque todo el mundo quiere sacarle el dinero o matarlo por el precio de su cabeza, Nightwing se da cuenta de que necesitará la ayuda de sus amigos Titanes como guardaespaldas, y el primero en ofrecerse es, por supuesto, su mejor amigo… ¡Wally West, también conocido como Flash!
Get Grayson Parte 4. Tratar de salvar una ciudad que está aún más lejos de ser salvada que Gotham no es una tarea fácil, e incluso alguien como Nightwing necesita un día libre para relajarse con su mejor amigo y recargar energías, pero cuando tu mejor amigo es Wally West, también conocido como Flash, ¡una «recarga» podría no ser tan relajante!
Geraldo Borges (1981) es un dibujante brasileño activo en el mercado internacional del cómic desde 2007. Ha trabajado para algunas de las compañías americanas más importantes como DC Comics (Justice League, Aquaman, Nightwing, Batman & Robin Eternal, Superman, Wonder Woman, Mortal Kombat X), Marvel (Wolverine, Darth Vader: Dark Visions, Star Wars: Tie Fighter, X-Men Gold, X-Men Black: Apocalipsis, Nova), Dark Horse (Angel, Ghost) y Dynamite (Pathfinder). También es fundador de la academia de arte Quadriños Estudio Chile, y de la agencia ArtistGO.
Desde que Dick Grayson anunció que quería mejorar la vida de la gente corriente de Blüdhaven con su fortuna recién heredada, se ha convertido en un objetivo de Blockbuster, el mafioso que controla la ciudad. Este ha sido el argumento de Get Grayson, el arco actual de la serie que lleva desarrollándose en los últimos meses. El mes pasado DC puso en stand-by este arco al organizar el crossover de las series guionizadas por Tom Taylor, Nightwing y Superman. Este mes que se vuelve a la normalidad, Taylor continúa con la que es una de las señas de identidad de esta etapa, que es entroncarla profundamente en el centro de la continuidad DC aprovechando la larga lista de amigos y familiares de Dick.
Los Nuevos Titanes clásicos tuvieron una emocionante aparición en el número 88 salvando a Dick de los intentos de asesinato de Blockbuster, por lo que tiene todo el sentido que en otro momento de necesidad sea Wally West el que acuda en su ayuda. Como es habitual, Tom Taylor acierta de pleno a la hora de mostrarnos la amistad y complicidad que ambos personajes comparten, algo mucho más importante que ver cómo se enfrentan a los villanos de turno. Como en general toda la etapa, estos dos comics tienen un corazón enorme que consigue que un lector veterano de los comics de DC com yo me emocionara en varios momentos. Y no porque haya grandes emociones o dramas, sino simplemente por la alegría de ver a Dick y Wally ser ellos mismos. Es que no se puede pedir más.
Tras el crossover con Superman, estaba cantado que Bruno Redondo iba a necesitar un descanso, aunque le tenemos en las maravillosas portadas de estos dos números. El brasileño Geraldo Borges dibuja estos dos números y dentro de la decepción de no tener a Redondo, creo que es un acierto por parte de DC permitir que Borges dibuje el arco completo. Adriano Lucas colorea estos comics y mantiene la colorida paleta de la serie que muestra un mundo superheroico super colorido que no se avergüenza de serlo, lo que funciona de maravilla con la aparición de Flash en estos dos números. Borges me ha parecido un buen dibujante que cuenta razonablemente bien lo que pasa en la viñeta, consiguiendo transmitir la emoción de la amistad de Wally y Dick. Sin embargo, tanto en lo referido a la fluidez de las escenas de acción, a la narrativa y organización de las viñetas en la página o en las expresiones de las caras de los personajes se encuentra muy por debajo del nivel que nos está mostrando Bruno Redondo. A pesar de esto, considero que como artista invitado, Borges ha cumplido bien con el encargo de DC Comics.
Redondo vuelve a dibujar el próximo número, en el que espero que la trama de Get Grayson empiece a acercarse a su resolución. En todo caso, el nivel de disfrute que me está proporcionando este Nightwing es máximo.
Comparto las primeras páginas de esta aventura:
Nightwing continúa siendo una de las series más disfrutables de la DC Comics en continuidad. Super recomendable para todo tipo de lectores, para lectores veteranos como yo pero también para nuevos lectores que buscan engancharse a estos personajes.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
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Otra de las compras del pasado Comic Barcelona 2022 en el stand de Moztros fue la miniserie Bleed them dry de Eliot Rahal y Dike Ruan, con color de Miguel Muerto, una curiosa premisa de ciencia ficción que mezcla los vampiros, las artes marciales y el noir de investigaciones policiales.
PUNTUACIÓN: 7/10
¡El impecable tomo único Bleed Them Dry de Vault Comics llega de la mano de Moztros!
Bleed Them Dry es una epopeya de ciencia ficción futurista que toma aspectos de la mitología japonesa y occidental, y los converge en una narrativa con tintes policiales. Se nos presenta un mundo totalmente nuevo y único donde la detective Harper Halloway será la encargada de descubrir y capturar a un asesino en serie que está cazando y matando a sus compañeros inmortales, los vampiros que han estado viviendo pacíficamente junto a los humanos durante siglos. Bleed Them Dry es la combinación perfecta entre vampiros y ninjas dentro de una conspiración de intrigas y ciencia ficción. Basado en la creación de Hiroshi Koizumi (productor de contenido y CEO de una importante empresa en Japón) y con guión de Eliot Rahal (autor de Quantum & Woody, Ninjak y Bloodshot para Valiant), Bleed Them Dry nos deleitará con el arte de Dike Ruan (Amistoso Vecino Spiderman, Universo Spiderman y Gata Negra) y Miquel Muerto (uno de los artistas de Hay Algo Matando Niños).
Este tomo de 164 páginas con tapa dura contiene la miniserie Bleed Them Dry #1-6 USA.
Descubrí el tomo de Bleed them dry en el stand de Moztros en el pasado Comic Barcelona, y el concepto sumado a ojear páginas del comic y a la amabilidad de la gente del stand fueron suficiente para que me animara a comprarlo. Y la verdad es que el resultado final no ha estado a la altura de lo bien que luce el dibujo y la potente premisa que combina elementos tan dispares como la ciencia ficción, las artes marciales, los vampiros y el género policiaco.
Y es que lo que a priori es la gran virtud de Bleed them dry, la combinación de géneros, acaba convirtiéndose en el principal problema de una historia super confusa que no acaba de centrar ni acertar en el desarrollo de los diferentes elementos que presenta. Empezando por centrar la historia en la detective Harper Halloway que inicia la investigación cuando aparentemente (por la portada) el protagonista es otro, ninguno de los cuales tiene una caracterización demasiado interesante. Fruto de este mal desarrollo nos encontramos con una investigación criminal en la que cuando descubrimos quien fue el asesino no llegamos a saber los motivos que motivaron estos hechos, que quedan en un segundo plano ante la realización simplista de «es el malo». Tampoco el giro de lo que esconde este mundo en el que a priori humanos y vampiros viven en harmonía llega a impactar como debería, ya que no se construye el worldbuilding de forma adecuada. Y encima la propia premisa resulta un tanto imposible tal y como está planteada, rompe en parte la suspensión de credulidad.
Dike Ruan en los lápices con el color de Miguel Muerto creo que hacen un buen trabajo en el lado artístico, aprovechando los momentos que presenta el guion para lucirse en las numerosas splash-pages. Sin embargo, también es cierto que ambientar una historia en el siglo XXX y tener viñetas sin apenas fondos, de forma que no podemos apreciar este mundo futurista, resulta un pelín decepcionante. Creo que el confuso guion también provoca que algunas escenas no sean todo lo potentes visualmente que podrían haber estado, de forma que aunque el comic cuenta con un buen dibujo, tampoco es que me haya volado la cabeza.
Por cierto, dentro de todo tengo que destacar como muy positiva la estupenda edición de Moztros, que ha publicado el comic de 6 grapas USA en una edición de tapa dura y papel bueno por tan sólo 15.00 €uros. De hecho, aparte de lo que comentaba al principio, reconozco que por muy majos que fueran los chicos de Moztros, si el tomo hubiera valido 20/22 €uros como algunas ediciones de Panini, ECC o Planeta, no lo hubiera comprado. Es por esto que en este caso, la relación calidad / precio la encuentro ajustada, ya que precios de este tipo son los que ayudan a atreverse a comprar cosas nuevas.
Bleed them dry no me ha flipado a pesar de su buen dibujo, lo cual me parece una pena. Dicho esto, manteniendo estos precios y esta calidad, seguiré comprando más comics de Moztros y Vault Comics.
Comparto las primeras páginas del comic:
Bleed them dry no hay estado mal pero tampoco especialmente bien debido a un confuso guión que no ha sabido integrar correctamente las diferentes facetas de la historia.
PUNTUACIÓN: 7/10
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Lightyear dirigida por Angus MacLane es la primera película de Pixar que se estrena en cines desde la pandemia. Y lamentablemente se queda muy muy lejos de las mejores películas del estudio.
PUNTUACIÓN: 5.5/10
La historia del origen de Buzz Lightyear, el héroe que inspiró el juguete, y que nos da a conocer al legendario Guardián Espacial que acabaría contando con generaciones de fans. (FILMAFFINITY)
Buzz Lightyear es uno de los personajes más queridos de Pixar a partir de su aparición en la franquicia de Toy Story. Para dirigir su primera película en solitario spin-of de la franquicia de los juguetes, Pizar a elegido a Angus MacLane (1975) un animador, artista de storyboard, diseñador de personajes, guionista, director de cine y actor de doblaje estadounidense que ya codirigió la película Buscando a Dory (2016).
Además de dirigir, MacLane escribió el guion de la pelicula junto a Jason Headley y Matthew Aldrich. La película de 105 minutos cuenta con un presupuesto de 200 millones y montaje de Anthony J. Greenberg. Destaca sobremanera la música de Michael Giacchino que tiene el perfecto tono aventurero que necesita un personaje tan querido.
En las voces originales tenemos a Chris Evans como Buzz Lightyear. Uzo Aduba es Alisha Hawthorne, compañera de Buzz y su mejor amiga, mientras que Keke Palmer es Izzy Hawthorne, la nieta de Alisha. James Brolin da la voz al Emperador Zurg, el comandante del ejército robótico invasor a quien Lightyear tendrá que enfrentarse. Keira Hairston como una versión joven de Izzy. Peter Sohn da la voz a Sox, un gato robótico y compañero de Buzz, mientras que Taika Waititi es Mo Morrison, un ingenuo recluta en las fuerzas de defensa coloniales y Dale Soules es Darby Steel, un anciano convicto en libertad condicional que ha sido reclutado en las fuerzas de defensa coloniales.
Empezando los elementos positivos de la película, como no puede ser de otra manera, la animación de Pixar está a otro nivel. Todos los elementos que se ven parecen obra de un ingeniero, como si antes de animarlo lo hubieran construido primero para asegurarse que funcionaría. Los trajes, las naves o el propio planeta son alucinantes, y me gusta mucho también el diseño de los personajes. Empezando por supuesto por un Buzz Lightyear que suponía un desafío para los creativos de Pixar, ya que su imagen de juguete es super icónica y había que modificarla para que funcionara en esta aventura. Ver a Buzz como un Guardián Estelar de «carne y hueso» me funciona, lo cual era básico para que la película funcionara.
Lightyear plantea una historia bastante funcional en la que tanto el protagonista como el grupo disfuncional formado por Izzy, Mo, Darby, y Sox no dejan de equivocarse en casi todo lo que hacen. Al final Lightyear aprende que debe confiar en sus compañeros y ellos aprenden a sobreponerse a sus deficiencias para ayudar a derrotar a la amenaza de Zurg. Sin embargo, lo que en el papel es un argumento bastante funcional (y nada novedoso), no acaba de funcionar porque la película se olvida en la mayor parte del metraje plantear cosas realmente heroicas o entretenidas. Está muy bien la idea de sobreponerse a sus problemas, pero con todas las opciones a disposición de Pixar para crear una aventura espacial realmente emocionante y potente, el estudio de animación por primera vez en su historia ha errado con las elecciones creativas que han planteado.
Lightyear es una película moderadamente entretenida con el plus que supone tener una animación alucinante. Sin embargo, globalmente me parece que no funciona como entretenimiento para los más pequeños, repitiendo una tendencia de películas de Pixar como Soul. Fui a verla con mi hijo y a él no le acabó de gustar, y en mi caso de adulto también creo que la película no funciona, un fallo tremendo pensando que el público familiar que vamos al cine tenemos en este caso el standard de Toy Story, no el de las películas más adultas del estudio . ¿A qué es debido este problema?
La película empieza con dos líneas que explican la película: «En 1995, Andy recibió un juguete de su película favorita. Esta es esa película». Sin embargo, para supuestamente ser una película de los años 90, Pixar se ha olvidado de hacer una aventura sencilla como se hacían en esa época. De hecho, de aventura espacial tiene bastante poco, y como suele decirse está bien romper las expectativas, pero siempre que lo que hagas sea MEJOR. Cosa que no sucede en este caso. Empezando porque la película se empeña en reirse de Lightyear en lugar de intentar mostrarle desde una perspectiva heroica. Cosa que sin embargo sí plantean desde el primer momento con su compañera Alisha Hawthorne.
Una de las cosas que más han gustado de Top Gun Maverick aparte de todo, es que tiene claro qué tipo de entretenimiento ofrece y no necesita plantear un giro absurdo en el tercer acto para cambiar todo lo que pensábamos de la historia o el protagonista hasta ese momento. La historia de Maverick funciona en todo momento sin elementos rompedores o novedosos, o tal vez precisamente porque no los necesita para empezar. Esta lección no se la plantearon en Pixar y han intentado hacer una historia más compleja de lo que realmente era necesario, con una sorpresa realmente estúpida a partir de un giro al final del segundo acto que no funciona en el contexto de la historia tal y como lo han planteado.
El mensaje de Lightyear es que no tienes que obsesionarte con tu trabajo porque eso te hará perderte la vida que pasa a tu alrededor. Y como mensaje así en general no está mal. PeroLightyear se ha perdido esa vidabuscando el bien de sus compañeros. No es decisión suya perderse cuatro años cada vez que prueba el combustible que permite la velocidad hiperespacial clave para que puedan volver a la Tierra, sino que lo asume como su obligación. Lo cual es muy diferente. Es cierto que él también busca reparar el error que cometió al causar el accidente que dejó a su nave varada en el planeta. Un hecho en si mismo cuestionable, dado que están escapando de una amenaza planetaria ¿realmente es un error suyo o era algo inevitable dada la situación? Pero lo que hace Lightyear no es algo egoísta, gracias a esas pruebas y la investigación del gato robótico Sox, ¡acaban encontrando un combustible apto para el viaje interestelar! Gracias a él, por fin el contingente humano puede abandonar T’Kani Prime.
Tras Toy Story, todos queriamos ver a Zurg como villano de la cinta, que es lo que se nos había prometido desde el principio de la franquicia juguetera. Pero la forma en que lo han usado en Lightyear es realmente tonta, con un giro ridículo absurdo siendo generoso. Y esto es un problema fundamental clave que rompe sin sentido la historia del personaje de Zurg y con él el de Buzz con algo que no era necesario para empezar.
SPOILERS A CONTINUACIÓN:
El giro que hacer que Zurg sea un robot manejado por una versión alternativa malvada de Lightyear del futuro es ridícula. Directamente. Entiendo que Pixar quería resaltar lo malo que es el concepto de un Lightyear obsesionado con «la misión», para que el protagonista reciba el empujón que le convenza que tiene que vivir la vida y confiar en sus compañeros. Pero realmente eso no era necesario ¡porque Buz ya lo estaba haciendo! Esta idea que el villano de una película de Buzz Lightyear es el propio Buzz puede ser una de las peores ideas de todas las malas planteadas por un gran estudio para una película mainstream de gran presupuesto como esta.
Pixar se había empeñado tanto en contarnos como el concepto del tiempo relativo tiene una base científica para justificar el salto de 4 años para Buzz (inciso, el concepto puede ser físicamente plausible, pero NO PARA LA SITUACIÓN QUE LA PELÍCULA PLANTEA), que meter porque sí la existencia de viajes por el tiempo en el tercer acto es realmente tonto y rompe esa supuesta plausibilidad científica.
A partir del giro de la película todo lo que nos cuentan es una absurdez tras otras que arruina la película. Empezando porque el Buzz malo se encuentra una nave de robots que aparecen no se sabe de donde y se adueña de ellos porque si. Incluso si el Buzz malo ganase, lo que conseguiría sería crear una nueva rama temporal, no cambiaría lo que acabamos de ver. O si, quien sabe, porque está tan mal contado que cualquier cosa es posible a estas alturas de la película. Han abierto una puerta a una situación ridícula que sin ser experto en el mundo de Toy Story diría que entra en contradicción con todo lo que nos habían contado de Zurg hasta ese momento, lo cual es otro fail absoluto.
Para empeorarlo todo, el final de la película en la que aparentemente el Comandante Burnside ha abandonado la investigación para encontrar el combustible hiperlumínico con el que volver a la Tierra es otro fail como una casa. Primero porque por un lado Lightyear y Sox ha demostrado que lo pueden fabricar en el planeta con los recursos disponibles. Pero lo principal es que abandonar la idea de volver a la Tierra si que niega todo el sacrificio previo de Lightyear a lo largo de la película. Lo cual por supuesto supone un problema. Otro más.
Pixar ha fallado de forma incomprensible con Lightyear. Y lo ha hecho con lo primero y principal, que es presentar un entretenimiento familiar para todas las edades a partir de un personaje super querido al que apenas le dan las herramientas para brillar en su propia película. Me quedo muerto pensando en qué momento del complejo proceso de crear una película mainstream como esta a los creativos de Pixar se les olvidó cual debía ser el foco principal. Si la idea debía ser contar una historia de origen de Lightyear que nos mostrara lo gran héroe galáctico que es, la verdad es que no lo han conseguido.
Y esto no puede saberme más mal, ya que tras dos años de pandemia, Lightyear debía ser la película que devolviera con éxito las películas de Pixar a las pantallas de cine, y al menos en su estreno ha conseguido unas cifras de taquilla por debajo de lo esperado. Confío que las cifras veraniegas y el comienzo de las vacaciones invitará a muchas familias a verla, pero no tengo claro que el boca a boca entre esas mismas familias vaya a ser del todo positivo. Qué pena.
Por cierto, se me olvidaba comentar que como podéis comprobar, creo que Lightyear tiene numerosos problemas todos ellos derivados de la historia. Lo que seguro no es un problema es la decisión de Pixar de mostrar a personajes variados en los relativo a raza, apariencia u orientación sexual. La que se ha formato por un beso entre dos mujeres que no puede ser más inocuo me parece algo asqueroso. Me parece perfecto que los personajes como en el mundo real sean lo más variados posible y creo que Disney / Pixar no debería abandonar esta senda.
Comparto el trailer de la película:
Lightyear no acaba de acertar la premisa de la película, lo que perjudica el disfrute de la película, algo que es la primera vez que sucede en una película de Pixar.
PUNTUACIÓN: 5.5/10
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Segundo episodio de Ms. Marvel en Disney+ que confirma el carisma de Iman Vellani como la protagonista Kamala Khan y de su mundo en la que es una historia de origen clásica.
PUNTUACIÓN: 7/10
Episodio 2. Pillada.
Bruno ayuda a Kamala a explorar el origen de sus nuevos poderes antes de un peligrosa aventura.
Segundo episodio dirigido por Meera Menon con guión de Kate Gritmon, manteniéndose Bisha K. Ali como creador y escritor jefe de la serie. Episodio de 52 minutos (44 sin los títulos de crédito finales).
En este segundo episodio volvemos con Iman Vellani como Kamala Khan / Ms. Marvel, una estudiante de secundaria paquistaní-estadounidense de 16 años de Jersey City que es una aspirante a artista y ávida jugadora, y escribe fan-fictions de superhéroes como Capitana Marvel. Matt Lintz es Bruno Carrelli, el mejor amigo de Kamala, Yasmeen Fletcher es Nakia Bahadir, la mejor amiga de Kamala, Zenobia Shroff es Muneeba Khan, La madre de Kamala y esposa de Yusuf (Mohan Kapur). Saagar Shaikh es Aamir Khan, el hermano mayor de Kamala y Laurel Marsden como Zoe Zimmer, la chica más popular del instituto de Kamala. En este episodio conoceremos además a Rish Shah como Kamran, el chico guapo del instituto que dejará anonadada a Kamala.
Llevamos tanto tiempo acostumbrados a un MCU en el que Kevin Feige y su equipo plantean que cada película y serie sea diferente a las demás, que llegamos a junio de 2022 y una historia super básica de origen de un héroe (heroína en este caso) contada cronológicamente nos parece una novedad genial. Y es que merece la pena recordarse que Spiderman NO ha tenido esta historia en el MCU, precisamente porque ya estaba visto en otras películas de Sony. Aunque Ms. Marvel no tiene la novedad en la historia, el éxito es total gracias a la frescura y personalidad de Iman Vellani como Kamala Khan, sumado a su familia y amigos de instituto. Kamala y su forma de ver la vida super friki y totalmente adolescente está en el centro de todo y transmite verdad por los cuatro costados. La serie de momento tiene el tono adolescente de típica serie de instituto, con una protagonista en el centro de un triángulo formado por su amigo Bruno que está colado por Kamala aunque ella no se da cuenta, dado que ella lo está por el recién llegado Kamran. Sumando a su amiga Nakia, a la popular Zoe, lo visto hasta ahora no difiere en demasía a la estructura de cualquier serie de target juvenil.
En su momento leí el comic de G. Willow Wilson y Adrian Alphona en el que se presentó al personaje. Y la verdad es que la serie de televisión tiene toda la esencia del personaje creado por Wilson, Alphona y los editores de Marvel Sana Amanat y Stephen Wacker, adaptando como es lógico algunas cosas al formato televisivo y la imagen real. El cambio de poderes no me molesta, estoy seguro que la explicación será correcta en el contexto del MCU. De hecho, que Bruno sugiera que el poder viene de Kamala y que el brazalete sólo lo canaliza y no al revés, que Kamala use unos poderes que da el brazalete, ya me parece un paso en la buena dirección.
Hablando de los poderes de Kamala, dentro de los elementos más flojos del episodio, habría que hablar en primer lugar que se confirma que el CGI para trasladar a imagen real los poderes de Kamala son más bien cutres. Como de momento las muestras de poder han sido mínimas, esto aún no supone ningún problema grave, las cosas como son. Pero a medida que las amenazas a Kamala aumenten, cosa que espero suceda, claro, confío que estos efectos visuales se afinen.
Hay otro elemento de fondo del decompressing storytelling con el que han planteado la historia, que me recuerda a la mejor etapa del Brian Michael Bendis «bueno» de Ultimate Spiderman. Y es que de momento la serie funciona porque nos quedamos con la frescura de Kamala, pero llevamos 2 episodios y casi 90 minutos de narración y Kamala aún no se ha enfrentado a ningún antagonista ni hemos visto ningún problema real en lo relativo a sus poderes. No, el rescate del episodio dos no lo cuento como desafío, incluso a pesar que al final no le acaba de salir bien. Y lo bueno de Ms. Marvel es que de momento su personalidad hace que no lo hayamos echado de menos.
Entiendo por el final del episodio que ya en el tercero se van a poner a explicar la fuente de sus poderes lo que diría que va a abrir la puerta al posible antagonista / villano de la serie. Desde luego, confío que el «villano» no sea el FBI / Control de Daños, eso sí sería muy cutre para una historia de origen en el MCU. Confío que va a haber algo más que en un mundo ideal conectará a Kamala con los Krees y de esa forma, con Carol Danvers (Capitana Marvel). Habrá que esperar a ver el siguiente episodio en unos pocos días. Como digo, de momento la historia me encaja sin problemas, pero como la parte superheroica no avance con fuerza la semana que viene, entonces si que creo que podrían empezar los problemas. Pero no anticipemos problemas donde de momento no los hay.
Por cierto, entiendo por lo visto hasta ahora que la comunidad musulmana de Estados Unidos debe estar super contenta con esta serie que muestra a una familia de origen pakistani en un contexto positivo. En estos momentos de búsqueda de la representación de los diferentes colectivos sociales, Kamala va a ser un icono para muchas niñas.
Comentaba antes que en su momento leí el comic de Ms. Marvel. Y la verdad es que dentro que todo estaba bien ejecutado y el dibujo de Alphona tenía una personalidad tremenda, realmente el comic entraba en la categoría de «no es para mi». Tengo que reconocer que esto que sentí con el comic es lo que me está pasando con la serie de televisión. Da gusto conocer a esta Kamala Khan, pero al mismo tiempo cada vez me interesan menos las comedias de instituto.
Y por supuesto no tengo ningún problema con que Marvel Studios esté haciendo series que no me busquen a mi como público objetivo, de momento sigo con curiosidad Ms. Marvel y dentro que me está gustando desde luego no es una pasada que me vuela la cabeza. Ni falta que hace.
Comparto el teaser trailer de este segundo episodio:
Hacía tanto tiempo que no veíamos una historia de origen clásica que el planteamiento de Ms. Marvel me está gustando bastante. En todo caso, espero que las cosas empiecen a animarse la semana que viene.
PUNTUACIÓN: 7/10
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Termina el primer arco de la nueva etapa de Veneno de Al Ewing, Ram V y Bryan Hitch, con tintas de Andrew Currie y color de Alex Sinclair, y las sensaciones no pueden ser mejores ante esta historia compleja con dos protagonistas separados por el continuo espacio tiempo.
PUNTUACIÓN: 8/10
¡La más ambiciosa serie jamás protagonizada por un simbionte! Después de redefinir a Hulk, Al Ewing salta al mundo del Protector Letal, en compañía de Ram V, un verdadero maestro del terror, para construir un relato impresionante, plasmado nada menos que por el legendario Bryan Hitch. ¡El artista de The Ultimates ha vuelto, y lo está dando todo en cada página! ¡Nunca has visto un Veneno como éste!
Tras la histórica etapa de Donny Cates en Veneno, el nuevo equipo de guionistas formado por Al Ewing y Ram V han planteado una revolución total para el personaje, con una historia apasionante que parece puede darnos un par de años de buenas historias. Resulta curioso comprobar que Al Ewing se encarga de escribir la parte de la historia de Eddie Brock (vista de momento en los números 1 y 5), mientras que Ram V se encarga de narrar las aventuras en la Tierra de Dylan, el hijo de Eddie que ahora es el nuevo poseedor del simbionte Veneno, que hemos visto en los número 1 a 4.
La nueva amenaza de Meridius plantea una situación inédita en Veneno, dado que el peligro le viene a través del tiempo, no del espacio (y de otras galaxias) como hasta ahora. Un enemigo además que parece tener la ventaja definitiva al saber lo que está por llegar. En las páginas del comic del Día del Comic Gratis de Enero de 2022 y en la primera grapa de esta colección se anticipa además la participación de Kang en estas páginas. De hecho, de las seis imágenes a modo de previo del especial, tan sólo el último con la figura de Meridius ha aparecido ya en las 5 grapas que hasta ahora se han publicado, lo que da una idea de los planes a medio / largo plazo que han debido plantear Ewing y V a la hora de desarrollar la historia.
Tengo que decir que confío completamente en Ewing (y en V como colaborador), Sin embargo, se me hace necesario comentar que resulta muy complicado acertar en las historias que implican viajes temporales, aunque espero que estos escritores pueden conseguirlo. En este sentido, el quinto número contado desde el punto de vista de Meridius que resignifica algunas escenas vistas previamente me ha parecido un número brillante que me deja en lo más alto y con la sensación que lo mejor aún está por llegar.
Brian Hitch parece que está viviendo una segunda juventud en los últimos años. Con sus colaboradores habituales Andrew Currie en el entintado y Alex Sinclair en el color nos ofrece unas páginas increíbles llenas de detalles, fondos y momentos potentes. Agradezco un montón cuando se nota la conexión entre los guionistas y el dibujante, planteando elementos narrativos interesantes que permitan el lucimiento del artista, que es precisamente lo que tenemos en estas páginas. Aparte de un Dyla que no acabo de reconocerle pensando en la caracterización del personaje en la etapa previa, tengo que reconocer que aunque me gusta mucho Hitch, sus páginas están tan sobrecargadas de figuras, fondos, etc… que acaban provocándome cierto agotamiento cuando vuelo a leer las distintas grapas.
Dicho lo cual, si esto es lo peor que puede decir de Hitch, no cabe duda que es que es muy bueno. El comic es ante todo narrativa visual y tener a un fuera de serie como él en esta serie es un lujo que no acabaremos de apreciar hasta que tenga que tomarse un respiro y venga un sustituto que por lógica va a ser inferior. Leo muchas reseñas de medios profesionales centrados en valorar y analizar la historia que pasan de puntillas sobre el dibujo del comic, un error garrafal en mi opinión. Hay tantos dibujantes montoneros en el mundo del comic mainstream que cuentan la historia de forma correcta pero sin personalidad, o que directamente molestan e incomodan la lectura que no apreciamos como se merece cuando un dibujante se sale.
Por lo visto en la web de Panini, los números 6 y 7 siguen dibujados por Hitch, lo cual es una gozada y algo bastante complicado de ver en los comics mainstream. Que Hitch pudiera dibujar el primer año de Veneno sería una gozada total, aunque supongo que habrá que ir mes a mes.
Veneno con Ram V, Al Ewing, Bryan Hitch y los demás se mantiene con una estupenda calidad en una etapa que creo que va a darnos muchas alegrías en los próximos meses.
PUNTUACIÓN: 8/10
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¡Saludos a todos!
Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
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