Crítica de Batman – Gotham Noir de Ed Brubaker y Sean Phillips (DC Comics – ECC Ediciones)

Termino mis serie de reseñas a los comics de Ed Brubaker y Sean Phillips con mi revisión del especial Elseworlds de DC Comics Batman – Gotham noir publicado en 2001 y que es de hecho la primera colaboración de la pareja como guionista y dibujante.

PUNTUACIÓN: 5,5/10

Gotham City, 1949. James Gordon es un detective privado alcohólico, venido a menos y con serios problemas familiares. Su vida es un desastre, pero aún puede empeorar, porque está a punto de convertirse en el principal sospechoso del asesinato de una mujer que él debía proteger. Solo Batman y su propia pericia pueden sacarle de este embrollo. Desgraciadamente, es posible que el primero sea una alucinación y la segunda… ¿cuánto hace que la perdió? Batman: Gotham Noir incluye el fabuloso relato imaginario de Ed Brubaker y Sean Phillips (Gotham Central)

La primera colaboración de Brubaker y Phillips fue en La escena del crimen de 1999, aunque Phillips no dibujaba, sino que entintaba a Michael Lark. La miniserie de Vertigo fue nominada a los Eisner de 2000 dentro de la categoría de “Mejor miniserie”, y fue un elemento fundamental para que DC ofreciera a Brubaker en 2000 un contrato como escritor en exclusiva para ellos y entró en la franquicia de Batman, sonde escribió una buena etapa entre 2000 y 2003. En 2001 redefinió a Catwoman junto a Darwyn Cooke, manteniéndose como guionista de su serie más de tres años, hasta 2004. Y en 2003 creó junto a Greg Rucka y el dibujante Michael Lark una de los mejores comics de DC del siglo XXI: Gotham Central, el maravilloso comic centrado en mostrar el punto de vista de los policía de calle de Gotham, enfrentados a amenazas super poderosas. Como véis, todo comics de la máxima calidad.

Estos años tan prolíficos de Brubaker dentro de la Bat-familia son los que le permitieron a Brubaker lanzar una idea para un especial Elseworlds ambientado en una Gotham de 1949 que le permitiera explotar la vena noir que tan de su agrado era y que no conseguía explotar del todo en la serie regular de Batman.

Tras La escena del crimen, el británico Sean Phillips pasó de Vertigo a Wildstorm dibujando principalmente la etapa de Joe Casey en Wild C.A.T.s. Supongo que Brubaker y Phillips debieron conectar mientras realizaban la miniserie de Vertigo, porque Phillips parece el dibujante perfecto para este proyecto noir de Brubaker, casi como si lo hubiera escrito pensando en él. Y ambos debieron quedar muy satisfechos de esta colaboración, ya que pocos meses después repitieron en Sleeper (2003). Y el resto, es historia.

Entrando en la valoración del comic, debo señalar que quizá el principal interés del comic sea no tanto la historia en si sino lo que supuso para ambos autores, que empezaron una colaboración que dura ya 20 años. Porque si bien el comic es correcto, se queda muy por debajo de otras obras de la pareja.

Y quizá el principal problema empiece en la portada, al colocar un BATMAN en portada que no reflejaba lo que era el comic en realidad, una historia de un James Gordon convertido en un detective privado alcohólico venido a menos y con serios problemas familiares. Aprovechando algunos de los mitos de Batman introducidos en una ambientación noir de 1949, la historia navega en aguas revueltas intentando ofrecer un feeling familiar con dichos personajes y una historia que precisamente rompe con esos conceptos predefinidos. Y en mi opinión, a pesar de tener una premisa interesante con muchas posibilidades, Brubaker no acaba de dar con la tecla correcta y la historia queda a medio camino de todo. De hecho, en mi opinión, es una de las obras menos acertadas de Brubaker.

A pesar de intentar alejarse del standard comiquero, la historia por otro lado no podría ser más tópica dentro del género negro: el detective alcoholizado con problemas, la ciudad corrupta dominada por criminales, la guapa mujer que pagará el precio y un encargo que le viene grande al protagonista. En muchos aspectos leyendo este Elseworlds tenía la no demasiado agradable sensación que esto ya lo había leído. O peor, que Brubaker nos estaba colando todos los estereotipos del género.

En este sentido, quizá el hallazgo más interesante de su historia es que Gordon volviera de la 2ª Guerra Mundial traumatizado por el horror de la guerra, donde además conoció al joven pacifista Bruce Wayne. Frente a la imagen heroica que los Estados Unidos quiso transmitir de la guerra, algo que de hecho no cambió hasta Vietnam, Brubaker añade este detalle que posiblemente viniera de las historias que su padre militar o su abuelo escritor debieron contarle cuando era niño.

El apartado artístico no es el problema del comic, más bien al contrario. Phillips realiza un buen trabajo en este Elseworlds acompañado con el maestro Dave Stewart en los colores, que consigue transmitir el perfecto tono noir de callejones oscuros y noches lluviosas que la historia y el género demandaban.

El dibujo se luce a la hora de recrear esta época post 2ª Guerra Mundial alejada de las luces y la esperanza, con un vestuario y una ambientación perfectas. El Phillips de este comic me parece que hace además una buena caracterización de los personajes que hace que recuerdes a sus contrapartidas de la Bat-familia, pero diría que crea unas viñetas quizá demasiado estáticas y faltas de dinamismo.

Batman – Gotham Noir es entretenida pero sin más. Interesará sobre todo a los fans completistas de Brubaker y Phillips, ya que por la propia historia, es difícil que consiga atraer a lectores habituales del Hombre Murciélago. En todo caso, sí es un interesante experimento dentro del género para afinar una fórmula que refinaron unos años más tarde en Sleeper y, sobre todo, en Criminal.

PUNTUACIÓN: 5,5/10

Espero vuestras opiniones en la zona de comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Black Summer temporada 2 (Netflix)

Black Summer fue una sorpresa en 2019 y un autentico soplo de aire fresco al género de zombies. Netflix acaba de estrenar su segunda temporada, que viene con una mejora exponencial en la narrativa, aunque también con algunos detalles menos buenos en lo relativo a la historia.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

El invierno llega con nuevos y sangrientos desafíos durante el apocalipsis zombi, mientras carroñeros frenéticos y milicias violentas luchan contra los muertos y los desesperados, en un mundo en el que parece imposible confiar en nadie.

Creada por Karl Schaefer y John Hyams, Black Summer está ambientada en el mismo mundo de Z Nation. Esta segunda temporada vuelve a tener 8 episodios de entre 33 y 59 minutos de duración, que los he devorado en dos días, flipándome en muchos momentos y dejándome con cara de WTF?! en otros.

En esta segunda temporada volvemos a tener a algunos de los protagonistas de la primera temporada, empezando con Jaime King como Rose, una madre que al final de la primera temporada consiguió reunirse con su hija Anna (Zoe Marlett), y que hará cualquier cosa para protegerla. También vuelve Justin Chu Cary como Julius James, un criminal que tomó la identidad de «Spears», el nombre del soldado que mató, y Christine Lee como Ooh «Sun» Kyungsun, una mujer norcoreana que intenta sobrevivir aunque nadie la entiende ya que no habla casi inglés.

El mundo de Black Summer ha tomado de The Walking Dead la idea que los humanos estamos todos contagiados del virus zombie, de forma que al morir nos convertimos, no sólo al ser mordido por un zombie. La transformación además es casi automática, y te conviertes en un zombie corredor que ataca inmediatamente. Estas son las reglas, y a pesar que puedan chocar a algún espectador, quedaron ya establecidas desde la primera temporada y en ese sentido no hay cambio y todo cuadra.

Narrativamente, esta segunda temporada de Black Summer me ha flipado. La estructura de los episodios divididos a su vez en capítulos diferenciados para ver lo que les sucede a los diferentes personajes se convierte sobre todo al principio en un Memento en el que la acción comienza a tope sin el menor contexto sobre lo que está pasando, para luego ir hacia atrás en el tiempo para ver cómo llegaron los diferentes personajes hasta ese momento y ese lugar concreto. Como digo, sólo por este aspecto, Black Summer merece ser vista.

De la primera temporada, uno de los episodios más recordados fue el sexto «El golpe», en los que veíamos a los protagonistas realizar un robo y veíamos la acción desde puntos de vista diferentes, volviendo atrás en el tiempo para ver lo que había hecho cada personaje tras separarse. Esta narrativa se ve también mejorada y perfeccionada en la segunda temporada, y hay algunos episodios super chulos que los he disfrutado muchísimo.

Otro de los elementos destacables de Black Summer es que los personajes son unos auténticos hijos de p&%$ que se comportan de las peores formas posibles en la mayoría de los casos. En especial el personaje de Rose se lleva la palma y lleva su deseo de proteger a su hija hasta niveles psicóticos en los que no duda en matar o abandonar a quien sea con tal de salir ellas con vida. Rose nos muestra la peor cara del apocalipsis zombies, porque una cosa es matar o morir y otra matar preventivamente por si acaso, lo que la convierte en la «villana» asquerosa de la serie, en contraste con la madre asustada que era al principio. Esto se une a unos grupos de carroñeros que también son capaces de llevarse por delante a quien sea con tal de sobrevivir.

La coreana Sun vuelva a ser uno de los pocos personajes decentes de la serie, que por otro lado muestra un punto de vista super nihilista de la humanidad, al mostrar como algunas muestras de decencia de algunos personajes acaban costándoles la vida al ser traicionados más adelante por esas mismas personas. Hay un hilo conductor en la serie y es que hay un avión que lanza provisiones desde el aire y supuestamente aterriza en un aeropuerto al que hay que llegar para ser rescatados y llevados a un lugar seguro. Llegar hasta ese aeropuerto se convierte en una carrera contra el reloj y contra las diferentes facciones que también están buscando llegar hasta allí y escapar.

En general este segunda temporada da sensación de haber contado de más medios para su rodaje, o al menos los profesionales han usado la experiencia de la primera temporada para refinar muchos elementos, en especial las carreras y persecuciones de los zombies, con algunas escenas con larguísimos planos secuencia espectaculares. Además, los paisajes nevados se convierten en una amenaza más, con un frío y una nieve que son tan peligrosos o más que los zombies.

Como comentaba, narrativamente Black Summer me ha parecido una pasada y creo que la serie merece ser vista por todos los fans del género zombie. Sin embargo, también debo reconocer que sobre todo al final hubieron algunas chorradas del guión que llegaron incluso a fastidiarme en algunos momento. En especial el hecho que tras haber pasado meses del estallido zombie y con una carestía de comida y medios, los personajes que han sobrevivido hasta este momento, que se les supone veteranos curtidos siguen malgastando balas disparando a lo loco al pecho, cuando saben que lo único que vale para matar a los zombies es un tiro a la cabeza. Que esto pase, incluso entendiendo que los personajes están nerviosos, me tocaba la moral cada vez que pasaba en pantalla. Y en los últimos episodios, pasa un montón.

A esto se añade la casualidad de encontrarse dos grupos enfrentados casualmente en el mismo sitio al mismo tiempo, lo que provoca unas escenas super chulas en lo visual, pero algo tontas y absurdas cuando piensas un poco en lo que acaba de pasar. Reconozco que parte de la gracia de Black Summer es precisamente ver estas escenas, pero el guión podría haber pensado una solución mejor para que el momento sucediera igual sin tener que pasar por una tontería previa.

Estos detalles menos buenos no evitan que la sensación global de esta serie haya sido positiva y, como comentaba antes, sin os gusta el género de zombie, sólo por la narrativa merezca que la veáis.

Comparto el trailer de esta segunda temporada:

Black Summer ha sido todo un éxito en esta segunda temporada, a pesar de los detalles tontos del guión que he comentado antes. En todo caso, creo que es una serie imprescindible para todos los fans del género de zombies.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Espero vuestros comentarios. Y si gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de The Damned vol. 3: Hijos pródigos, de Cullen Bunn y Brian Hurtt

Cullen Bunn y Brian Hurtt, el equipo creativo de the Sixth Gun, retornan al mundo de The Damned en este tercer volumen “Hijos pródigos”, con una aventura entre dos mundos que nos recuerda porqué nos enganchamos a este comic sobrenatural editado por Oni Press.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

THE DAMNED: PRODIGAL SONS, es el tercer volumen de la serie favorita de los fans del equipo creativo nominado de THE SIXTH GUN que no querrás perderte. Años de jugar en todos los lados en un mundo de crimen y violencia de la era de la Prohibición encabezado por familias criminales demoníacas, el desafortunado regalo de Eddie de nunca permanecer muerto puede haber llegado a su límite. Mientras busca a su madre en el más allá, el hermano maldito de Eddie, Morgan, ha tratado de mantenerlos a ambos fuera del alcance de aquellos que están decididos a asegurarse de que Eddie permanezca muerto esta vez.

The Damned: Critical Sons salió en febrero de 2019 en Estados Unidos. Este tomo de 136 páginas recopila las 4 últimas grapas de la serie publicada por Oni Press, y es de momento el último volumen publicado, aunque Cullen Bunn ha expresado en varias ocasiones su deseo a que ñel y Brian Hurtt puedan retomar la serie en algún momento en los próximos meses, ya que tenía un montón de ideas para Eddie, el protagonista, y su mundo inspirado en los años de la Depresión con un toque sobrenatural.

Reconozco que el segundo volumen de The Damned no me convenció igual que su primera historia. Sin embargo, me alegra decir que Cullen Bunn, Brian Hurtt y Bill Crabtree en los colores recuperan el pulso en esta tercera aventura. Si en el segundo volumen Eddie, el protagonista que puede volver de la muerte, no me acabó de anganchar al plantear la historia para que viéramos su amoralidad y egoismo, en ese sentido la presentación de su hermano Morgan en esta historia creo que va a dar mucho juego a la historia. Y aunque estamos ante una historia ligera centrada en varias persecuciones en el mundo real, la historia de cómo Eddie intenta salvar a su madre en el otro lado ofrece varios momentos estupendos y una sorpresa que va a tener profundas implicaciones en la serie, si es que pueden continuarla en el futuro. Porque queda claro que Bun ha preparado un mundo complejo con vistas a un desarrollo similar al que vimos con The Sixth Gun, con 6-8 volúmenes (o más) que ofrezcan historias autoconclusivas que amplíen el universo de los protagonistas.

Brian Hurtt es un narrador perfecto que todo lo que pasa en la página se cuente de la forma más clara para el espectador. Consiguiendo una fluidez entre viñetas super chula. Junto a los colores de Bill Crabtree, me gusta también la forma en que nos muestran el otro lado, y como queda clara su diferencia respecto al mundo real. Como en los comics previos, su recreación histórica me paree chulísima, aún reconociendo que los demonios y monstruos varios que pueblan estas páginas no consiguen (ni lo pretenden) aterrorizar mientras leía este comic.

The Damned me parece un comic estupendo que nos ofrece el toque justo de noir, aventuras sobrenaturales y thriller ambientado en la época de la Depresión. Sinceramente pienso que necesitamos más comics como éste que planteen ideas novedosas que no parecen ideas trilladas que ya hemos visto decenas de veces, sacándonos de nuestra zona de confort. De hecho, el único pero que le encuentro a este comic es que las ventas no hayan funcionado como creo que se merecen los autores, por lo que la serie ha quedado parada esperando tiempos mejores para los comics con ideas originales.

Comparto las primera páginas de este tercer volumen de The Damned:

Me declaro super fan de Cullen Bunn, Brian Hurtt y Bill Crabtree. Ojalá haya un poco de suerte y podamos disfrutar pronto de una nueva historia de The Damned, un comic que me parece modélico.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Espero vuestros comentarios. Y si gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Luca de Enrico Casarosa (Disney+)

Pixar ha estrenado en Disney+ Luca, su última película dirigida por Enrico Casarosa, que es un maravilloso cuento sobre la amistad y sobre no tener miedo a vivir aventuras en medio de una Italia idealizada. El último triunfo de Pixar.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

La historia se desarrolla en un hermoso pueblo al lado del mar en la Riviera Italiana. Es la del crecimiento de un niño que experimenta un verano inolvidable con helado, pasta e interminables viajes en scooter. Luca comparte estas aventuras con su nuevo mejor amigo, pero toda la diversión se ve amenazada por un gran secreto: es un monstruo marino de otro mundo ubicado justo debajo de la superficie del agua.

Enrico Casarosa (Génova,1971) es un artista de storyboard y director de animación italiano que trabaja en Pixar. en 2011, fue director de storyboard en la película The Good Dinosaur. En 2012 fue nominado al Óscar en la categoría de mejor corto animado por La Luna. Casarosa añadió detalles de su infancia en Italia antes de mudarse a Estados Unidos en la historia que ayudan a transmitir la sensación de recuerdos de infancia vistos por nuestros yo adultos.

Con música de Dan Romer, fotografía de David Juan Bianchi y Kim White y escrita por Jesse Andrews y Mike Jones, LUCA es un viaje a una Riviera italiana idealizada de los años 50 y 60, el lugar donde vivir aventuras de verano de las que marcan toda una vida y crean amigos que son para siempre.

Luca Paguro es un ser acuático que vive bajo las aguas de la localidad italiana de Portorosso y cuya familia le ha enseñado a no alejarse por miedo a los monstruos de la superficie. Tras conocer casualmente a su nuevo amigo Alberto Scorfano, otro niño monstruo que vive solo, descubrirá que tiene la habilidad de cambiar a forma humana cuando sale del agua, y empezarán una aventura para descubrir el nuevo mundo gracias a Giulia Marcovaldo, una niña hija del pescadero local que está en el pueblo pasando las vacaciones de verano.

Aparte de la ascendencia italiana de Casarosa, Pixar envió a varios animadores a la Riviera Italiana para inspirarse de los paisajes y la cultura italiana, lo que unido a la perfecta animación de Pixar convierten a Luca en el mejor reclamo publicitario que la costa italiana podría haber recibido jamás. Si Coco fue el homenaje de Pixar a México y su cultura, no hay duda que Luca hace algo parecido con Italia, con su pasta, sus helados, sus scooters y la vida en los pequeños y bucólicos pueblos costeros. Todo en la película transmite el amor por esos elementos de un pasado probablemente idealizado.

Para el diseño de los personajes y el estilo de la animación, encuentro que hay una inspiración muy clara de Miyazaki desde el primer al último fotograma, combinado con la perfección de la animación de Pixar. Casarosa también comenta que el cine clásico italiano también sirvió de inspiracion a la hora de afrontar los momentos costumbristas en el pueblo de Portorosso.

Luca me ha encantado. Me ha parecido una maravilla, para qué haceros esperar. Dentro que es un típico canto a la tolerancia y el respeto por el diferente, está planteado en modo cuento para todas las edades y apela a nuestra infancia y las aventuras que viviamos de niños en los viajes estivales al pueblo de nuestros abuelos, y como esas vivencias nos marcaron. Que sea Luca nuestros ojos en la historia apela de forma maravillosa al sense-of-wonder que los niños sienten (sentimos) al descubrir cosas nuevas o vivir una aventura por primera vez, y en ese sentido han conseguido llegarme de forma increíble. El diseño de los tres protagonistas Luca, Alberto y Giulia me ha gustado muchísimo y también ver que los tres tienen problemas y traumas personales a los que tendrán que enfrentarse, eso si, siempre de forma ligera en modo Pixar para todas las edades,

Y dentro que es una historia para todas las edades que tampoco plantea dramas existenciales, sí me gusta mucho recordar que cuando éramos niños, una carrera en bicicleta o los problemas con el «niño malo» del apartamento sí eran asuntos casi de vida o muerte durante el verano. Puede que la historia sea ligera, es cierto, pero la película es tan entretenida, los personajes tienen tanto corazón y apelan a tantas cosas de mi niñez, que me ha ganado completamente y creo que estamos ante un triunfo total.

Hace años estuvimos de vacaciones por Italia y estuvimos por la Riviera italiana y los pueblos costeros de les Cinque Terres. El pueblo de Portorosso me ha recordado precisamente eso y me devuelto a ese momento feliz de mi vida. La animación de Pixar es una maravilla que casi transporta hasta el olor de la pasta recién hecha, mostrando este pedazo idealizado de la historia italiana de forma modélica y maravillosa. Las figuras cuentan con un diseño cartoon, pero la perfección de los fondos, los edificios y el mar, me parece alucinante. Como es normal por otra parte, teniendo en cuenta que Pixar es mucho Pixar.

Pixar de nuevo ha creado una historia que gustará a niños de todas las edades y a los adultos que tengan un poco de corazón. Me parece el nuevo clásico del estudio de animación y una película que sin duda volveremos a ver muy pronto, porque nos ha encantado a toda la familia. Y eso porque sumado a todo lo anterior tenemos un final perfecto lleno de emoción inesperada que consiguió sacarme una lágrima y que me pareció maravilloso.

Por cierto, que como el caso es quejarse, con el estreno de Soul hubieron muchas quejas sobre que Pixar ya no hace cine para niños. Ahora con Luca, hubo gente que se queja que es «una película infantil». No cabe duda que cuando alguien hace las cosas bien, siempre habrá gente que se quejará aunque no existan motivos reales para ello solo por hacerse el interesante. En cierto sentido, eso indicaría que Pixar está haciendo las cosas bien. En mi caso, puesto en perspectiva, Soul me gustó mucho en su día pero no me dejó con ganas de volverla a ver. Sin embargo, sé seguro que volveré a ver Luca, al igual que me ha pasado con Onward.

El único pero de Luca viene por la decisión de Disney de no estrenarla en cines y pasarla directamente a Disney+. Si, la vi muy a gusto en mi casa y seguro la volveremos a ver durante el verano, pero la esplendorosa animación de Luca hubiera merecido verse en pantalla grande. Esperemos que ahora que el COVID parece cosa del pasado gracias a la vacunación masiva, volvamos a la normalidad y podamos disfrutar de la próxima película de Pixar en pantalla grande.

Comparto el trailer de la película:

Luca es el último triunfo de Pixar, una película para toda la familia que va a ser seguro una de las películas de este verano.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Espero vuestros comentarios. Y si gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Sweet Tooth temporada 1 (Netflix)

¡Netflix ha estrenado una serie basada en un comic que está bien!!! Sweet tooth, la adaptación del comic de Jeff Lemire desarrollada por Jim Mickle ha resultado ser un estupendo entretenimiento lleno de humanidad.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Un cataclismo ha devastado el mundo. Gus, mitad chico y mitad ciervo, se une a una variopinta familia de niños híbridos como él para buscar respuestas a lo ocurrido.

Jeff Lemire creó Sweet Tooth dentro del sello Vertigo de DC Comics. Lemire dibujó y guionizó todos los ejemplares de esta serie, que fue publicada entre 2009 y 2013, con 40 números de duración. En 2020, Lemire ha empezado la publicación de una continuación titulada The Return ambientada muchos años en el futuro. Sweet Tooth fue una de sus primeras obras de creación propia que creada en la época de Essex County, y previa a muchas de sus obras posteriores con las que ha llegado a super conocido dentro del ámbito independiente: Trillium, Black Hammer, Un tipo duro, Descender o Gideon Falls entre otros.

Jim Mickle (nacido en 1979) es un director y escritor estadounidense, conocido por películas como Mulberry Street, Stake Land, We Are What We Are y Cold in July. También co-desarrolló la estupenda serie de SundanceTV Hap and Leonard, basada en las novelas de Joe R. Lansdale.

Mickle es el creador de la serie y escribe los guiones junto a Beth Schwartz y Christina Ham. Además, ha dirigido 5 de los 8 episodios de los que se compone esta primera temporada. La fotografía corre a cargo de Aaron Morton con Jeff Grace y Russell Pollack creando la música de la serie. La serie ha sido producida por Warner a través de su DC Universe, y cuenta también con Robert Downey Jr como productor a través de su productora Team Downey. Aunque inicialmente la serie iba a ser emitida por HULU en USA, finalmente llegaron un acuerdo con Netflix para su distribución a nivel mundial.

En el reparto encontramos a Christian Convery como Gus, el niño de 10 años protagonista, mitad humano y mitad ciervo, ingenuo e inocente que quiere encontrar a su madre. Nonso Anozie es Tommy Jepperd, un viajero de pocas palabras que salva a Gus de los cazadores furtivos y lo acompaña a regañadientes en su viaje para encontrar a su madre.

Adeel Akhtar es el Dr. Aditya Singh, un médico que está desesperado por encontrar la cura para el virus H5G9, con el fin de curar a su esposa infectada, Rani (Aliza Vellani) Stefania LaVie Owen es Bear, la líder y fundadora del Animal Army que salva híbridos. Dania Ramirez es Aimee Eden, una ex terapeuta que crea un refugio seguro para los híbridos llamado Preserve. Por último, Will Forte es el padre de Gus, que lo crió en una cabaña apartada en el Parque Nacional de Yellowstone para protegerlo del mundo exterior del odio hacia los híbridos.

Frente a los últimas decepciones de series de Netflix basadas en comics como Jupiter´s Legacy, Sweet Tooth me ha enamorado por la humanidad que GUS, el niño protagonista, transmite. La historia de Gus está muy chula, y una parte fundamental de la serie es la forma en que va enseñando lo que pasó en el pasado y como la aparición del virus cambió la vida en Tierra, no sólo por su alta mortalidad, sino porque a partir de ese día todos los niños nacidos han sido híbridos. Y de ellos, aparentemente el primero de todos fue Gus, lo que podría indicar que en su ADN podría estar la clave de todo.

La aventura de Gus en el presente está llena de ternura, al tener a Gus en el centro de todo, lo que contrasta con el duro mundo existente a su alrededor. Y junto a esto, tenemos unas sorpresas y unos giros sobre la historia de Gus que están muy bien construidos y sobre todo el momento clave de esta primera temporada me impactó. Reconozco que no he leído el comic original de Lemire, así que no puedo comparar y ver si la serie es fiel o no, entendiendo que seguro se han tomado licencias. En todo caso, el objetivo de intrigar y entretener al espectador lo han conseguido de sobra.

Sweet tooth ha sido rodada en Nueva Zelanda, y el hecho de estar muchísimo metraje rodado en exteriores me parece otro hallazgo visual muy chulo y un detalle adicional para ver esta serie. No tengo el dato del presupuesto que han tenido para rodar esta primera temporada, pero la verdad es que todo luce genial y no parece barata en ningún momento. Más bien al contrario, la creación de este mundo postapocalíptico en el que la Naturaleza se está abriendo camino en espacios antaño ocupados por ciudades me parece que están de maravilla.

Hay un elemento menos bueno en esta primera temporada, y es todo lo relativo al arco del Doctor Singh. Como es la moda en tantas series actuales, Sweet Tooth tiene varias historias que van alternando hasta llegar al momento en que los personajes se encuentren: la principal de Gus cuando sale al mundo real buscando a su madre, viviendo aventuras y conociendo a gente por el camino, y dos secundarias con las historias del Doctor por un lado y de Amy, la psicóloga transformada en salvadora de híbridos, por otro. Y todas ellas, la verdad es que el doctor Singh me ha parecido que es el que menos aporta y menos interesante me resulta. Aunque en general, ambos arcos argumentales quedan muy por debajo en todos los sentidos comparadas con la humanidad de Gus.

Me alegra decir que el final de esta primera temporada me parece un buen final que cierra un capítulo y abre la siguiente fase de la historia, dejándome con ganas de más. De hecho, no tengo duda que veré la segunda y espero última temporada, que cierre de forma satisfactoria la historia de Gus. Visto lo visto, esto ya es en si mismo un gran éxito para Netflix. Ojalá confirmen la continuación y en este caso si podamos ver el final de la historia, porque si no estoy equivocado Netflix aún no confirmó que dió luz verde a esta serie.

Comparto el trailer de esta serie:

¡Por fin una serie de Netflix basada en un comic me ha gustado! Buff, con la racha que llevábamos, que alegría me da poder recomendar esta serie.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Espero vuestros comentarios. Y si gustó este artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales, y que te suscribas al blog para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros