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Crítica de Jonna and the Unpossible Monsters Vol. 1 de Chris y Laura Samnee, con Matthew Wilson (Oni Press)

El año nuevo me ha traído una pequeña maravilla con la lectura del primer volumen de Jonna and the Unpossible Monsters de Chris y Laura Samnee, con colores de Matthew Wilson, comic publicado por Oni Press.

PUNTUACIÓN: 8/10

Rainbow ha estado buscando a su hermana, Jonna, durante un año. La última vez que vio a Jonna fue también la primera vez que vio a uno de los monstruos que ahora deambulan por el planeta. Son criaturas grandes, feas y peligrosas que llevan a la humanidad al borde de la extinción. Aunque no hay muchas esperanzas de sobrevivir en la naturaleza, Rainbow sabe que su hermana está en alguna parte y hará cualquier cosa para encontrarla.

¡No te pierdas la nueva serie, completamente original y llena de acción, coescrita y dibujada por el ganador del premio Eisner, Chris Samnee! ¡Chris se une para su primer libro totalmente creación propia con la co-escritora Laura Samnee y su colaborador frecuente, el colorista Matthew Wilson! Jonna and the Unpossible Monsters es una aventura para todas las edades de las que se recuerdan toda la vida.

Chris Samnee es un dibujante galardonado con los premios Eisner y Harvey. Es sobre todo conocido por su trabajo en Daredevil, Black Widow y Thor: The Mighty Avenger en Marvel Comics. Vive en St. Louis, Missouri, con su esposa Laura y sus tres hijas. Junto a sus trabajo de encargo en Marvel, en los últimos tiempos estamos disfrutando del arte de Samnee en el comic Fire Power junto a Robert Kirkman, que está siendo publicada en el sello Skybound de Image Comics.

Jonna and the Unpossible Monsters está planteada como una serie de 12 números, de los cuales este primer volumen de 104 páginas editado por Oni Press en Estados Unidos recopila las cuatro primeras grapas. Sobre la creación de este comic, Chris Samnee comenta que aparte de crear un comic que pudieran leer sus hijas pequeñas y sus ganas de dibujar “monstruos, destrucción y todas esas cosas divertidas en un comic de creación propia”, también ha buscado junto a su mujer Laura, que ha colaborado en la historia y la creación de personajes, crear un comic que pueda ser leído y disfrutado por los padres. Samnee comenta que le encantan los comic e historias “all-ages”, y como familia ellos disfrutan mucho de las películas de Pixar o Studio Ghibli, siendo ese mismo tipo de público amplio el que tienen en mente para la creación de este comic.

Chris Samnee es uno de mis dibujantes favoritos de la actualidad. Su principal valor es su extraordinaria narrativa y en Jonna parece que plantea una master-class de como crear un comic maravilloso en el que las imágenes cuenten la historia y nos hagan amar a las dos protagonistas, Rainbow y Jonna, dos hermanas claramente opuestas en todo que son todo frescura y personalidad. El mundo de Rainbow y Jonna cuenta con una naturaleza desbordante que se convierte en otro protagonista del comic junto a unos kaijus gigantes que amenazan la supervivencia de la raza humana. Todo ello cuenta con el perfecto color de Matthew Wilson, que colabora para convertir este comic en una delicia.

Leí el comic antes de buscar entrevistas a Samnee sobre el comic, y debo decir que el objetivo que planteaba a la hora de crear una obra “all-ages” que apelara a lectores de todas las edades es un éxito total. Los monstruos coloridos y el optimismo de Jonna conecta con los más pequeños, pero el viaje de Rainbow para encontrar a su hermana perdida es un argumento con el que yo como padre conecté inmediatamente e hizo que me preocupara por los protagonistas.

Jonna and the Unpossible Monsters me ha parecido un comic estupendo super recomendable para todo tipo de lectores. Más claro no puedo ser. De hecho, si algún pero le pongo al comic sería que se lee de un tirón en muy poquito tiempo y que me dejó con muchísimas ganas de más.

Comparto las primeras páginas del comic:

Tras este primer volumen, tengo claro que voy a disfrutar mucho de este Jonna and the Unpossible Monsters y se va a convertir en uno de mis comics favoritos. Espero que no tarde mucho en salir el segundo volumen, ya le tengo ganas.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Cortar por la línea de puntos (Netflix)

La enorme variedad de Netflix a menudo nos regala sorpresas como Cortar por la línea de puntos, serie de animación italiana creada por el autor del comic original Zerocalcare que mezcla con habilidad la comedia y el drama.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Un dibujante de Roma con un armadillo por subconsciente, reflexiona sobre su trayectoria vital y un posible amor mientras viaja con un par de amigos.

Zerocalcare es el nombre artístico de Michele Rech (Cortona, 1983) un historietista italiano conectado con la escena hardcore punk italiana. En noviembre de 2011 puso en marcha un blog de historietas, zerocalcare.it, en el cual publicaría relatos breves con un trasfondo autobiográfico.​ A finales de 2019, las ventas de los libros en los que recopilaba las diferentes tiras cómicas e historias habían alcanzado unas ventas de un millón de ejemplares.

En 2020, Zerocalcare tuvo una gran visibilidad en Italia gracias a los cortos animados Rebibbia Quarantine emitidos en LA7 en el programa Propaganda Live durante el confinamiento debido a la pandemia de COVID-19 en Italia. A finales de 2020 anunció que había firmado con Netflix la realización de esta serie.

Cortar por la línea de puntos es una serie de seis episodios de entre 16 y 22 minutos de duración. Zerocalcare transmite muy bien las ansiedades de la juventud con un punto de vista pesimista de la vida, algo que conecta con muchas de las inquietudes sociales que surgieron a partir de la crisis financiera de 2008. Dentro de que el protagonista no es un dechado de virtudes, más bien al contrario ejemplifica muchos de los problemas de la generación ni-ni, Zerocalcare sabe combinar elementos humorísticos, ejemplificados por el armadillo que simboliza su consciencia, con otros dramáticos. Esto consigue que la historia no sea un pozo negro sin salida y facilita que el visionado funcione, en parte ayudado también por la corta duración de los episodios, que resalta el origen de las historias como tiras cómicas de corta duración.

Siendo muy diferente en todo, la serie me transmitía un cierto feeling a Trainspotting en lo relativo a un protagonista sin objetivos, aunque despojado de todos los elementos sexuales o relacionados con drogas polémicos al tratarse de una serie con calificación +12 dentro de Netflix, haciendo que esta serie pueda ser considerada bastante mainstream para todos los públicos. No he leído los comics originales, así que no se si eran igual o se ha suavizado algún elemento polémico, pero está claro que el target de la serie es más bien amplio, lo cual no me parece mal en absoluto.

Aparte de diferentes anécdotas de la vida del protagonista, hay durante la serie un argumento recurrente de un viaje que el protagonista tiene que hacer con sus amigos a un lugar indeterminado por motivos que no conocemos. Cuando descubrimos la razón del viaje, la serie adquiere unos tintes dramáticos y una profundidad que no tenía hasta ese momento, haciendo que una serie que me estaba gustando pero sin más, termine de la mejor manera posible.

Muchas veces me quejo del «montonerismo» de muchas de las propuestas de Netflix, pero sin duda hay que agradecer al canal de streaming que nos ofrezca contenidos variados como este Cortar por la línea de puntos, que no hubieramos visto de no ser por ellos. Cuanta más variedad haya a nuestra disposición, ganamos todos, así que hoy no puedo más que dar gracias a Netflix por apostar por series de animación como ésta.

Comparto el trailer de esta serie:

Me ha gustado Cortar por la línea de puntos, un tipo de animación para adultos que me hizo pensar sobre la vida y la forma como nos relacionamos en el mundo real con la gente a nuestro alrededor.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de El contador de cartas de Paul Schrader

A pesar de tener una larga filmografía como director, para mi Paul Schrader será siempre el guionista de Martin Scorsese en Taxi Driver y Toro Salvaje. Descubrir su nueva película El contador de cartas con Oscar Isaac me ha animado a verla.

PUNTUACIÓN: 7/10

William Tell (Oscar Isaac) es un exmilitar y jugador profesional de póker. Su meticulosa vida se trastoca cuando se le acerca Cirk, un joven que busca ayuda en Tell para ejecutar su plan de venganza contra un coronel militar.

Paul Joseph Schrader (Míchigan, 1946) es un guionista y director de cine estadounidense. En 1975 escribe junto a su hermano Leonard el guion de Yakuza, que posteriormente dirigiría Sydney Pollack con Robert Mitchum de protagonista. En 1976 escribiría el guion de la película de Brian De Palma Obsession. Ese mismo año Martin Scorsese se encargaría de dirigir su guion de Taxi Driver, que ganaría la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. El binomio con Scorsese crearía las películas Toro Salvaje (1980), La última tentación de Cristo (1988) y Al límite (1999). En 1986, Peter Weir dirigiría su guion titulado La costa de los mosquitos y diez años más tarde Harold Becker haría lo propio con City Hall. El resto de sus guiones originales ya fueron dirigidos por él mismo.

Schrader inicia su carrera como director gracias al éxito de Taxi Driver, y lo hace con Blue Collar (1978), un drama sobre tres trabajadores que planean escapar a sus dificultades económicas cometiendo un robo. Tras Blue Collar Schrader ha dirigido un total de 17 películas. La religión (The Last Temptation of Christ, Touch, Dominion), las difíciles relaciones familiares (Affliction), las vidas de gente que intenta cambiar o fingir su clase social (American Gigolo, The Walker), las relaciones sentimentales marcadas por la frustración sexual (Cat People, The Comfort of Strangers), el mundo de los bajos fondos (Hardcore), las vidas al margen de la ley (Light Sleeper) y los personajes autodestructivos (Taxi Driver, Raging Bull, Mishima: A Life in Four Chapters, Auto Focus y esta misma El contador de cartas) son algunos de los temas recurrentes en su filmografía.

El contador de cartas es una película de 112 minutos que cuenta con fotografía de Alexander Dynan, montaje de Benjamin Rodriguez Jr. y música de Robert Levon Been (miembro del grupo Black Rebel Motorcicle Band). La película cuenta además con producción de Martin Scorsese y fue estrenada en el Festival de Venecia de 2021.

Oscar Isaac es William Tell, un ex-militar que ha cumplido 8 años en prisión y que aprendió a contar cartas allí. Tras salir de la cárcel, usa sus habilidades para ganarse la vida de forma modesta sin llamar demasiado la atención sobre si mismo, llevando una vida solitaria y monótona. .

Tiffany Haddish es La Linda, una conocida del mundo del juego que dirige un establo, un grupo de inversores que respaldan a los jugadores por una parte de sus ganancias. Ella se ofrece a estacar a William, pero él inicialmente se niega, ya que sabe que al final los jugadores que entran en este círculo acaban viéndose cercados por las deudas.

En un casino de forma fortuita William conocerá a Cirk (Tye Sheridan), un joven con una conexión con su pasado que le hará una proposición en relación al Mayor John Gordo (William Dafoe), el militar que dirigió las operaciones por las que William acabó en prisión, que ahora se encuentra retirado.

Me ha gustado El contador de cartas. Oscar Isaac realiza una interpretación alucinantemente contenida de un ex-militar que tras vivir en el infierno, ha conseguido volver a la humanidad gracias a una vida ordenada, monótona y solitaria. Isaac vuelve a demostrar lo grandísimo actor que es, me flipa todo lo que hace. En este sentido, no puedo dejar de recordar los ridículamente desaprovechado que estuvo en la franquicia de Star Wars o en ese desastre que fue X-Men Apocalipse. Hay muy pocos actores que puedan transmitir tanto con la mirada y como los sutiles matices que incorpora a una escena realmente cambian todo el sentido, pasando de una persona normal a un explosivo a punto de estallar en cuestión de segundos.

Schrader plantea una historia sobria y descargada de artificios ambientada en el mundo del juego aunque realmente no va del poker, a pesar también del título de la película, que puede de alguna manera llevar a error. En mi caso, el giro de la película me sorprendió y me llevó por un interesante camino inesperado. El director muestra todo con una frialdad aséptica que contrasta con el shock que supone conocer el pasado de William, rodado de forma impactante en lo visual y sobre todo por todo lo que sucede. Esto me muestra que a pesar de sus 75 años, sigue buscando hacer cosas diferentes que creativamente le motiven, lo cual es totalmente de agradecer.

La frialdad del mundo de William no evita que notemos como hay cosas que no acaban de encajar, con una música disonante en ocasiones y un mundo de espacios claustrofóbicos. El ritmo lento que imprime Schrader no convierte a la película aburrida, de forma que sus 112 minutos acaban siendo la duración perfecta para esta historia.

El reparto además de Isaac lo veo muy bien escogido, con una Tiffany Haddish que a pesar de vivir en un mundo oscuro aún busca poder conectar con alguien, o un Tye Sheridan (Ready Player One) que nos recuerda que no importa lo que hagas o creas, la vida parece una partida en la que las cartas están marcadas y estás destinado a perder. La sensación de futuro marcado de antemano del que no se puede escapar es una de las cualidades del género negro, y en ese sentido El contador de cartas es un gran ejemplo, a pesar de moverse más por territorios del drama.

Sin embargo, dentro que todo es correcto y no puedo decir nada negativo de ningún aspecto de la película, la verdad es que todo me ha acabado resultando demasiado frío. De hecho, quizá la sensación de inevitabilidad que tiene todo hace que el climax narrativamente sea el único posible pero emocionalmente se me ha quedado muy lejos de conseguir engancharme de ninguna manera.

Y reconozco que ésta es una película fría en todos los aspectos planteada así por su autor, pero en mi caso ha provocado que se me haya quedado un poco corta en general en todo. Schrader ambienta la película en el mundo de los casinos y las mesas de poker, pero la historia no va de eso, ni plantea una moraleja a un drama cuyo única conclusión satisfactoria que podría sacarse es que algunas personas encuentran la paz encerrados, lo cual es un mensaje bastante desolador.

Otro elemento menos importante es el hecho que Willem Dafoe más que secundario hace casi un cameo, apareciendo literalmente en 3 escenas de la película. Saber que él estaba en la película me alegró un poco, y me supo mal que a pesar de ser su personaje la clave de todo, tenga tan pocos minutos.

En todo caso, esta parte me está quedando bastante negativa cuando la verdad es que como digo la película me ha gustado.

Comparto el trailer de la película:

El contador de cartas es una muy buena película con un Oscar Isaac estelar que sin embargo le ha faltado algo en la ejecución para ser un películón. En todo caso, recomendable si te gustan las historias de gente condenada con un destino marcado.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Guardianes de la Galaxia 18 de Al Ewing, Juan Frigeri y Federico Blee (Marvel Comics – Panini)

Termina la etapa de Al Ewing en Guardianes de la Galaxia con el final de Aniquilación Final que Panini nos ha traído este mes de enero. El comic de Marvel con dibujo de Juan Frigeri y color de Federico Blee es el último damnificado de la compleja volatilidad que está sufriendo el mercado de las grapas en las librerías especializadas en los Estados Unidos.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

18. “Somos nosotros”

La conclusión de «Aniquilación final» y de la actual encarnación de la serie. Los Guardianes de la Galaxia y sus aliados han sido sobrepasados en todos los frentes de la batalla contra Dormammu. Sólo queda una esperanza: un plan desesperado de Mapache Cohete. Pero necesita un punto débil… y Dormammu no tiene ninguno.

Este número contiene Guardians of the Galaxy 18 USA.

No sabéis la pena que me ha dado leer esta grapa de Guardianes de la Galaxia. Tras la entretenida etapa de Gerry Duggan y el coitus interruptus que supuso el paso de Donny Cates por esta cabecera, Al Ewing planteó una historia a nivel galáctico que recordaba para bien la personalidad y el worldbuilding de Aniquilación. Ewing presentó un reparto coral de héroes que tenían que enfrentarse a un universo cada vez más aterrador con numerosas amenazas simultáneas en un universo con muchas más razas aparte de los ubícuos Kree, Skrulls o Shi´ars. Tras un primer año de construcción en el que cada grapa era super entretenida mientras se asentaban las bases de un comic con vocación de darnos grandes alegrías, descubrir que el segundo año se ha quedado en 6 números y una saga con tantas posibilidades como Aniquilación Final ha quedado despachada en tres grapas y un tie-in en SWORD ha sido un bajón tremendo.

El actual mercado de librerías especializadas en Estados Unidos sufre una terrible dicotomía. En estos momento es compatible que a nivel macro en 2020 y 2021 se hayan vendido más comics y tomos que nunca, en parte por el factor Covid que provocó que los consumidores estuviéramos más tiempo en casa, con la realidad que muchas colecciones regulares de Marvel o DC no aguantan ni dos años de publicación debido a la bajada de ventas que fuerza cierres o relanzamientos sucesivos que intentan generar nuevo interés en un grupo o personaje. Y si esto está pasando en DC o Marvel, imaginad la situación en los comics indys de creación propia.

Es lamentable que un comic estupendo como Guardianes de la Galaxia no pueda aguantar más de 18 números en publicación. En septiembre de 2021 esta grapa USA vendió 29,700 ejemplares, una cifra que tampoco está tan mal pensando en las ventas de otras series de Marvel. Sin embargo, el número 16 sumó 6.000 comics más llegando hasta los 35.000, lo que da una idea del desgaste que sufren las grapas periódicas mes a mes.

Lo que está claro es que Ewing tenía planes a gran escala para esta cabecera que de alguna manera se ven truncados por este final abrupto. Y está claro que en parte Ewing puede retomar algunas de sus ideas en SWORD, también guionizada por él, o en el próximo estreno de Veneno en el que además de Ewing tendremos a Ram V en el guión y Brian Hitch en el dibujo. Pero obviamente no creo que pueda ser con estos personajes. En ese sentido, ¿realmente este cierre de Guardianes tiene que ver con las ventas (en parte seguro)? ¿O la propuesta galáctica de Veneno convenció más a los editores y ante la disyuntiva de tener que elegir entre una serie u otra han apostado por un personaje en alza como Veneno frente a un grupo que en los últimos años no ha acabado de despegar? Lo veo también como una posibilidad a tener en cuenta viendo que el reinicio de Veneno comienza justo después del final de Guardianes, tras estar Eddie Brock 6 meses sin serie regular tras el final de la etapa de Cates y Stegman en agosto.

Igual que Aniquilación, Ewing planteó una historia que ampliaba la escala galáctica y la apuesta a pesar de todo le ha salido bien. Como entretenimiento mainstream, estos Guardianes de la Galaxia me han parecido modélicos. Me ha alegrado el protagonismo de Nova en la serie, y poder ampliar su relación con Star-Lord y Gamora. Quizá me sabe mal el poco protagonismo que ha tenido Marvel Boy o Hércules, que podrían haber protagonizado momentos gloriosos, pero en general Ewing ha jugado muy bien con el reparto coral a su disposición.

Ewing consigue cerrar Aniquilación Final de forma modélica a pesar de tener una grapa de 20 páginas para hacerlo. De hecho, queda super poco elegante que tengamos tantas series mutantes con páginas extras para contar la nada y este comic cuente con lo mínimo. A pesar de la rapidez con que los héroes derrotan a Dormammu, el final es lógico y deja momentos muy chulos, con unas páginas finales para dar un final feliz satisfactorio a unos héroes que nos han dado muchas alegrías en los últimos tiempos que me dejó con una sonrisa. ¡Brindo por vosotros!

En el apartado artístico, Juan Frigeri ha crecido como dibujante en estos seis meses, y me alegra haber estado aquí para verlo. Si es su estreno parecía que íbamos a echar mucho de menos a Juann Cabal, Frigeri ha ido haciendo suya la serie y los personajes, y ha sacado todo el partido a los momentazos que le brindaba Ewing en cada número. Junto al color de Feberico Blee nos ha dado unos comics que siempre lucían perfectos, y lo mejor es que aún tiene margen de mejora. Espero que su próximo encargo esté a la altura, se lo ha ganado.

Comparto las primeras páginas de este comic que muestran a las claras el tipo de espectáculo visual que nos vamos a perder a partir de ahora.

Merecía mejor suerte esta etapa de los Guardianes de la Galaxia de Al Ewing que he disfrutado el último año y medio. Sin embargo, hay que valorar el estupendo entretenimiento que nos ha dado y que siempre podremos recuperar estas grapas de la librería. Y ahora, a ver qué nos van a ofrecer en la nueva etapa de Veneno, a la venta el mes que viene.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de El Libro de Boba Fett episodio 5 (Disney+)

El quinto episodio de El Libro de Boba Fett ha estado dirigido por Bryce Dallas Howard con historia de Jon Favreau y ha sido el mejor hasta la fecha de largo. Es imposible hablar de él sin entrar en spoilers, así que te recomiendo que lo veas antes de leer este post, me lo agradecerás.

PUNTUACIÓN: 8/10

¡SPOILERS A CONTINUACIÓN!!!

Episodio 5. El retorno del Mandaloriano.

Aparece un aliado inesperado.

Bryce Dallas Howard dirigió dos episodios de The Mandalorian, y su llegada a El Libro de Boba Fett ha supuesto un salto de calidad tremenda respecto a los episodios dirigidos por Robert Rodriguez. Jon Favreau se mantiene como creador y guionista y demuestra una vez más sus dotes narrativas, al presentar justo ahora esta historia… ¡PROTAGONIZADA POR DIN DJARIN!!!

Porque si, menudo subidón ha sido volver a tener desde el primer segundo del episodio a Pedro Pascal como Mando, el alucinante protagonista de The Mandalorian. La gran e inesperada virtud de este largo episodio de 51 minutos (47 sin lo títulos de crédito) es tener una aventura completa de Mando que nos muestra qué ha estado haciendo tras el final de la segunda temporada de su serie y porque es un personaje tan espectacular. Y el episodio es alucinante.

La primera sorpresa es que Mando sigue empuñando el Darksaber, aparentemente Bo Katan no se atrevió a desafiarle y desde luego no aceptó el regalo que Din Djarin le propuso. Además, volver a ver a la Armera mandaloriana (interpretada por Emily Swallow) añade un montón de lore al universo televisivo de Star Wars conectándolo con The Clone Wars que me ha flipado. Me gusta mucho que conocer que no basta con la fuerza bruta para empuñar el Darksaber, hace falta la confianza mental de creerse digno de él.

Mando es un personaje espectacular, saber que incluso ahora sigue preocupado por Grogu hizo que mi corazón se deshiciera, mostrando que a pesar de su dura armadura tiene poderosos sentimientos. Algo que vimos también cuando no acepta el dinero de Fennec Shand (Ming Na-Wen) para ayudar a Boba Fett (Temuera Morrison), el protagonista de la serie ausente en este episodio.

Tras la destrucción del Razor Crest en la segunda temporada de The Mandalorian, otro acierto del episodio es darle a Mando una nueva nave construida en Tatooine por Peli Motto (Amy Sedaris), la mecánica que ya salió en varios episodios de su serie. La nave, un modelo N1 de la antigua república visto en el Episodio I (¿la nave fue un regalo de Amidala a Anakin como se sugiere? Sería una pasada, la verdad), nos invita al optimismo más absoluto de cara al futuro, con la velocidad y potencia que ha mostrado en el primer vuelo de prueba.

Frente al elemento «cutre» de algunos momentos dirigidos por Robert Rodriguez, Bryce Dallas Howard se sale en la dirección del episodio. Frente al western en el desierto de Tatooine, Howard usa el máximo partido del Domo digital para la creación de un mundo espectacular. Y el episodio tiene dos escenas de combate super potentes con verdadera sensación de peligro para Mando, superando por mucho todo lo visto en escenas de acción hasta la fecha en este Libro de Boba Fett. A todo esto, el momento que Mando empuña por primera vez el Darksaber en el episodio fue uno de los muchos momentazos que nos regalaron en estos 47 minutos casi perfectos.

Como episodio unitario que amplía el lore de Star Wars y de The Mandalorian me ha parecido una pasada alucinante. ¡Jon Favreau, qué bueno eres! Estaba claro que a pesar de algún elemento menos bueno alrededor de la figura de Boba Fett, Favreau no se había olvidado de escribir de repente. No tengo más que buenas palabras para el episodio, Pedro Pascal y la dirección de Bryce Dallas Howard.

Ahora bien, que este episodio sea el mejor de largo de la serie de BOBA FETT también resalta el problema que está teniendo la serie, con un Boba al que han construido bien para ser un protagonista tridimensional que sea mucho más que una armadura molona. En estos 47 minutos le han pasado más cosas interesantes a Mando que a Boba hasta la fecha en cuatro, y la serie aún no nos han dado los momentos que esperamos en los que Boba brillará y demostrará porqué fue considerado el cazarrecompensas más peligroso de la galaxia. Restan dos episodios para terminar la serie, confío y estoy seguro que en estos episodios vamos a ver a Boba Fett a máxima potencia, lo que nos faltó por ver, y el final nos va a dejar satisfechos. Favreau, la pelota está en tu tejado, ahora no nos falles.

Comparto el teaser trailer, más teaser que nunca:

El Libro de Boba Fett nos ha sorprendido en este quinto episodio incorporando a un protagonista que va a dar mucho juego de cara al final de temporada. Y lo mejor es que confío que el próximo episodio pueda ser aún mejor.

PUNTUACIÓN: 8/10

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