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Crítica de Nightwing 93 de Tom Taylor y Bruno Redondo (DC Comics)

Tom Taylor, Bruno Redondo, Wade Von Grawbadger y Adriano Lucas nos ofrecen otro estupendo número de Nightwing.

PUNTUACIÓN: 8/10

La batalla por el corazón de Blüdhaven, parte 2.

Tras descubrir que Blockbuster no es quien dice ser -de hecho, es mucho peor-, Nightwing, Babs y la alcaldesa de Blüdhaven, Melinda Zucco, luchan por exponer las malas prácticas de Blockbuster. Con Blockbuster controlando más de lo que Nightwing creía posible, ¿podrá Dick Grayson ayudar a detenerlo antes de que las cosas vayan demasiado lejos?

Nightwing continúa su buen hacer con otro número super entretenido centrado en un Dick Grayson dispuesto a sacar a la luz la corrupción que invade la ciudad de Blüdhaven. El comic tiene un carisma y un positivismo contagioso que te hace querer seguir junto a Dick y Barbara durante mucho tiempo. Por el lado de los villanos, el encuentro de Blockbuster con Heartless queda un poco como un coitus interruptus, y la sensación que me da es que Taylor está planteando todo para un gran climax en el número 100, del que nos separan apenas siete números.

Por cierto, una cosa que llevo varios meses queriendo comentar es que me parecen curiosísimos los textos genéricos de las solicitaciones de DC, como el que podéis leer arriba para vender este número, que realmente no se corresponde con el contenido de lo que leemos en estas páginas. ¿Estamos ante una mala comunicación entre departamentos dentro del staff de DC? Como digo, me parece incomprensible, incluso si el objetivo es no spoilear elementos claves del comic. Porque cualquier lector de la serie sabe tras leer el número anterior que Blockbuster y Heartless iban a enfrentarse en esta grapa, ¿por qué no anunciarlo a bombo y platillo cuando es lo principal de esta grapa? Pero bueno, si no conecto con DC desde hace años me voy a venir a quejar de su marketing…

Wade Von Grawbadger ayuda a Bruno Redondo con las tintas de este número en las páginas 14 a 20 en un número que se siente de transición y no tiene tantos momentazos visuales como en meses anteriores, aunque hay que reconocer que la colección nos había dejado muy arriba y era un nivel imposible de mantener durante tanto tiempo. En todo caso, como siempre Redondo con color de Adriano Lucas hace que la lectura del comic sea un placer, destacando por una maravillosa narrativa y unos personajes que son todo corazón.

La lectura mensual de Nightwing sigue siendo uno de los placeres comiqueros más satisfactorios de la actualidad.

Comparto las primeras páginas del comic.

Nightwing continúa su buen hacer con otro número estupendo que me vuelve a dejar con ganas de más. ¡Qué chulo es poder disfrutar de las aventuras de Dick Grayson gracias a Taylos, Redondo y Lucas!

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Carter de Jung Byung-gil (Netflix)

Una de las cosas buenas que nos ha traído el streaming es poder ver propuestas bizarras jamás hubieran llegado a los cines por los canales tradicionales. Es el caso de Carter, película de acción coreana dirigida por Jung Byung-gil que se ha estrenado recientemente en Netflix, que incluso siendo fallida me ha dado cosas interesantes.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

Un hombre se despierta sin recordar nada. Guiado por la misteriosa voz del dispositivo en su oído, emprende una misión plagada de peligros para rescatar a una rehén.

Jung Byung-gil es un director y guionista coreano. Antes de Carter había dirigido Action Boys (2008), Confession of murder (2112) y La villana (2017). Jung Byung-gil escribe el guión de este película junto a Byeong-sik Jung. La película de 132 larguísimos minutos de duración está protagonizada por Joo Won en el papel principal y Lee Sung-jae, Jeong So-ri y Kim Bo-min.

Incluso considerando que Carter es una película fallida, nos ha dado algunos momentos geniales con unas escenas de acción diferentes a todo lo que he visto. De alguna manera, Carter se siente en muchos momentos como si estuviéramos viendo un videojuego, con unos movimientos de cámara loquísimos que nos muestra al personaje en medio de la acción desde todos los puntos de vista imaginables. Aparte de numerosísimos efectos digitales, entiendo que el uso de drones ha sido clave para el rodaje de algunas escenas clave de la película.

Esta sensibilidad de video-juego la verdad es que se nota también con unos efectos que sobre todo en el segunda mitad son super cantosos y dan un poco de pena. Me quejaba de Ms. Marvel, pero aquí hay muchos planos sencillamente ridículos. Y dicho esto, la falta de pretensiones y casi hasta de vergüenza a la hora de no importarle que se noten los efectos con tal de mostrar el plano super imposible en la escena de acción creo que en este caso hay que valorarlo positivamente, la verdad.

Lo malo es que Carter acaba siendo super excesiva con sus más de dos horas de duración, hasta niveles de provocar agotamiento en el espectador. A esto hay que sumarle que la historia es una ridiculez que te dice una cosa y la contraria, con una sensibilidad 100% coreana que bajo el prisma europeo hace que casi todo lo que vemos parezca una patochada ridícula. El protagonista Joo Won lo da todo en las escenas de acción, pero acaba no siendo suficiente dado que Carter no se siente una persona real sino un personaje de video juego, lo que hace que la empatía sea imposible.

Carter nos ha servido para hacer unas risas al verla en casa, con unos momentos de humor involuntario que a mi me valen, y una primera mitad que si me gustó y me sorprendió. No la hubiera vista en el cine, y de haberlo hecho posiblemente hubiera salido enfadado por pagar por ver esta bizarrada sin sentido, pero agradezco que gracias a Netflix podamos disfrutar en casa de una película tan diferente a todo lo que he visto este año.

Comparto el trailer de la película:

Carter es una película fallida que se me hizo eterna, pero también hay que reconocerle inventiva y ganas de hacer algo diferente, con una primera mitad super entretenida.

PUNTUACIÓN: 4.5/10

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Crítica de The Passageway de Jeff Lemire y Andrea Sorrentino (Image Comics)

Jeff Lemire y Andrea Sorrentino, con la colaboración del maestro del color Dave Stewart, forman una de las mejores parejas creativas del mundo del comic, con una sensibilidad perfecta para historias de terror. Descubrir que su siguiente obra era la novela gráfica original The Passageway, editada por Image Comics, que es además la primera obra dentro de un universo de historias de terror creado por Lemire y Sorrentino convierte a esta obra en compra obligada.

PUNTUACIÓN: 8/10

Del aclamado equipo creativo detrás de GIDEON FALLS y PRIMORDIAL llega el primer libro de un nuevo y ambicioso universo de terror compartido. Cuando un geólogo es enviado a un remoto faro para investigar fenómenos extraños, encuentra un pozo aparentemente interminable en las rocas. ¿Qué se esconde en su interior y cómo podrá escapar de su atracción?

The Passageway (El pasaje) es el primer libro del nuevo universo The Bone Orchard Mithos de LEMIRE & SORRENTINO, que contará con novelas gráficas autocontenidas y series limitadas sobre los horrores que acechan en el Huerto de Huesos, a la espera de ser descubiertos.

The passageway es una novela gráfica de 96 páginas, un formato que se confirma perfecto para que el equipo creativo desarrolle su historia creando un tempo pausado que le va de maravilla, creando una tensión que estallará con los shocks que Lemire plantea durante la narración. Lemire presenta a un protagonista acosado por un trauma del pasado, algo que conecta con los clichés del género de terror y que tengo que reconocer que en esta historia funciona a la perfección. La idea que junto al mundo normal existe otro terrorífico cuya influencia malsana está empezando a notarse en nuestra realidad es otra idea que ya vimos en Gideon Falls y que parece que Lemire quiere seguir explorando en las futuras historias ambientadas en este nuevo marco narrativo. Mientras la ejecución sea a este nivel, sobre todo gracias al dibujo, yo estaré encantado de leerlo.

Y es que el dibujo de Andrea Sorrentino con color de Dave Stewart están a otro nivel y son los que de verdad marcan la diferencia y elevan la experiencia de lectura de esta novela gráfica. Como siempre hay que destacar a un brillante Stewart que marca con el color el tono perfecto, perturbador y misterioso, para todo lo que sucede en esa pequeña isla aislada del mundo. Y junto a él, Sorrentino aprovecha el formato de la novela gráfica para deslumbrarnos con unas composiciones novedosas que ayudan a acrecentar la sensación de misterio malsano que se oculta en esas costas. Tanto la narrativa a lo largo de la novela gráfica como el uso de splash-pages me parece una pasada. Estamos ante uno de esos casos en los que sólo por el dibujo se justifica de sobra la compra de este comic. Novela gráfica. ya me entendéis.

The passageway es la primera obra ambientada en el mundo de The Bone Orchard Mithos, una suerte de presentación de un mundo perturbador que aún oculta muchos misterios y sorpresas y que de momento no dio ninguna respuesta. Y ese es quizá el problema de esta obra. Aunque la novela gráfica se plantea con principio y final para esta historia concreta, me dejó con la sensación que apenas hemos arañado en la superficie del misterio de este agujero y lo que yace debajo, de forma que lo leído no acaba de ser todo lo satisfactorio que me hubiera gustado. De hecho, en cierto sentido me recordó al prólogo de una película de terror en el que te introducen algo el pasado de que será la verdadera historia en el resto de la película en el presente. Un prólogo eso si de 90 páginas, todo hay que decirlo. En todo caso, como digo sólo por el apartado gráfico sin duda merece la pena leerse este comic, y me deja con ganas de leer nuevas obras del trio Lemire-Sorrentino-Stewart.

Comparto las primeras páginas de esta novela gráfica:

The Passageway me parece un estupendo ejemplo de historia atmosférica en la que el trio formado por Lemire + Sorrentino + Stewart se sienten más a gusto. Si te gustó Gideon Falls, esta nueva obra se convierte en lectura obligada.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de She-Hulk: Abogada Hulka episodio 1 (Disney+)

La maquinaria de Marvel / Disney no para y ya llegó She-Hulk: Abogada Hulka, la nueva serie de Disney+ con Tatiana Maslani de protagonista cuyo estupendo primer episodio se ha estrenado en Disney+.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Episodio 1. Una ira normal

Jennifer Walters es abogada, soltera y algo tímida pero muy profesional. Su vida parece la típica de una chica en la treintena… excepto si se enfada. Si Jennifer se altera, se convierte en She-Hulk, una superheroína de 2 metros de color verde y con una fuerza sobrehumana. Tan solo su primo, Bruce Banner alias Hulk, entiende su experiencia y la ayudará con sus transformaciones.

Hulka (She-Hulk) fue creada en 1980 por Stan Lee y John Buscema debido al éxito de la serie de televisión de finales de los años 70 de Bill Bixby y Lou Ferrigno y para asegurarse el copyright del personaje, ante la posibilidad que los productores de la serie de televisión pudieran intentar crear su propia versión femenina. Aunque inicialmente no pudo evitar tener una naturaleza derivativa, aparte de que lo principal fue un tema de copyrights y no tanto creativo, Hulka consiguió hacerse un hueco en el corazón de los fans gracias a su participación como miembro de Los Vengadores y Los 4 Fantásticos, además de sus numerosas series gracias a una personalidad arrolladora que no se sentía mal por poseer y controlar los poderes de Hulk. A pesar de esta popularidad, hay que reconocer que nunca ha conseguido tener una serie regular estable, cancelándose siempre antes de los 50 números.

Para la serie de televisión, Kevin Feige ha contratado como creadora de la serie a Jessica Gao (1984), guionista y productora de televisión que trabajó en la tercera temporada de Rick y Morty y escribió para Silicon Valley, Robot Chicken, The Mighty B!, Back at the Barnyard, Star Wars: Detours, y Kung Fu Panda: Legends of Awesomeness. Gao escribe este episodio piloto, que ha sido dirigido por Kat Coiro.

Frente a la duración de 6 episodios tan habitual en las series de Marvel, la serie de She-Hulk va a tener 9 episodios y está planteada como una comedia de acción centrada en el mundo de los abogados, y muestra que como siempre Marvel plantea elementos diferentes a todo lo visto hasta ahora. Este primer episodio tiene 37 minutos (32 sin los títulos de créditos finales), una duración más que correcta para una serie que se supone va a estar construida bajo el concepto de «el caso de la semana», lo cual también es una novedad respecto a las anteriores series de Marvel Studios.

Tatiana Maslani (Orphan Black), es la elegida para interpretar a Jennifer Walters, y por lo visto en este episodio piloto, ha clavado al personaje, mostrando a una mujer abogada segura de sí misma que no quiere que sus recién adquiridos poderes la impidan seguir con su vida en Los Ángeles y su profesión de abogada. Junto a Maslani, Mark Ruffalo participa en este piloto para mostrarnos el origen de Hulka, compartiendo una estupenda química con su prima en la ficción. Ginger Gonzaga como Nikki Ramos, mejor amiga de Jennifer y compañera de trabajo, Josh Segarra como Augustus «Pug» Pugliese, compañero de bufete de Jen y Nikki, y Jameela Jamil como Titania, la que se supone archivillana de la serie, o al menos una de tantas, completarían el reparto de este episodio.

Me ha gustado el primer episodio de She-Hulk: Abogada Hulka. Lo primero a destacar es que han planteado un origen dentro del MCU que no fuera una ridiculez como lamentablemente pasó en el comic de Lee y Buscema, en el que Bruce daba una transfusión de sangre a Jennifer para salvarla la vida sin caer que su sangre estaba contaminada con radiación gamma. El origen de Jennifer por accidente encaja bien con el universo Marvel cinematográfico, y promete que a Hulk / Bruce Banner le pueden quedar más aventuras que vivir en el espacio. ¿Tenemos aquí el argumento para un posible escena post-créditos final? Pero sobre todo permite que disfrutemos de un episodio centrado en conocer a Jennifer y entender las enormes diferencias con su primo, empezando por su control de los poderes y de la transformación, y sobre todo que no quiere renunciar a su vida y su profesión, lo cual es una gran diferencia respecto a Hulk. Tatiana Maslani realiza un estupendo trabajo en el episodio y consigue que conectemos con ella desde el principio, por lo que tengo claro que ver el resto de la serie va a ser un placer. Junto a esto, Mark Ruffalo está también estupendo como su primo Bruce. Su vis cómica es genial, sobre todo cuando va descubriendo que su prima controla mejor que él sus poderes, entre otras cosas por haber sufrido una dosis menor de radiación gamma. La química que ambos actores comparten en pantalla me ha vendido la serie de principio a fin. Por cierto, la serie incluye un diálogo interesante sobre que es el ADN único de Bruce y Jen lo que hace que la radiación gamma no les mate y puedan controlarlo, lo que diría que sirve para evitar que en futuro empiecen a haber Hulks de colores recordando la etapa de Jeph Loeb. Lo cual me parece una decisión más que correcta.

Hubieron un montón de críticas al CGI de la serie que se vió en el trailer, pero la verdad es que me ha gustado mucho este episodio en ese sentido. Aparte de la propia imposibilidad de que unas personas verdes de más de 2 metros existan en el mundo real, una vez aceptas la premisa y aceptas la suspensión de credulidad, la verdad es que tanto Smart Hulk (Bruce) como She-Hulk lucen geniales. De hecho, hay planos con ellos con sombras en su figura o a contraluz que no me cantaron en absoluto y me los creí en todo momento. No se si es un tema del piloto y luego los recursos serán menores, pero por lo visto hasta el momento no puedo estar más contento.

La serie está planteada como una comedia con toques de acción. Hulka en el comic se hizo super popular a finales de los años 80 gracias a la etapa de John Byrne, en la que Jen rompía la cuarta pared y se dirigía directamente a los lectores. Esta tradición se ha mantenido en la serie de televisión de forma muy acertada en este episodio, y espero que sea un elemento recurrente de la serie, no creo que se haya planteado para el piloto y luego vayan a pasarlo de largo en los siguientes. Aparte de esto, el humor de este piloto es moderadamente divertido, no se trata de humor de carcajadas, pero si te mantiene entretenido y con la sonrisa en el rostro gracias a unos buenos diálogos llenos de chispa que resaltan la inteligencia de Jennifer.

Recuerdo que Dan Slott vendió su etapa como «Allie McBeal con superhéroes». Digo esto porque dentro que esto es una serie Marvel y es humor es bastante blanco, la broma sobre la vida sexual de Steve Rogers me recordó que el target de la serie no es precisamente infantil / juvenil, sino más bien un «Young adults» en adelante, en especial el público femenino. Lo cual no es para mí nada malo, ojo. La calificación de +12 de la serie no es diferente a las del resto del MCU, pero en este caso les va a permitir un poco más manga ancha en este tipo de humor, que en todo caso no es el «caca-culo-pis» de Deadpool y yo lo agradezco.

En todo caso, como episodio piloto, el arranque de She-Hulk me ha parecido modélico. Realmente todo lo visto hasta el momento me parece correctísimo (aunque también es cierto que nada me ha enamorado especialmente). Buscando algo menos bueno que comentar, veo que han contado el origen pero casi nada de la vida de Jen en L.A., y el episodio en ese sentido ha sabido a poco. Creo que Marvel lo apostó todo al carisma de Maslani y Ruffalo para engancharnos, y les ha salido bien la jugada, sembrando el germen de la que puede ser una estupenda serie de televisión. A ver qué tal funcionan los próximos episodios.

Comparto el trailer de esta serie:

Buen arranque de She-Hulk: Abogada Hulka. Tengo ganas de ver cómo sigue la serie.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Bone Parish 3 de Cullen Bunn, Jonas Scharf y Alex Guimarães (Norma Editorial)

Termina Bone Parish en su tercer volumen obra de Cullen Bunn, Jonas Scharf y Alex Guimarães publicado por Norma Editorial, un final para esta familia criminal que ha creado un nuevo y peligroso tipo de droga a partir de las cenizas de los muertos.

PUNTUACIÓN: 7/10

LA CONCLUSIÓN AL TERRORÍFICO THRILLER DE CULLEN BUNN

Todos los subidones tienen su correspondiente bajón y la familia Winters va a tener un duro despertar. Hasta hace poco eran los innovadores y únicos traficantes de la nueva droga necromántica que triunfa en las calles de Nueva Orleans; ahora viven asediados por rivales que intentan quedarse con su mercado. Y aunque la familia ha sufrido ya graves bajas, se avecina algo más que la implacable luz del amanecer…

La aclamada serie de terror Bone Parish, del autor nominado al Eisner, Cullen Bunn (Harrow County, El hombre vacío) y el dibujante Jonas Scharf, concluye en este tercer volumen, donde los Winters ajustan cuentas personales y profesionales mientras intentan mantener su imperio familiar.

Cullen Bunn escribe novelas gráficas, cómics, relatos y novelas. Es el autor de The Sixth Gun, The Damned, Helheim y The Tooth, publicados por Oni Press; Harrow County, publicado por Dark Horse (y Norma Editorial en España); El hombre vacío, The Unsound y Bone Parish, publicados por Boom! Studios; Dark Ark, Unholy Grail y Brothers Dracul, publicados por AfterShock Comics; Regression y Cold Spots, publicados por Image Comics. También ha escrito en series como Asgardianos de la galaxia y varias de Masacre para Marvel Comics.

De niño, Jonas Scharf se enamoró de los cómics y el dibujo, y como se pasaba el día soñando despierto, decidió que un día sería dibujante de cómics. Tras cumplir con las obligaciones habituales y obtener un título universitario, decidió dejar de ser responsable y dedicarse a los cómics. En 2016, poco después de graduarse, recibió su primera oferta de trabajo y no ha dejado de dibujar desde entonces. Por ahora, se le conoce por su trabajo en Warlords of Appalachia, War for the Planet of the Apes y Mighty Morphin Power Rangers, publicados por Boom! Studios. También ha hecho ilustraciones para los proyectos de mecenazgo Blood and Gourd y House of Waxwork de Waxwork Comics.

Este tercer volumen de Bone Parish marca el final de los Winters, una familia criminal que ha descubierto una poderosa droga fabricada a partir de las cenizas de los difuntos. Al plantearse como una historia de malas personas haciendo cosas malas, flota en el ambiente una cierta sensación moralizante que resalte el viejo tópico «el crimen no compensa», al ponernos en el punto de salida del enfrentamiento final de la familia contra el cartel mexicano que busca apoderarse de esta droga.

Parte de lo bueno y lo no tan bueno de Bone Parish es que Cullen Bunn ha planteado su historia con principio y final en tan sólo 12 grapas, siendo este tercer volumen la recopilación de los números 9 a 12 USA. En lo positivo, Bunn muestra una enorme capacidad de síntesis al presentar a unos Winters llenos de problemas y traumas internos que se verán aumentados a medida que los problemas se acerquen. La familia, la culpa y la venganza son temas muy presentes en toda la serie, al igual que un montón de violencia explícita que plantea momentos potentes a lo largo de este volumen final.

Parte del éxito de Bone Parish está en el apartado artístico gracias al dibujo de Jonas Scharf y el color de Alex Guimarães. Scharf me parece un buen dibujante que ha hecho un gran trabajo con el diseño y la caracterización de los personajes, con una narrativa más que correcta que sabe sacar partido a los momentos gores y las altas dosis de violencia que ofrece la historia. El color de Alex Guimarães ayuda además a transmitir un feeling tétrico y sobrenatural que le va muy bien a la historia. En este caso, diría que una historia correcta de Bunn se ve mejorara por el apartado artístico, y no al revés como suele suceder cuando pruebas determinados comics indys.

Hablaba de lo bueno y lo malo del comic, y en ese sentido tengo que reconocer que el final me ha parecido razonablemente bien en lo referido a la acción, pero super abrupto en lo relativo a los finales de algunos miembros de los Winters. Además, dentro de los temas que comentaba antes que dotaban de profundidad a la historia, al final el guion pasa de puntillas por todos ellos, quedándose todo demasiado superficial. Está bien que un comic no se eternice y vaya al grano, pero en el caso de Bone Parish, me quedo con la sensación que me hubiera gustado que se desarrollaran algunas tramas, mientras que otros aspectos quedan super forzados.

Comparto páginas de este último volumen:

Bone Parish ha sido un buen comic, pero me da un poco de pena porque tenía los mimbres para ser uno notable. En todo caso, el factor entretenimiento está más que logrado, así que objetivo cumplido, no me arrepiento de la compra y la lectura.

PUNTUACIÓN: 7/10

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