Gracias a un regalo de amigo invisible he podido cumplir un debe literario, al leer por fin el primer volumen de la Saga de Geralt de Ribia de Andrzej Sapkowski, El último deseo, un libro super entretenido que explica la fama del autor con esta su obra más reconocida.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Geralt de Rivia, brujo y mutantes sobrehumano, se gana la vida como cazador de monstruos en una Tierra de magia y maravilla: con sus dos espadas al hombro –la de acero para hombres, y la de plata para bestias da cuenta de estriges, manticoras, grifos, vampiros, quimeras y lobisomes, pero sólo cuando amenazan la paz. Irónico, cínico, descreído y siempre errante, sus pasos lo llevan de pueblo en pueblo ofreciendo sus servicios, hallando las más de las veces que los auténticos monstruos se esconden bajo rostros humanos. En su camino Sorteará intrigas, elegir el mal menor, debatirá cuestiones de precio, hollará el confín del mundo y realizar su último deseo: así comienzan las aventuras del brujo Geralt de Rivia. Andrzej Sapkowski es el gran renovado de la literatura fantástica de nuestros tiempos, Un genio del lenguaje y la caracterización cuya prosa ya ha hechicera a millones de lectores en todo el mundo.
Andrzej Sapkowski (Lodz, 1948) es economista de profesión. Habla algunos idiomas extranjeros. En los años 1972-94 era trabajador del comercio exterior. En el año 1986 publicó su primero cuento El brujo (Wiedzmin) en un periódico polaco «Fantastyka». Dos años después fue elegido el mejor autor de cuentos polacos de fantasía en este periódico. Además Andrzej Sapkowski es el autor de tres colecciones de cuentos con el brujo Geralt: El brujo (Wiedzmin), La espada del destino (Miecz przeznaczenia) y El último deseo (Ostatnie zyczenia) así como de una saga de cinco libros: La sangre de los elfos (Krew elfow), El tiempo del desdén (Czas pogardy), Bautismo de fuego (Chrzest ognia), La torre de la golondrina (Wieza Jaskolki) y La dama del lago (Pani jeziora).
Leer El último deseo después de ver la primera temporada de The Witcher en Netflix ha sido una experiencia diferente, dado que muchos de los cuentos incluidos en este primer volumen fueron incluidos en la serie de televisión. De hecho, cinco de los seis relatos tuvieron adaptación: El brujo, El mal menor, Cuestión de precio, El confín del mundo y El último deseo que da nombre al libro. Por contra, La semilla de la verdad, inspirada en el clásico cuento de La Bella y la Bestia, fue la única historia que tendremos que esperar para ver en una próxima temporada televisiva. Esto me permite apreciar las diferencias entre medios y lo que fueron las ideas originales.
No había leído nada de Sapkowski antes, y me ha gustado este primer volumen. Sapkowski, de origen polaco, se inspira en los cuentos populares centro europeos, añadiendo un punto de vista un tanto cínico, al mostrar que los humanos son probablemente peores que los monstruos a los que Geralt caza de pueblo en pueblo.
Los cuentos son historias cortas de entre 26 a 50 páginas y me gusta que vayan al grano y sean super directas. Y no busca dar una filosofía profunda, sino contar una historia antes que nada entretenida, colando eso sí un mensaje subversivo frente a las historias de los cuentos originales. En muchos casos solían ser historias de advertencia para los jóvenes de las cosas que NO debían hacer para seguir con vida en la dura vida medieval, y que solían resumirse en hacer caso a los mayores y a la autoridad. Sin embargo, en este mundo, los poderosos usan a la gente de peones que sacrificar para conseguir sus propios objetivos y no buscan el beneficio del pueblo. Igual que en el mundo real, vamos.
El personaje de Geralt sigue siendo en gran medida un misterio. El brujo fue raptado de niño y objeto de unos experimentos maléficos que le alejaron de la raza humana, convirtiéndole en algo diferente. Y esta cualidad de outsider y de no adscribirse a ningún grupo, reino o religión le convierte en el protagonista perfecto para realizar esta crítica. Además, su naturaleza amoral también le sirve a Sapkowski para poner el foco en la figura del perfecto héroe de la literatura fantástica, alguien que no existiría en el mundo real.
Me he leído este libro casi de un tirón en dos días y me ha dejado de más aventuras del Brujo. A ver si antes que Netflix estrene su segunda temporada puedo al menos leerme un par de libros más y adelanto la historia. De hecho, dentro que me ha gustado esta primera novela, siento que apenas he rascado en la superficie de este mundo fantástico, y tengo ganas de hacerlo.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
¿Habéis leído este libro, sois fan del brujo? Espero vuestros comentarios. Y si te gustó este post, te agradezco que lo compartas en las redes sociales y que te suscribas para recibir en tu correo mis próximas publicaciones.
Prime Video ha estrenado Sound of metal, película de Darius Marder sobre el mundo de la sordera que cuenta con un impresionante Riz Ahmed como protagonista que apunta al Oscar a Mejor Actor de este año.
PUNTUACIÓN: 8/10
Narra la historia de un joven batería de una banda de música que comienza a perder la audición.
El director Darius Marder escribió también el guión junto a su hermano Abraham a partir de una historia suya y de Derek Cianfrance. Cuenta con música de Abraham Marder y Nicola Becker, fotografía de Daniel Bouquet y montaje de Mikkel E.G. Nielsen. La película fue estrena en Septiembre en el Festival Internacional de Toronto, siendo estrena por Prime Video a nivel mundial a primeros de diciembre.
Sound of metal ha significado la aclamación unánime de Riz Ahmed en su papel protagonista del batería Ruben Stone que pierde la audición. Con permiso de Anthony Hopkins, diría que ya tenemos ganador del Oscar de este año, ya que su interpretación es realmente soberbia y sirve para poner de relevancia el mundo de las personas sordas.
La película cuenta también con Olivia Cooke como Lou, la compañera de banda de Ruben y amante. Joe Raci interpreta a Joe, una persona sorda que enseñara a Ruben a vivir con su discapacidad, Lauren Ridloff como Diana, una educadora sorda que trabaja con niños y Mathieu Almaric como el padre de Lou, Richard Berger.
Sound of Metal es una excelente película que te mete en el mundo de las personas sordas. El gran triunfo de la película viene de la interpretación de Riz Ahmed. Ahmed aprendió a tocar la batería, a pesar de realizar prácticamente el solo inicial, y el idioma de signos para sordos, realizando la que posiblemente vaya a ser la interpretación de su carrera. Duranta la película le vemos pasar por varias etapas hasta que aprende a vivir con su discapacidad: Negación, ira, autocompasión, indiferencia, aceptación, ¿felicidad? Y todas estas etapas se transmiten con muy pocos detalles, pero muy bien realizados por Ahmed de forma super minimalista, destacando el mensaje principal de la película: cuando sufrimos un cambio en nuestra vida de este calibre, ante ello sólo cabe aceptarlo y no aferrarse a un pasado que ya no volverá para poder empezar a ser feliz con lo que tienes en el presente.
Otro elemento destacadísimo de la película es su edición de sonido, que ayuda a meterte de lleno en lo que debe sentir una persona sorda cuando empieza a no oír o a hacerlo con dificultad, así como el atronador silencio en el que transcurre su vida que hay que asumir para poder seguir adelante. Gran parte del éxito narrativo es gracias a este elemento, y ayudó a meterme en la película de principio a fin.
El resto del reparto lo hacen todos también bien y cumplen con lo que la historia les pide, ayudando cada uno a mostrar un aspecto del mundo de la sordera. Una realidad que es mostrada en positivo pero sin edulcorar la realidad, partiendo que Ruben aprende a vivir en un mundo sin sonidos en un centro de sordos que son ex adictos al alcohol o a las drogas, lo que muestra un problema evidente en esta comunidad, y es el ahogar en el alcohol la soledad y el rechazo de su mundo.
En este sentido, debo reconocer que tras ver la película dentro que todo me había gustado y encontraba que Ruben era un gran personaje, sin embargo me pareció que no realiza ni le pasa nada especialmente interesante durante los 100 minutos de narración. Me doy cuenta que yo soy un espectador que prefiero las películas de historia más que las evocadoras o expresivas. Pero Sound of metal no va de eso, es un «slice-of-life» para ver como el protagonista cambia poco a poco hasta asumir su nueva realidad. La vida real no tiene grandes cliffhangers, es normal que Ruben tampoco los tenga, y sin embargo su aceptación final supone un final emocionante a esta historia.
Comparto el trailer de la película:
Soud of metal me parece una película notable que triunfa en aquello que se proponía, poner de relevancia el mundo de las personas con sordera y como salen adelante a pesar de esta discapacidad. Una película super recomendable teniendo en cuenta que está disponible en Prime Video.
PUNTUACIÓN: 8/10
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La tercera temporada de Cobra Kai recién estrenada es Netflix ha sido un chute ochentero bestial y un viaje a la nostalgia de LAS películas clásicas de Karate Kid de la mejor manera posible, que además ha mirado hacia el futuro ofreciendo un buen cierre a varios de los argumentos principales de la serie.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
Cobra Kai está ambientada 34 años después de la película original de Karate Kid, reexaminando la narrativa desde el punto de vista de Johnny Lawrence (William Zabka), y su decisión de reabrir el dojo de karate Cobra Kai que lleva a reavivar su antigua rivalidad con Daniel LaRusso (Ralph Macchio).
La tercera temporada arranca dos semanas después de la monumental pelea en el instituto en la que Miguel Díaz (Xolo Maridueña) quedó gravemente herido al final de la segunda temporada. La comunidad de All-Valley todavía está conmocionada al enfrentarse a las consecuencias. Robby Keene (Tanner Buchanan), responsable de la caída de Miguel, ha huido para escapar de la policía, mientras Samantha LaRusso (Mary Mouser), la hija de Daniel tiene ataques de pánico recordando su pelea con Tory (Peyton List) y las heridas de Miguel. Por su parte, Johnny, padre de Robby y sensei de Miguel, se siente responsable de todo, momento que fue aprovechado por su sensei John Kreese (Martin Kove) para hacerse con el control del dojo Cobra Kai.
Cobra Kai fue para mi la gran sorpresa televisiva de 2019. La serie, creada por Josh Heald, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg, basándose en los personajes de las películas clásicas de los años 80 creados por Robert Mark Kamen, fue producida por Youtube Red, el fracasado canal con contenidos propios de pago que intentó lanzar Youtube entre 2018 y 2019. Y como era de esperar, no funcionó porque muy poca gente se suscribió por un único contenido. La espectacular primera temporada fue estrenada en mayo de 2018 mientras que la segunda lo hizo en abril de 2019, menos de un año después de la primera, confirmando el interés que existía por la serie gracias a su original idea de mostrar la historia desde el punto de vista del «malo» de la primera película. Aunque la Youtube confirmó en su día la tercera temporada, finalmente Netflix se hizo con los derechos de la serie y la emisión de las dos primeras temporadas fueron uno de los grandes éxitos de 2020 para la cadena de streaming.
Para esta tercera temporada, sus creadores Josh Heald, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg escriben todos los guiones y dirigen la mayoría de los 10 episodios de que consta esta temporada, que vuelve a contar con música de Leo Birenberg y Zach Robinson.
Entrando a comentar la serie y para que no quede ninguna duda, me ha encantado esta tercera temporada, y me ha dejado muy arriba. Y eso a pesar de un par de detalles que no me han acabado de cuadrar, que luego comentaré también.
Empezando por lo fundamental, el concepto de Cobra Kai en contraste con Karate Kid me parece brillante. En esta tercera temporada me flipa como vemos cómo los actos de la pasada emporada tienen consecuencias y los que los han provocado deben pagar el precio. Precio que no siempre es físico, sino que en muchos casos es psicológico. El corazón de la serie siempre ha sido el contraste y la enemistad de Johnny y Daniel, pero consigue un buen equilibrio entre los adultos y los jóvenes adolescentes, con los dramas a los que ellos también tendrán que enfrentarse.
Los chavales adolescentes me parecen bien construidos con interesantes matices que les sitúan en territorios grises, alejándoles de los obvios «buenos y malos», cosa que me encanta. Personajes como Robby o Tory han sufrido una vida dura y sin ayudas y entiendes que lleguen a tomar las decisiones que toman, aunque obviamente son justo esas elecciones las que marcan la diferencia, ya que una vida dura no justifica la comisión de delitos ni ser un chungo.
Hay matices para todos excepto obviamente para el psicópata de John Kreese, que ese sí es un villano puro. Pero incluso para Kreese, la serie en esta temporada se detiene a mostrarnos su pasado como joven idealista que fue a Vietnam buscando servir a su patria y ser un héroe que volvió traumatizado y con el convencimiento que el «matar o morir» debía ser llevado a la práctica en todos los momentos de la vida. Esta parte de la historia no evita que siga siendo un villano de la peor calaña, pero le humaniza de forma interesante.
Pero no nos engañemos, los grandes protagonistas son Johnny Lawrence y Daniel LaRusso, y en esta temporada hay un porrón de momentazos para su lucimiento que me han flipado, ya sea cuando ellos interactúan en estos episodios, como en los momentos en que sus caminos se separan. El drama que vive Johnny justo cuando intentó hacer el bien y ve que Miguel pagó el precio lo viví como si me hubieran pegado a mi un bofetón en toda la cara. Por suerte, después de todos los malos momentos que sufre en esta temporada, el climax de esta temporada me parece bestial y sirve para reivindicarle después de todos estos años.
Por su parte, Daniel LaRusso continúa en esta temporada con su homenaje a las películas previas conectando su historia actual con las tramas de las tres películas clásicas de 1984, 1986 y 1989 de una forma que no esperaba y que me emocionó un montón. Lo reconozco, un adulto que pasa ampliamente de los 40 emocionado al borde de la lágrima viva por una serie de televisión que recuerda una película de hace 30 años no se si en muy normal, pero me devolvió a mi adolescencia y juventud de la mejor manera posible, usando personajes que jamás esperé. Que grandes. Esta revisión y homenaje a la historia previa para construir a partir de ella me parece brillante y se me queda a un cercano segundo puesto respecto el histórico momento que The Mandalorian nos hizo vivir hace apenas unas semanas.
Reconozco además que al anunciar Netflix el estreno de esta tercera temporada que había aprobado la cuarta me entró un poco de canguelo pensando que Netflix pudiera plantear alargar artificialmente una trama que no daba tanto de si. Tras ver la temporada completo, me alegro poder decir que no es el caso. Pasan un montón de cosas durante los 10 episodios y no tuve la sensación de más de lo mismo (excepto en algún momento puntual que luego comentaré), todo aporta y suma al crecimiento emocional de los personajes, y el climax es un momentazo que hace justicia tanto a Johnny como a Daniel, consiguiendo un buenísimo cierre a su enemistad de 30 años. En ese sentido, la existencia de una cuarta temporada no se ve forzada y lo que suceda se mostrará con matices diferentes a los vistos hasta ahora, dado que el capítulo fundamental de la serie se ha visto satisfactoriamente cerrado con este final.
Otro detalle interesante de Cobra Kai es la forma en que son mostradas las artes marciales. Cobra Kai, al igual que Karate Kid, muestra el karate desde un punto de vista realista alejado de las flipadas videocliperas. Además, hay que tener en cuenta que Martin Kove tiene ¡74 años!, unido a unos Ralph Macchio y William Zabka de 59 y 55 años respectivamente. Esto hace que no puedan hacer determinadas cosas, al igual que les pasa a los chavales adolescentes, que se encuentran en fase de aprendizaje, por lo que la posibilidad de plantear escenas a lo John Woo no funcionaría en ningún caso. Dicho esto, las escenas de acción de Macchio y Zabka creo que están muy bien rodadas y no piensas en ellos como en los señores mayores que son. Y a la vez, aunque globalmente diría que hay menos acción que en la segunda temporada, los guionistas se lo guardan todo para un climax y una batalla final que consigue superar el nivel de la temporada anterior y que me parece una chulada.
Como véis, esta tercera temporada me ha flipado. Sin embargo, hay algunas cosas que no me han cuadrado mientras veía la serie y que hicieron que se empezaran a ver las «costuras» narrativas. El primero y más problemático, es que tras unos primeros episodios super dramáticos en los que Johnny se hunde en la bebida y la autocompasión al hacerse responsable de pelea que hirió a Miguel, que me llegaron al corazón, una vez empieza la rehabilitación de Miguel, Johnny es usado de nuevo como recurso cómico al mostrarle como un bruto que no se ha adaptado al mundo moderno. Momentos como la creación de su perfil de Facebook me parecieron un poco bochornosos. Y entiendo que tiene que haber un equilibrio entre el drama de la comedia, y Johnny ha sido durante toda la serie el hombre anclado en los 80, pero tras tanto sufrimiento, este humor a su costa al menos a mi no me hizo ni pizca de gracia. Suerte que en el último episodio tiene ocasión de desquitarse y la serie le da el momento de gloria que todos llevábamos tiempo esperando.
El segundo detalle que me parece un recurso narrativo de párvulos es la forma en que hacen que los matones de Cobra Kai aterroricen el instituto mientras Sam y el resto de alumnos del Miyagi-Do son vistos como los violentos. Entiendo también el sentido narrativo para hacer que la tensión entre los dos grupos vaya escalando, pero creo que en este aspecto los guionistas fueron bastante obvios y deberían haberse esforzado por buscar conseguir este efecto de una forma tan burda.
Y por último, yo veo la serie en V.O. subtitulada y se produjo un detalle curioso (y un poco chungo) durante la emisión, ya que en varios momentos emocionantes, los subtítulos indicaban justo antes de ese momento «música emotiva», y cuando la música empezaba a sonar sonaba como un pegote puesto de repente en una escena que hasta ese momento no había tenido música, buscando amplificar de forma burda una emoción que la escena ya la tenía sin necesidad de esta música mal escogida y peor insertada en la escena. No se si me hubiera dado cuenta de esto de forma tan clara sin los subtítulos que lo anunciaban, pero una vez empecé a verlo, cada vez que volvía a salir el subtítulo me mataba parte de la emoción del momento, al quitarme la sorpresa y mostrarme la parte de emoción forzada.
En todo caso, estos son tres detalles menores teniendo en cuenta el enorme disfrute que estos tres episodios me han ofrecido. De forma que no puedo más que recomendar a todo el mundo esta serie, que creo que gustará a los «carrozas» fans de las películas clásicas, y también a nuestros hijos que no las conocían de nada antes de ver la serie por primera vez.
Por cierto, he llegado al final de la crítica y he conseguido NO hablar de la aparición estelar de ESE personaje que llevábamos tres temporadas esperando y que ofrece unos minutos que son oro puro y otro excelente cierre emocional para Cobra Kai. En serio, no te puedes perder esta serie, ¿qué haces que no empiezas ya a verla?
Comparto el trailer de esta tercera temporada:
La tercera temporada de Cobra Kai no podía haber sido mejor. Un chutazo de optimismo ochentero presentado de la mejor manera posible que me ha deja con unas ganas tremendas de poder ver la que espero sea la temporada final. Espero que no tarden mucho en anunciarla.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
¿Ya has visto esta serie? No puedo recomendártela más efusivamente. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.
Había mucha expectación por leer Sentient, el comic de ciencia ficción creado por Jeff Lemire y Gabriel Hernández Walta que Panini ha publicado recientemente. Comparto mis impresiones de este volumen.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Un cómic a cargo de los ganadores del Premio Eisner Jeff Lemire (Black Hammer) y Gabriel Hernández-Walta (La Visión). Bienvenidos al SS Montgomery. Después de que un ataque aniquile a cada adulto a bordo de esta colonia espacial, Valerie, la inteligencia artificial a cargo de la nave, debe proteger a los niños supervivientes. Mientras son perseguidos por peligrosas fuerzas, ¿superará Valerie su programación y se convertirá en una salvadora para los niños?
Sentient es el segundo comic de la editorial americana TKO publicado en España por Panini tras el espectacular lanzamiento de Sara de Garth Ennis y Steve Epting el mes pasado. Este tomo recoge los 6 números americanos de esta historia de ciencia ficción espacial, con una premisa interesante que hace que el comic se venda solo. ¿Qué pasaría si un grupo de niños se quedaran solos en una nave espacial con la única ayuda de la inteligencia artificial de la nave?
Hay que reconocer que el gran atractivo de este comic es el espectacular apartado artístico de Gabriel Hernández Walta, que en esta obra hace funciones de autor completo encargándose de lápices, tintas y colores. Y la verdad es que el resultado no puede ser mejor. Hernández Walta crea un ecosistema dentro de la nave que luce totalmente realista y que me hizo creer que este tipo de naves podrían existir en un futuro. Los niños y los adultos se sienten también personas reales con diferentes complexiones y figuras, lo que hace que todo el drama posterior consiga impactar. Además, opta por una paleta de tonos apagados de marrones y grises que me transmitió el sentimiento depresivo y dramático que estoy seguro que los autores buscaban, con una historia que además se desarrolla con un ritmo pausado, sólo interrumpido con varios destellos de intensidad y dramatismo. Globalmente, Hernández brilla a gran altura confirma una vez más lo buen narrador que es y cómo es un artista todo terreno.
Sobre el guión de Lemire, el autor canadiense opta en Sentient por contar una historia pequeña dentro de un gran marco de ciencia ficción, en un mundo futurista en el que la Tierra está al borde del colapso y mientras sus habitantes intentan escapar del planeta en las colonias un grupo terrorista separatista está cometiendo atentados contra los colonos. Este argumento hubiera dado para mucho, pero es únicamente empleado como lienzo para situar el viaje de los niños por el espacio. El foco no está en la geopolítica sino en la superviviencia de esta pequeña nave que no es decisiva para nadie excepto para ellos mismos.
Este tono “intimista” por así llamarlo es una de las señas de identidad de Lemire y claramente en Sentient ha creado una historia a su medida. Sin embargo, al final es precisamente esta cualidad la que ha provocado que la historia, una vez leída en su totalidad me haya resultado… ¿intrascendente? A ver, que no se me malinterprete, Sentient es un buen comic, pero no he podido conectar con ninguno de los niños y sin spoilear nada, pero el final es también un poco chof! , de forma que me dejó la sensación de haber leído una historia bastante simple a la que le ha faltado algo para realmente dejar un poso en el lector.
Quizá también es posible que tuviera tantas ganas de leer un nuevo comic de Gabriel Hernández Walta que el hype me haya gastado una mala pasada, pero no puedo evitar haberme quedado con una cierta sensación de decepción a pesar del estupendísimo dibujo de Walta.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Y tu, ¿has leído este comic, qué te pareció? ¡Espero tus comentarios!!! Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.
Me llena de alegría poder empezar el año 2021 en lo referido al mundo del comic con una novela gráfica que tengo claro que va a estar seguro en mi lista de los mejores comics del año: Reckless, la primera de una serie de Novelas Gráficas creadas por el equipo super estrella de Ed Brubaker y Sean Phillips, presentando a su nuevo personaje Ethan Reckless.
PUNTUACIÓN: 9/10
Sexo, drogas y asesinatos en Los Ángeles de la década de 1980, y la mejor presentación de un nuevo héroe en la tradición de las clásicas novelas pulp desde The Punisher o Jack Reacher.
ED BRUBAKER y SEAN PHILLIPS, los maestros modernos del comic de género negro, nos traen lo último que nadie esperaba de ellos: un buen tipo. Una nueva y audaz serie de novelas gráficas originales, con tres libros que se lanzarán durante el próximo año, cada uno una historia completa que se destaca por sí misma. Conoce a Ethan Reckless: tu problema es asunto suyo, por el precio justo. Pero cuando un fugitivo de sus días de estudiante radical busca ayuda, Ethan debe enfrentarse a lo único que teme … su propio pasado.
Oh boy!! No sabéis lo feliz que me hizo recibir el aviso que esta novela gráfica me iba a llegar el 30 de diciembre, apenas un día antes que el terrible 2020 llegara a su fin. Compré Reckless en preventa y cuando no me llegaba ninguna confirmación del envío, me estaba temiendo que no me fuera a llegar hasta después de fiestas. Por suerte, no ha sido así, y he tenido el mejor auto regalo de final de año que podía desear.
Reconozco que soy muy fan de Brubaker y Phillips y que me tienen ganado de inicio. Dicho esto, debo decir que esta novela gráfica ha estado a la altura del hype que tenía con esta nueva propuesta. Una propuesta que resulta original en muchos aspectos, empezando con la propia ambición detrás de su creación, ya que Brubaker y Phillips han querido imitar y rendir homenaje a las novelas baratas editadas en los años 50, 60 y 70 en formato trade-paperback con las que crecieron, que ofrecían aventuras autoconclusivas de un mismo protagonista, a veces detective, a veces tipo duro. Personajes como Parker o Jack Reacher nacieron de estas publicaciones que por su formato tienen también conexiones con las historias de James Bond y similares, que creaban unas aventuras serializadas en formato novela.
Tras el parón que el COVID provocó en la industria, que para Brubaker y Phillips supuso el retraso de 3 meses en la publicación de su excelente novela gráfica Pulp, estos autores aprovecharon el parón y la incertidumbre para poner en marcha su idea más ambiciosa hasta la fecha que ofrece una importante novedad para la industria. No sólo por el hecho de publicar su nueva obra directamente en formato de Novela Gráfica, saltándose el paso previo de la publicación en comic de grapa que posteriormente eran recopiladas en tomos, sino por la ambición de publicar 3 novelas gráficas de 144 páginas cada una en un periodo inferior a un año, para seguir transmitiendo la idea que siguen publicando periódicamente, aunque ya no a través de las grapas. De hecho, su segunda novela gráfica de Reckless: Friend of the Devil ya está finalizada y se publicará en abril. Por poner contexto este dato, publicar en un año 3 novelas gráficas supone producir más de 420 páginas en este periodo. Teniendo en cuenta que un comic de grapa en la actualidad cuenta con 20 páginas (en general), esto significaría que Brubaker y Phillips planean publicar el equivalente de 21 grapas en un año. Comparadlo con el 99% de dibujantes actuales que no puede estar más de 6 números seguidos en una serie sin necesitar un descanso y comprenderéis la escala de lo que están consiguiendo estos autores. Con el añadido que no son historias montoneras, sino lo mejor de lo mejor. ¡Qué bárbaros!!
Entrando en materia, Reckless transmite la sensación de unos artistas en estado de gracia que han encontrado el formato perfecto para desarrollar sus historias de la mejor manera posible. Ya comenté en mi crítica de Pulp que el formato de novela gráfica resultaba una liberación creativa para ambos, al saltarse las limitaciones narrativas de las grapas que obligan a un cliffhanger, una sorpresa cada 20 páginas. En este formato más largo cada escena puede desarrollarse a su propia velocidad y puede alargarse o acortarse según vean más interesante para la historia.
Como en otras obras previas, Brubaker plantea una historia contada en primera persona haciendo que sea Ethan Reckless (que traducido significa temerario, sin miedo) quien nos cuente su historia, que viene con un montón de sorpresas y giros super chulos. Además de contarnos lo justo para que empaticemos con él y que sintamos el carisma de un Steve McQueen o un Robert Redford en plenitud física, deja intencionadamente elementos ocultos para próximas historias, de forma que aunque esta historia es autoconclusiva y con un final satisfactorio, intuyes como lector que probablemente lo mejor aún esté por llegar. Hay muchos elementos que resultan familiares, empezando por el propio feeling de serie B que transmite el comic, pero Brubaker y Phillips consiguen combinarlos de forma original consiguiendo una lectura que atrapa desde el minuto uno y se siente como algo original y propio que solo estos dos autores podrían haber creado.
Además, la historia tiene un sabor añejo de investigación detectivesca en la que las preguntas que se planteaban al comienzo no son las que acaba encontrando y las cosas acaban siendo mucho más complejas y a una escala mayor de lo que nadie hubiera podido imaginar. He leído algún comentario sobre que Bubaker escribe sin tomar verdaderos riesgos creativos calcando la fórmula del noir clásico que tan buenos resultados le está ofreciendo. Qué queréis que os diga, realmente eso me parece una chorrada, e incluso aún aceptando que el noir tiene una fórmula del éxito a la hora de escribir a sus protagonistas, cosa falsa para empezar porque si fuera así habría decenas de autores publicando comics noir y no es el caso, firmo ya mismo porque sigan muchos años ofreciéndome este más de lo mismo, porque es justo lo que me pide el cuerpo.
Sean Phillips también comenta que el formato ampliado de la novela gráfica ha provocado un torrente de creatividad y productividad, ya que todo el tiempo lo ha aprovechado para crear arte, mientras que con las grapas tiene que dibujar el comic, pensar y realizar la portada, estar pendiente de las pruebas de imprenta, el color, etc… es decir, realizando trabajo de editor más que de artista. Ahora no, ahora todo el tiempo lo emplea para pensar la narrativa y dibujarla, con lo que siente que es más productivo que nunca, con unos resultados además maravillosos, creando personajes icónicos que van a ser reconocibles durante largo tiempo y varios momentos temporales, y transmitiendo carisma casi en cada página. También hay que destacar la recreación del pasado que hace Phillips, en el que todo lo que aparece en la viñeta transmite realismo, empezando por el propio Los Ángeles de 1981.
Aprovecho para destacar también el espectacular trabajo de Jake Phillips en los colores. Reckless está ambientada en Los Angeles de 1981, pero el color de Jacob hace que tanto la historia que leemos como la propia edición transmita un feeling atemporal, que hace que aunque la historia, el formato y la edición sea con calidad y sensibilidad actual, sientes que podría haberse publicado hace 20 años. Y de igual forma, dentro de 20 años creo que lo seguiremos leyendo y no habrá envejecido. Los tonos pastel y los colores planos me encajan con Los Angeles de los 80, y aportan un plus de emoción mientras conocemos el origen de Ethan y él se involucra cada vez más en un caso que no son solo negocios.
Tengo ganas de comprar el primer volumen del comic que ha dibujado Jacob Phillips, That Texas Blood, junto al escritor Chris Condon, que a poco que sea la mitad de bueno que este comic, se que también lo voy a disfrutar un montón.
Si estáis esperando el pero, lo siento pero en este caso no lo váis a encontrar. Reckless me parece una historia con una personalidad bestial como sólo Brubaker y Phillips pueden ofrecer, que además se nota que nada en las mismas aguas que un montón de películas, series y personajes que hoy son historia del género negro. No me extrañaría que en pocos años, estas novelas gráficas lleguen a ser tan icónicas como la serie que Darwyn Cooke realizó del personaje de Parker antes de su muerte. La cosa pinta muy bien.
Comparto las primeras páginas de la novela gráfica que Ed brubaker publicó en su Newsletter a modo de preview. Si tras verlas no corréis a encargar esta novela gráfica, es que no tenéis corazón. HOLY S&%T !!! :
Reckless no podía empezar mejor. Pinta a que estamos ante un nuevo clásico instantáneo de una de las mejores parejas artísticas del mundo del comic americano mainstream. Imposible no comprarlo.
PUNTUACIÓN: 9/10
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¡Saludos a todos!
Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
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