ECC ha empezado este mes la publicación de Batman: El detective, miniserie de seis números de Tom Taylor y Andy Kubert, con color de Brad Anderson. Comento mis impresiones del primer número.
PUNTUCIÓN: 7/10
¡Nueva miniserie! ¡Nuevos villanos! ¡Nuevos aliados! ¡Una emocionante aventura del Caballero Oscuro narrada por los creadores superestrella Tom Taylor y Andy Kubert! Una terrible tragedia ocurrida en el Reino Unido pone en alerta al Caballero Oscuro. ¡Batman viaja al otro lado del Atlántico para investigar! Lejos de Gotham City, el Caballero Oscuro se enfrentará con la ayuda de nuevos aliados a un complicado caso y a adversarios nunca vistos.
Estoy disfrutando cosa fina la actual etapa de Nightwing de Tom Taylor, y en general todos sus trabajos para DC Comics recientes me están resultando super chulos. Cuando se anunció que iba a hacer su primera miniserie de Batman en solitario, no había duda que iba a pillar este comic. Y dentro que está bien y todo está correctamente ejecutado… no puedo decir que me haya volado la cabeza.
La primera sorpresa de esta grapa es ver que estamos ante una historia fuera de continuidad con un Batman / Bruce Wayne aparentemente más mayor y cascado de lo que estamos acostumbrados. Poder jugar fuera de continuidad permite a Taylor jugar con los juguetes que prefiera y estoy seguro que nos tiene preparadas más de una sorpresa impactante a lo largo de los 6 números de esta miniserie. Pero al mismo tiempo, de momento esta premisa de Batman alejado de Gotham viajando por el mundo no me parece mal, pero no ha acabado de explotar en este arranque, ni tampoco lo hacen los villanos con trajes blancos casi opuestos al de Batman.
Andy Kubert con color de Brad Anderson me parece que también están correctos, pero tampoco enamoran. Es una opinión muy personal, pero me gusta mucho más el dibujo de su hermano Adam y sus atractivas composiciones de páginas. Me suena injusto hasta a mi mientras lo escribo, pero nunca he encajado con sus personajes encorvados con chepa y sus figuras que siempre parecen las mismas. Y en este caso, sacar a Batman de los callejones oscuros de Gotham narrativamente puede permitirnos leer una historia que se aleje de los caminos miles de veces transitados, pero para Kubert le sienta fatal, porque el interior de un hospital o un avión o la campiña inglesa no son espacios en los que Kubert pueda lucirse como en comics suyos previos como el Superman: Up in the Sky junto a Tom King.
Nightwing, Escuadrón Suicida o DCSos: Planeta muerto me habían gustado mucho desde su arranque, por eso me extraña que este Batman: El detective no tenga un arranque igual de potente. También es cierto que estamos ante una miniserie de tan sólo seis números, por lo que entiendo que Taylor tiene que ir a saco con la historia y según lo que quiera contar, igual las páginas y el espacio se le echaron encima. Es decir, que no dudo ni por un momento que la parte del entretenimiento lo vamos a tener más que cubierta con este comic que ha empezado a editar ECC Ediciones en España.
Comparto algunas páginas de este comic.
Correcto arranque para este Batman: El Detective, pero tengo que reconocer que esperaba más de este comic. Taylor y Kubert tienen 5 meses para hacerme cambiar de opinión, estoy seguro que nos espera una buena historia.
PUNTUACIÓN: 7/10
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Joe Hill y Gabriel Rodríguez triunfan con el crossover de Locke & Key con The Sandman Universe. Hell & Gone es una miniserie de dos números con una historia maravillosa que confirma que hay autores que parece que nacieron para trabajar con ciertos conceptos.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
Si crees que puedes abrir las puertas del infierno e invitarte a ti mismo, ¡debes estar soñando! El cruce épico entre dos de los universos de fantasía más queridos en los cómics comienza aquí. John «Jack» Locke lleva diez años muerto, pero eso no le ha impedido enviar una carta ocasional a casa … desde el infierno. Ahora Mary Locke hará cualquier cosa para salvar el alma de su hermano, incluido llegar a un acuerdo con Roderick Burgess, el hombre más malvado de Inglaterra, para buscar respuestas en la Casa del Misterio y arriesgarse a la pesadilla ambulante conocida como Corinthian para encontrar ayuda en un Reino de los Sueños que ¡se está desintegrando!
Locke & Key / The Sandman Universe: Hell & Gone es una miniserie de 2 números, que ofrece una historia completa super satisfactoria. No obstante, para la mejor comprensión de la historia sería interesante que los lectores leyeran antes la mineserie Locke & Key: In pale battalions go… que presentaba a la familia de Chamberlin Locke en 1916, y el número 0 de este crossover en el que situaba tanto a los miembros de la familia de cara a este cruce, al igual que un Morfeo, El señor del Sueño, que en su ya mítico número 1 de 1989 fue hecho prisionero por Roderick Burgess, unos números previos que reseñé aquí.
Si tengo que decir algo menos bueno de este comic maravilloso, la verdad es que lo único que se me ocurre es que dos números se me han hecho cortísimos. Y es que leyendo la chulísima historia de Hill y los fantásticos dibujos de Rodríguez, con color de su colaborador habitual Jay Fotos, la verdad es que desearía que esto hubiera sido una miniserie de 6 o 12 números, para poder disfrutarla durante mucho más tiempo.
Joe Hill consigue la cuadratura del círculo con esta historia en la que la familia Locke entra en contacto con el mundo de El Sueño, creando momentos realmente maravillosos que al mismo tiempo no contradicen o cambian lo ya aparecido en los comics de Sandman. La protagonista de esta historia es Mary Locke, la hermana del fallecido Jack al que busca liberar de su tormento en el infierno antes que su padre Chamberlin fallezca acosado por la edad y su sentimiento de culpa. Su búsqueda de esperanza la hará ponerse en contacto con Roderick Burgess en Inglaterra para descubrir si su prisionero Morfeo pudiera ayudarla con su problema, lo que pondrá en marcha una cascada de sucesos que harán que Mary conozca El Sueño, sus habitantes y la forma de entrar en el Infierno. Lo malo es que como todos sabemos, es más fácil entrar que salir de allí.
Comentaba que me hubiera gustado que esta miniserie se hubiera alargado mucho más. Y siendo cierto, también hay que agradecer la capacidad de síntesis de Joe Hill, que se muestra como un experto del mundo creado por Neil Gaiman y a la vez crea una historia rebosante de personalidad en tan sólo 80 páginas. En este sentido, hay que agradecer la flexibilidad que tanto IDW como DC Comics permitieron a Hill, ya que el primer número tuvo 32 páginas de historia, mientras que el segundo aumentó hasta las 48, consiguiendo que el ritmo narrativo fuera el que la historia demandaba en cada momento, sin verse limitado por cliffhangers innecesarios. De esta manera, el final con una invitada especial de última hora, y en general todo el comic, me parece perfecto y super satisfactorio.
Junto a Joe Hill, obviamente el comic es un triunfo gracias al increíble dibujo de Gabriel Rodríguez, con el colorista Jay Fotos con el que muestra una perfecta compenetración. Como comentaba antes, hay autores que parecen nacidos para trabajar en un comic, y la verdad es que Rodríguez no puede ser más perfecto para dar vida al mundo del Sueño. Su inventiva e imaginación nos ofrecen momentos brillantes, con una estructura de página y una elección de puntos de vista en cada plano que refuerza la sensación fantástica del relato. Además, su caracterización de los personajes clásicos como Lucien, el Corintio, el propio Morfeo y un montón de apariciones especiales que prefiero ni nombrar para no chafar la sorpresa me parece maravillosa, captando perfectamente el espíritu de cada uno. Artísticamente, el comic es de 10.
Y por si fuera poco, además de ser una nueva y chulísima aventura de Locke & Key, Hell & Gone transmite todo el cariño y respeto que Hill y Rodríguez sienten por el mundo de Sandman creado por Neil Gaiman, algo que se siente en cada página, ofreciendo un comic a los lectores que ofrece lo mejor de ambos mundos.
Comparto algunas páginas del comic:
Locke & Key / The Sandman Universe: Hell & Gone me ha parecido una miniserie maravillosa. Ojalá hayan muchas más en el futuro.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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Con algo de retraso he podido leer los tres volúmenes de Wonder Woman: Tierra Uno de Grant Morrison y Yanick Paquette, con colores de Nathan Fairbairn, la maravillosa reimaginación de los mitos de las Amazonas, en el que es uno de los comics mejor dibujados que podemos encontrar hoy en día en las librerías.
PUNTUACIÓN: 7,5/10
De las mentes magistrales de Grant Morrison (Crisis Final, El Multiverso) y Yanick Paquette (La Cosa del Pantano, Batman Inc.) llega el origen más provocador de Wonder Woman que hayas leído. Un relato único que rinde homenaje a su rica trayectoria.
Tras Batman, Superman y los Jóvenes Titanes, llega el momento de que los mejores autores aborden el mito de Wonder Woman desde una nueva óptica. Provocadora pero respetuosa, completamente moderna pero atemporal, esta nueva incorporación a la serie de novelas gráficas Tierra Uno de DC nos presenta el poder y el valor de Wonder Woman, la campeona de Isla Paraíso.
Wonder Woman: Tierra Uno ha sido una serie de 3 novelas gráficas, publicadas en España por ECC Ediciones en 2016, 2019 y julio de 2021. La primera novela gráfica contó con 144 páginas, con 136 las dos siguientes.
Grant Morrison (Glasgow, 1960) es uno de los principales guionista del mundo del cómic americano mainstream. Ha trabajado y revitalizado demasiados conceptos como para mencionarlos todos, pero habría que destacar entre sus comics más destacados y celebrados Animal Man, Doom Patrol, la novela gráfica Arkham Asylum, The Invisibles, Justice League, Batman, All-Star Superman, We3, Flex Mentallo, 52, Final Crisis o su relanzamiento de los X-Men, que forman ya parte de la historia del medio. En prosa escribió la novela Super Gods, análisis de la historia del comic book americano en la que Morrison conectó con sus propias vivencias personales.
Yanick Paquette es un artista canadiense que ha realizado al igual que Morrison la mayoría de su obra en DC Comics. Tras realizar varios cómics independientes, llegó a DC en 1997 gracias al especial JLA: Tomorrow Woman. Realizó muchos más encargos para la misma editorial antes de iniciar una prolífica colaboración con Marvel en títulos como Ultimate X-Men. En 2006, dibujó la miniserie Secret Soldiers: Bulleteer escrita por Grant Morrison, con quien repetiría más adelante en The Return of Bruce Wayne y Batman Inc. Tras su etapa en La Cosa del Pantano del Nuevo Universo DC junto a Scott Snyder, puede decirse sin generar polémica que este Wonder Woman: Tierra Uno es su mejor trabajo como profesional.
La reimaginación de los mitos de Wonder Woman a manos de Morrison me ha parecido super curiosa porque me alucina ver en 2021 que Morrison haga un elogio tan poco sutil del ideario del creador de Wonder Woman William Moulton Marston, que creó al personaje en 1941.
Wonder Woman fue un banco de pruebas empleado por el psicólogo Marston, creador del polígrafo, para exponer sus puntos de vista sobre el feminismo, con “un nuevo tipo de superhéroe que triunfaría no con puños o potencia de fuego, sino con amor”, lo que obligatoriamente hizo que debiera ser una mujer. Marston creó Wonder Woman para ser una alegoría del líder amoroso ideal; el tipo de mujer que él creía que debería dirigir la sociedad. «Francamente, Wonder Woman es propaganda psicológica para el nuevo tipo de mujer que, creo, debería gobernar el mundo», escribió.
Marston era un feminista convencido, practicante del poliamor y firme creyente en la superioridad de las mujeres. Describió la servidumbre y la sumisión como una «práctica noble y respetable». La Wonder Woman de Marston a menudo terminaba encadenada antes de liberarse inevitablemente. Esto no solo representaba la afinidad de Marston por el bondage, sino también el rechazo frontal que mostraba frente a la subyugación de las mujeres y la esclavitud.
Grant Morrison toma todos estos elementos unidos a la propia mitología griega de la Amazonas para crear un mundo de Wonder Woman que se siente moderno y atemporal a la vez, respetuoso del pasado del personaje pero sin miedo de llevarlo a caminos hasta ahora nunca explorados cuando se lleva la ideología de Wonder Woman y las Amazonas hasta sus últimas consecuencias. Frente a la versión guerrera espada en mano que se ha impuesto en los últimos años en los comics de DC, me gusta que Morrison nos devuelva a la Diana más utópica y optimista que busca convencer con el poder del amor y que tiene como principal arma su lazo de la verdad. Que este concepto que parece tener una connotación silver-age un poco ñoña tenga tanta importante en la historia realmente me parece un acierto.
Morrison es también un feminista convencido y no tiene problema en mostrar que el ideal de sociedad de esta historia, tal y como imaginó Marston, es una que esté dominada por las mujeres en la que el hombre de un paso al lado, y no tuvo miedo a la polémica que entiendo que sabía que estas ideas podrían provocar en el público americano.
Los lectores veteranos de comics ya sabemos que los comics siempre han sido políticos, y este Wonder Woman: Tierra Uno es una historia 100% feminista de principio a fin, con una presentación de Diana en el mundo “real” de los Estados Unidos que pone en contraste su mundo ideal idílico con los problemas de nuestra sociedad, con unos poderes económicos y militares que se oponen a toda posibilidad de alterar el statu-quo. Una sociedad con graves problemas y desigualdades al que le falta mucho para llegar al ideal al que aspiran las mujeres de la historia.
Pero no nos vamos a engañar, la historia de Morrison está bien, pero el plus de calidad que hará que este comic se recuerde durante años es el suntuoso y maravilloso dibujo de Yanick Paquette con colores de Nathan Fairbairn. Hace mucho tiempo que no he visto a una Diana tan bella, poderosa y segura de si misma, a la vez transmitiendo la ingenuidad, positivismo y esperanza de un mundo mejor que supone la juventud. A una perfecta anatomía (literalmente), no sólo de Diana, sino de todas las Amazonas, hay que añadir una fuerte personalidad de cada personaje, que transmiten perfectamente el ideal de belleza imposible que forma parte del ADN de esta sociedad utópica perfecta formada únicamente por mujeres. Este Wonder Woman: Tierra Uno es sin duda una celebración del cuerpo femenino en todas sus formas.
Los dibujos de Paquette quitan el hipo y son increíbles. Hay que agradecer la oportunidad que este formato de novelas gráficas le ha proporcionado para poder crear su mejor trabajo sin tener que preocuparse de los plazos de entrega mensuales habituales del mundo del comic-book, que son el gran problema para la creatividad artística del medio. Paquette crea una arquitectura maravillosa con una Temyscira que cobra vida de forma mágica. El increíble trabajo de fondos es otro elemento que hace que estas novelas gráficas sobresalgan respecto a la gran mayoría de comics que se publican en la actualidad, y quiero destacar además las estupendas portadas, como la del número 3 inspirada en «La libertad guiando al pueblo» de Delacroix.
A esto hay que sumar un gran dominio de la narrativa, consiguiendo la cuadratura del círculo de hacer que su Wonder Woman sea una belleza que admirar en cada página y que además la historia se lea de forma super fluida casi de una sentada gracias a una composición de páginas que son un escándalo, llena de suntuosidad, respeto por sus orígenes mitológicos y frescura a la hora de contar la historia. Y si a todo esto le sumamos un indudable elemento erótico en la historia con numerosas viñetas planteadas como puro bondage con Diana apresada o arrodillada delante nuestro, mirándonos a los lectores con la boca abierta y ojos solícitos, ¡buff!! La lectura aumentó varios grados de temperatura a mi alrededor mientras lo leía. Y creo que este elemento es un claro homenaje a la figura de Marston y los valores que defendía.
Si tengo que ponerle un pero, es que Morrison construye a unas Amazonas tan superiores en todo, belleza pero sobre todo fortaleza e inteligencia, que realmente no llega a haber nunca una amenaza creíble que tenga capacidad real para oponerse a ellas. Si a eso sumamos a unos hombres machistas presentados como personas pequeñas y ridículas, la sensación de inocuidad está presente de principio a fin. Esto además viene aumentado por la propia existencia de las tres oráculos que indican que el destino ya está marcado de antemano, así para ¿para qué preocuparse por nada si todo va a suceder como estaba previsto?
Luego hay otro elemento que es mucho más cuestionable, y es la propia ideología de Marston y su «feminismo sumiso». En los últimos años estamos acostumbrados que a la hora de actualizar historias y personajes clásicos para las nuevas generaciones de lectores, en las versiones modernas se modifican aquellos elementos que han envejecido mal y puedan resultar ofensivos por transmitir elementos que con ojos del siglo XXI puedan ser vistos como machistas, racistas, etc… Algo que no me parece mal, la verdad. Que sin embargo se haya considerado conveniente publicar un comic que presenta la superioridad de las mujeres frente a los hombres, y que los hombres deben aceptar sumisamente esta posición de superioridad femenina me deja flipado. Soy una persona convencida de los valores del feminismo clásico y creo que hombres y mujeres somos iguales en derechos y obligaciones, y que nuestra sociedad debe derribar las barreras y toda discriminación que impidan el crecimiento y la felicidad de la mujer, de cara ha conseguir una democracia de ciudadanos iguales. Y no tengo la piel fina, entiendo que Morrison plantea este elemento a sabiendas de ser polémico, y me gusta leer contenidos que planteen un desafío intelectual. Pero pensaba que el objetivo a conseguir era este, una sociedad de hombre y mujeres con las mismas oportunidades y derechos. Igual resulta que estaba equivocado.
Creo que en 40 años leyendo comics mainstream americanos es la primera vez que un héroe afirma la superioridad de un género frente al otro como un ideal al que aspirar. Es algo que se sobreentiende en el discurso de un villano, que para eso es el malo que busca provocar desigualdades, pero que nunca esperé leer de alguien como Wonder Woman. Ni de ningún otro héroe, ojo. Y para que entendamos lo problemático de todo, imaginemos que DC hubiera querido publicar un comic de Superman (por ejemplo) en el que promoviera una sociedad utópica en la que el hombre es más importante que la mujer, y en la que el género femenino debe acostumbrarse a vivir una vida servil hacia el hombre, y que esta sociedad se mostrara como un paraíso de paz y felicidad. Obviamente este comic no se hubiera publicado porque DC sabe con razón que se le hubieran tirado encima todo tipo de activistas por ser discriminatorio, ofensivo para la mujer, etc, etc. Y sin embargo, aquí tenemos un comic que propugna eso mismo al revés para aplauso generalizado. En este sentido, esta historia de Morrison muestra una visión de un feminismo radical reaccionario que intenta controlar todos los discursos que se realizan en obras de entretenimiento, que no busca igualar los derechos y las obligaciones de hombres y mujeres sino crear privilegios de unas frente a otros.
Y si a esto le sumamos que el propio ideal de feminismo sumiso de Marston copiado por Morrison podía ser genial en el entorno universitario de los años 40 en el que vivía Marston, pero resulta bastante ridículo si se piensa que alguien lo toma en serio como ejemplo en pleno siglo XXI a la hora de plantear una revolución feminista en nuestra sociedad. Esto hace que el final del comic en mi opinión acabe siendo un tanto descafeinado y problemático si pensamos en el mensaje que nos está contando. El problema de los ideales es que en los comics son mostrados y ejecutados por seres puros y perfectos como en este caso las inmortales amazonas, mientras que en la vida real las personas, también las mujeres, estás llenas de prejuicios y envidias, y son capaces de lo mejor y de lo peor.
A pesar de estos elementos con los que no comulgo, tampoco es que me rasgue las vestiduras ni nada, como comic de entretenimiento ligero creo que cumple perfectamente su función, sobre todo gracias al sublime dibujo de Paquette. Y en estas novelas gráficas he encontrado también elementos positivos que contrarrestan los menos buenos que hacen que me haya gustado la lectura.
Wonder Woman: Tierra Uno es una de las mejores lecturas de Wonder Woman que puede encontrarse: provocadora, respetuosa de su pasado, moderna y atemporal al mismo tiempo. Si eres fan de Diana, no te lo puedes perder.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Gracias por leer este post. Y tu, ¿has leído este comic? Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.
He tardado en leer Un cesto lleno de cabezas de Joe Hill, el comic que inauguró el sello Hill House de DC Comics junto al artista Leomacs, color de Dave Stewart y maravillosas portadas de Reiko Murakami. Gracias ECC Ediciones pude leerlo y me ha parecido un comic super entretenido y recomendable, sobre todo en estos días previos a Halloween.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
June Branch está en apuros. Está atrapada sin escapatoria en Brody Island. Han secuestrado a su novio Liam. Y cuatro convictos fugados y sedientos de sangre no se detendrán ante nada hasta encontrarla.
Lo único que la pobre June puede usar para defenderse es un hacha vikinga con el aterrador poder de decapitar a una persona y que su cabeza siga hablando. Si quiere salvarse y salvar a Liam, June tendrá que mantener la cabeza fría… ¡o un cesto lleno de ellas!
Del aclamado guionista Joe Hill (NOS4A2, Locke & Key), llega Un cesto lleno de cabezas, la primera serie de la línea Hill House Comics. Con el increíble dibujo de Leomacs (Lucifer), este escalofriante cómic recopila toda la miniserie de siete números, e incluye también algunos bocetos y entrevistas con los autores.
Cuando DC Comics anunció la creación del sello Hill House con Joe Hill a la cabeza, la verdad es que sólo Plunge junto al increíble Stuart Immonem me llamó la atención. Sin embargo, ahora que pude leer Un cesto lleno de cabezas, su comic dibujado por Leomacs con color de Dave Stewart, me he encontrado una lectura super entretenida que me ha recordado en el mejor sentido posible el cine y las historias que disfrutaba en los años 80. Un comic estupendo, vaya. Con el feeling que a priori se supone que tienen que tener las historias de un sello de terror.
Joe Hill empieza con lo que sería a priori una historia de terror bastante típica con una chica atrapada en una isla de la que no puede escapar mientras huye de unos asesinos, para irla convirtiendo en un thriller fantástico super original en el que la verdad está oculta y no te puedes fiar de nadie. Todo eso unido a un hacha mágica que mantiene con vida las cabezas después de haberlas separado del cuerpo. Que Hill sitúe la historia en los años 80 no es casual, ya que el toque de locura tiene un feeling a muchas obras de entretenimiento de la época que hacen que la experiencia sea super chula.
El comic es super adictivo y me lo he leído en una sentada. La historia se va construyendo a fuego lento y nos ofrece momentazos gores junto a detalles realmente divertidos y freaks, jugando con numerosos elementos que podrían no funcionar pero que convierten a esta historia en un triunfo. Hill está genial mostrando diferentes puntos de vista que añaden nuevos matices al misterio existente en Brody Island, jugando con la figura del narrador mentiroso que añade unos toques de paranoia que le van perfectos a la historia.
Si Una cesta llena de cabezas triunfa es también gracias al estupendo apartado artístico con Leomacs en el dibujo y Dave Stewart al color. Leomacs ha sido para mi un auténtico descubrimiento. Su dibujo se caracteriza por una línea fina y una perfecta narrativa, creando unos personajes totalmente reconocibles en todo momento que además no se arruga ante los momentos gores. Dave Stewart por su parte se encarga del color de forma modélica, ayudando a que la lectura sea fluida en todo momento y aportando el shock del rojo sangre en los momentos justos para conseguir un mayor impacto. La verdad es que este comic está maravillosamente bien dibujado, tengo que fijarme en qué otros comics ha trabajado Leomacs porque al menos en el apartado gráfico tendremos un éxito seguro.
Comparto algunas páginas del comic:
Un cesto lleno de cabezas ha sido una lectura estupenda con su mezcla del terror, triller y humor. Un comic super recomendable que deberías leer si tienes la ocasión.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
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Tras comprar las novelas gráficas de Parker de Darwyn Cooke, gracias a mi hermano Fernando hemos cumplido con otro de nuestros debes comiqueros, al comprar la etapa que el recordado artista realizó en The Spirit entre 2006 y 2008.
PUNTUACIÓN: 8/10
En 1940, el legendario creador Will Eisner («Un contrato con Dios») comenzó una nueva y sorprendente tira cómica de periódico, «The Spirit», que cambió la faz de los cómics para siempre. El criminólogo Denny Colt deja que el mundo crea que está muerto para continuar su guerra contra el crimen como el aventurero enmascarado The Spirit. Ahora se enfrenta a un elenco asombroso de criminales y femmes fatales armados solo con su ingenio, y con la ayuda del inteligente adolescente Ebony White, la ingeniosa novia Ellen Dolan y su padre, el comisionado de policía Dolan. El aclamado escritor y artista Darwyn Cooke («DC: The New Frontier «) lleva la mayor creación de Will Eisner a un nuevo milenio con un entusiasmo incomparable.
La etapa de Darwyn Cooke en The Spirit fue inaugurada en 2006 con el especial Batman / The Spirit, escrito por Jeph Loeb, tintas de J. Bone y colores de Dave Stewart, que formaron el equipo creativo de la serie regular. Darwyn Cooke realizó los números 1 al 6 y 8 al 12, publicados entre 2006 y 2008, siendo un fantástico punto de entrada para que los nuevos lectores conozcamos la más famosa creación de Will Eisner.
En España, Norma Editorial publicó estos comics, que DC Comics posteriormente ha recopilado en dos estupendos Hardcover que ya forman parte de mi comiteca, y que incluyen además los números 7 y 13 realizados por varios equipos creativos.
Batman / The Spirit ganó el premio Eisner 2007 a la mejor número individual. El colorista Dave Stewart ganó el premio Eisner a la mejor coloristan en parte por su trabajo en Batman / The Spirit. Darwyn Cooke ganó el premio Joe Shuster 2007 al Artista Destacado por Batman / The Spirit y su serie en curso The Spirit.
Darwyn Cooke plantea estos comics como historias autoconclusivas en cada número, que condensan los principales mitos de The Spirit. Además de poder disfrutar de la enorme habilidad de Cooke como narrador y como dibujante para un desconocedor del personaje de Will Eisner com yo es una delicia descubrir en estas páginas al Comisario Dolan, a su hija Ellen, novia de Denny Colt el alter-ego de Spirit. También al taxista adolescente Ebony White que le ayuda en sus investigaciones, así como la enorme variedad de bellas mujeres y femmes-fatales que Spirit se irá encontrando en sus aventuras. Desde Madam P Gell, Silk Satin, Ginger Coffee y sobre todo, el primer amor de Denny, Sand Saref.
Por el lado de los villanos, hay un curioso grupo de criminales entre los que tenemos a Mr. Octopus y su organización the Octagon, Mr. Carrion, Cossack y, sobre todo, el gran archivillano Alvaro Mortez y su legión de muertos vivientes.
Las aventuras de Spirit son, como siempre estando Darwyn Cooke, una delicia de leer y super entretenidas. Cooke despliega su extraordinaria habilidad como narrador para construir historias sencillas pero efectivas que aunque autónomas, construyen los mitos del personaje y van completando un tapiz super completo que adquiere un sentido completo al final. El estilo cartoon de Cooke dota al comic de un aura atemporal que le viene de maravilla a un comic nacido con unas claras raíces pulp.
Cooke plantea las historias en un mundo atemporal que podría ser el actual o uno de hace 60 años. Esto queda sobre todo puesto de manifiesto en el crossover de Batman – The Spirit, que cronológicamente se publicó antes que la serie regular para generar interés en el personaje, en el que vemos una versión de Batman y su galería de villanos más cercana al camp de la serie de televisión de los años 60 que al grim-n-gritty creado por Frank Miller en 1986. Un comic, todo sea dicho, sencillo y sin pretensiones que resulta una delicia de lectura.
Quizá el único problema que tuve con este comic es la propia figura de Spirit, el héroe bonachón e inocente que podría encajar en los años 40 y 50 en los que Eisner realizó la mayoría de sus aventuras, pero que para el standard actual se me queda casi en una caricatura demasiado plana. Y no dudo que esto está claramente buscado por Cooke a la hora de escribir sus historias, buscando un acercamiento lo más fiel posible a la obra y al espíritu de Eisner, pero el resultado final hizo que aprecie muchísimo el trabajo de Cooke, pero no haya conectado nada con el protagonista.
Cooke colaboró con J. Bone, que además de entintar realizó los acabados de algunos números, y con el maravilloso Dave Stewart en el color, que ayudó a crear la estética atemporal que necesitaba este comic consiguiendo que sea uno de los comic mejor dibujados que he leído este año.
Aunque el comic de Spirit se vendió muy bien en USA y Cooke a priori tenía historias para al menos dos años, finalmente la etapa terminó antes de tiempo al realizar DC una reestructuración editorial, despidiendo al editor de la serie y a J. Bone, lo que hizo que Cooke se marchara también. El comics, con otros artistas, continuó siendo publicado hasta su cierre en el número 32, publicado en 2009.
Ejemplo de estos cambios tenemos los números 7 y 13, publicados en el segundo volumen en los que tenemos un grupo de historias cortas realizados por autores de primer nivel como Walter Simonson y Chris Sprouse, Kyle Bake, Gail Simone y Phil Hester, Jordi Bernet o Eduado Risso. Unas historias que están correctas, al tratarse de historias de 8 páginas en las que poco se puede hacer.
Para un fan de Darwyn Cooke como yo, era un pecado no tener su etapa en The Spirit, y una vez leídos me parecen una maravilla de narrativa y estilo. 100% recomendable!!
PUNTUACIÓN: 8/10
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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
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