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The Ultimates volumen 1 de Mark Millar y Brian Hitch #Reseñoviembre Día 29

The Ultimates de Mark Millar y Brian Hitch es uno de los grandes comic Marvel de los últimos años, por lo que no podía faltar en mis recomendaciones incluidas en mi #reseñoviembre .

#RESEÑOVIEMBRE Día 29: The Ultimates volumen 1 de Mark Millar y Brian Hitch

Guión: Mark Millar

Dibujo: Brian Hitch, con entintado de Andrew Currie y Paul Neary

Color: Paul Mounts

Primera publicación: The Ultimates 1-13(Marvel Comics 2002-2004)

Última Edición Española: Panini 2018

RESUMEN: Un adolescente escala muros en Manhattan. Los mutantes están atacando la Casa Blanca. Los tiempos están cambiando y Nick Fury, jefe de la agencia de espionaje de élite conocida como S.H.I.E.L.D., sabe que la única forma de combatir estas nuevas y extrañas amenazas es con un equipo de sus propios superhumanos. Respaldado por un presupuesto de mil millones de dólares, Fury recluta a Giant Man, The Wasp, Iron Man, Captain America y Thor. Y si bien el equipo es lo suficientemente fuerte como para entablar una feroz batalla con Hulk, ¿implosionarán bajo el peso de sus conflictos internos? Al elevarse por encima de sus propias agendas, los Ultimates siguen adelante con la introducción de nuevos aliados y enfrentan una gran amenaza global.

 

En este siglo XXI hay pocos comics realmente históricos, pero estos Ultimates de Millar y Hitch sin duda lo son. El Universo Ultimate iniciado con el carismático Ultimate Spiderman de Brian Michael Bendis yMark Bagley se planteó como una actualización de los mitos de Marvel para las nuevas generaciones, destilando las esencias que convirtieron a estos personajes en mitos modernos durante los 60 y 70.

En el caso de los Vengadores, Mark Millar conecta a los superhéroes con el mundo del espectáculo y el famoseo, convirtiéndoles en iconos pop como las estrellas de cine. Esta actualización planteada desde el realismo adapta en el primer arco la primera historia del comic en la que los héroes se reunieron para pelear contra Hulk, para lanzarse a un espectáculo de acción increíble en un segundo arco en los que los Chitauri lanzaron su ataque contra la Tierra, que sirvió de inspiración para la película de Joss Whedon.

El arte de Brian Hitch está a otro nivel. No se me ocurre otro comic comercial americano con un dibujo mejor. Si el calificativo “widescreen” se acuñó para sus Authority junto a Warren Ellis, en Ultimates elevó incluso más el nivel creando un nuevo standard de calidad comiquero. La narrativa está planteada desde un punto de visto cinematográfico y hace que Nueva York se convierta en un personaje más de este comic, con unos fondos bestiales. A destacar también como se inspiró en actores reales para crear a los pesonajes, creando una situación graciosísima al dibujar a un Mick Furia negro inspirado en Samuel L. Jackson que consiguió que años más tarde el propio Jackson hiciera de este personaje en el cine.

Volver a leer este comic ha sido una pasada, y solo veo que un elemento ha envejecido un poco más, y es la conexión con el mundo del espectáculo de 2000 con personajes como Freddie Prince Jr, actor que tuvo dos minutos de gloria a comienzo de los ochenta, y tiene una importancia poco entendible hoy en día.

Ante la pregunta ¿qué comic le recomiendo a alguien que no ha leído nunca tebeos?, muchas veces nos quedamos sin saber qué decir. The Ultimates es EL COMIC para regalar con toda tranquilidad a cualquier lector que quiera conocer porqué los comics Marvel son tan grandes e importantes.

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Pluto de Naoki Urasawa, #Reseñoviembre día 28

No soy lector de manga. No me acabo todo el comic americano y europeo que querría leer, así que meterme en el mundo del manga, un universo aún más ámplio y variado que los superhéroes, se me antoja misión imposible, en la mayoría de casos no sabría ni por donde empezar. Sí he comprado y disfrutado la obra de Katsuhiro Otomo (Akira), Kazuo Koike y Goseki Kojima (Lone Wolf & Cub), o del maestro Naoki Urasawa, cuya obra Pluto, inspirada en una historia de Astro Boy de Osamu Tezuka, me parece una de sus mejores y más accesibles obras.

#Reseñoviembre día 28 Pluto, de Naoki Urasawa

Autor: Naoki Urasawa, basado en el clásico mange de Osamu Tezuka

Coautor: Takashi Nagasaki

Primera Edición: Japón: 2003-2009

Edición Española: Planeta (2004-2010)

Obra completa en 8 tomos.

Resumen: En esta excelente nueva obra maestra, Urasawa recoge argumentos y personajes de otro genio del manga. Ni más ni menos que Osamu Tezuka y su creación Astro Boy. Urasawa rescata personajes de esa obra y crea una fascinante historia sobre emociones, relaciones y pensamientos. . . de los robots. Y de cómo ellos interactúan con los humanos, qué les mueven y, al final, qué los hace más humanos que nosotros mismos.

Aunque Pluto no es la obra más conocida de Urasawa, diría que Monster o 20th Century Boys ostentan ese galardón, sí me parece una de sus más accesibles teniendo en cuenta que estamos ante una obra completa recopilada en tan sólo 8 tomos, con una excelente premisa, un desarrollo que engancha y no te permite dejar de leer y un final perfecto.

Urasawa es uno de mis autores favoritos. Tiene la capacidad de crear personajes tridimensionales que transmiten una enorme paleta de emociones desde la primera página, además de crear historias complejas que se van desarrollando con un ritmo pausado desde lo más pequeño hasta crear una tensión en el que el destino del mundo está en juego.

Y esta historia de robots que son más humanos que las personas y sufren dolor y traumas tras una guerra en la que las bajas robóticas fueron catastróficas, crea el perfecto tapiz para desplegar toda su habilidad narrativa.

Aunque Astro Boy es el personaje más icónico del maestro Osama Tezuka, Urasawa le convierte en secundario en su propia historia. Gesicht, un robot inspector de la Europol veterano de la Gran Guerra de Persia, se convierte en el principal protagonista al tener que investigar la destrucción de varios robots que también sirvieron en la misma guerra, caso que conecta con el asesinato de personal humano que también estuvo desplazado en Persia.

Urasawa atrapa al lector desde la primera página, consiguiendo que cada robot nos importe y que nos emocionemos con su historia a partir de los detalles más minúsculos. Además, Pluto no solo nos habla de emociones, sino de los recuerdos y los traumas que conforman nuestra personalidad y se convierten en parte intrínseca de nuestro YO, sin los que el ser humano no sería él mismo.

Pluto es un excelente análisis de lo que nos hace ser humanos, elementos que valen también para los robots, pero también es una crítica muy clara hacia las mentiras de los Estados Unidos que provocaron la guerra de Irak, acusando al régimen de Baghdad de tener unas armas de destrucción masiva que nunca se encontraron porque no existían, algo reconocido años más tarde tras haber provocado decenas de miles de víctimas, la mayoría, población civil. Las víctimas de la guerra y su búsqueda de venganza, y como en muchas ocasiones es imposible pasar página y dejar atrás nuestro dolor, forma parte central de esta historia, que no importa las veces que la lea, siempre consigue emocionarme.

Pluto de Naoki Urasawa es un manga perfecto para nuevos lectores, pero también para fans veteranos del icónico Astro Boy. Una obra llena de emoción y personalidad que nadie debería perderse.

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¡Saludos a todos!

Thor: El Carnicero de Dioses, de Jason Aaron y Esad Ribic #Reseñoviembre día 27

Jason Aaron es uno de los grandes escritores de Marvel, y ahora que estamos a punto de leer el final de su sobresaliente etapa en Thor, creo que es buen momento para recordar el arco que lo empezó todo, el Carnicero de Dioses, junto al excelente Esad Ribic.

#Reseñoviembre día 27 Thor Dios del Trueno – El Carnicero de Dioses, de Jason Aaron y Esad Ribic

 

Guión: Jason Aaron.

Dibujo: Esad Ribic (números 1-5, 7-11), Butch Guice (número 6)

Entintado: Tom Palmer (6)

Color: Ive Svorcina y Dean White (1)

Primera Publicación: Thor, God of Thunder 1-11 (Marvel Comics 2013)

Última edición española: Thor de Jason Aaron 1, Marvel Now! Deluxe (abril 2018)

Resumen: ¡Comienza la más aclamada etapa actual de Thor! A lo largo de los siglos, los dioses han estado desapareciendo, lo que condena al caos a sus adoradores. Ahora, Thor sigue el rastro de sangre que amenaza con consumir su pasado, presente y futuro.

Jason Aaron va a ser recordado como uno de los más grandes escritores del Dios del Trueno, codo a codo con el propio Stan lee y con Walt Simonson. Han sido siete años alucinantes en los que la ÉPICA adquirió un nuevo significado en una página de comic, y todo empezó aquí, en el primer arco enfrentado a Gorr, el Carnicero de Dioses.

Uno de los grandes aciertos de Aaron es presentar a Thor Odinson en tres momentos temporales diferentes: En el año 893 D.C. Es un joven y orgulloso Thor más pendiente de las luchas y de las fiestas que de ser un verdadero héroe digno de levantar a Mjolnir; En el presente, con un Thor en la cúspide de su poder aunque albergando dudas sobre su valía, y en el final del tiempo un anciano Rey Thor es el último superviviente de su linaje. Estos tres Thors permitirán a Aaron mostrarnos qué es lo que convierte a un guerrero en un héroe, y la amenaza más grande que la vida de Gorr ofrece momentazos increíbles durante estos 11 números.

Precisamente, toda la etapa de Aaron gira en las cuestiones que Gorr presenta en este tomo, al afirmar que el egoismo de los dioses, más pendientes de su propio interés que de ayudar a sus fieles, no les hace dignos de la adoración sino de la muerte. Y Thor es un gran héroe y el más DIGNO de los dioses precisamente porque no está seguro de su valía y se esfuerza día a día para ayudar a la gente poniendo su seguridad por encima de la suya. Eso es ser un héroe, y Thor tendrá un duro camino que recorrer en los siguientes años hasta recordarlo de nuevo.

Si el guión de Aaron es excelente, el dibujo de Esad Ribic está también a otro nivel. Ribic propone páginas con reminiscencias a las grandes epopeyas y los grandes mitos. La épica de Aaron encuentra en Ribic a su perfecto partner-in-crime y ofrecen en cada número un montón de momentazos que quedaron grabados en mi cerebro. En toda esta larga etapa, tan solo Russell Dauterman podría disputarle a Ribic el Trono del Trueno.

Thor Dios del Trueno resume el porqué nos enamoramos de los comics Marvel cuando éramos niños y seguimos enganchados. Personajes carismáticos, acción más grande que la vida, personalidad y aventura en cada página.

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¡Saludos a todos!

Black Science volume 9; No authority but yourself, de Rick Remender y Matteo Scalera #Reseñoviembre día 26

Los comics de superhéroes nos han mal acostumbrado a años de historias sin fin. Por eso, aún hay veces que se me hace raro pensar que un comic termina porque alcanzó el final previsto por sus autores.Y en este caso, debo reconocer que el final de Black Science me ha resultado triste, inesperado y un poco deprimente. Quizá por eso mismo sea perfecto.

#Reseñoviembre día 26 Black Science volume 9; No authority but yourself, de Rick Remender y Matteo Scalera

Guión: Rick Remender

Dibujo: Matteo Scalera

Color: Moreno Dinisio

Fecha publicación USA: Image Comics (Noviembre 2019)

Resumen: A veces nuestras vidas se reducen a un momento, una elección. Llega el momento de la verdad para Grant McKay. La Liga Anarquista de Científicos se lanza para una aventura final al llevar Rick Remender y Matteo Scalera su épica obra magma de ciencia ficción a un final alucinante. Este noveno y último tomo recopila los números 39 a 43 de la serie regular.

Rick Remender es uno de mis autores favoritos del mundo independiente, con obras geniales como Fear Agent o Last days of american crime, aunque reconozco que le conocí gracias a sus excelentes etapas en Marvel Comics en series como Uncanny X-Force, Capitán América o Uncanny Avengers.

Tras unos años en Marvel, Remender decidió centrarse únicamente en los comics de creación propia, abandonando el “work-for-hire”. Fruto de esta decisión nacieron comics como Deadly Class, Low, Seven to Eternity, Tokyo Ghost o la obra que nos ocupa, Black Science. Algunas de sus señas de identidad como escritor en sus obras de creación propia pasan por crear historias planteadas siempre desde una acción non-stop pero con un centro moral construido alrededor de unos protagonistas rotos que deben dejar atrás su dolor y sus errores del pasado para evolucionar y mejorar como seres humanos.

Esto es una constante en la mayoría de las series antes mencionadas y en el caso de Black Science, la serie se plantea alrededor de una gran pregunta: “¿Podemos aprender de nuestros errores y cambiar o estamos destinados a seguir repitiéndolos una y otra vez?”. Y, al menos en esta obra, para Remender nosotros y nuestro orgullo somos nuestros peores enemigos.

Remender ha reconocido haber sufrido etapas de depresión que se han reflejado en muchas de estas obras, que transmiten un punto de vita cínico y negativo hacia el ser humano. Esto llegó a un punto que leer a la vez sus comics mensuales (esta Black Science, Deadly Class, Low y Tokyo Ghost se solaparon durante meses) me dejaba super tocado. Y aunque el final de esta serie me ha parecido perfecto y visto lo visto, casi el único posible, nos ha devuelto al Remender más negativo y nihilista.

En el apartado artístico, Matteo Scalera junto a Moreno Dinisio son unos narradores excepcionales que han triunfado en las escenas de acción y en la creación de mundos y seres alienígenas. Para este cierre centrado en la psicología del protagonista Grant McKay, consiguen que nos emocionemos en muchos momentos. Hubieron momentos durante estos 43 números que su estilo cartoon y sus facciones exageradas (esas narices…) restaban algo de dramatismo, pero no es el caso en este último tomo, que ofrece la aventura y emoción justa para que el final estuviera a la altura de las expectativas.

Black Science ha sido una montaña rusa de aventuras y emociones, y ha tenido un final perfecto y satisfactorio, que convierten este comic en lectura obligada para todos los amantes de la ciencia ficción centrada en los personajes.

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Oblivion Song volume 3, de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici #Reseñoviembre día 25

Robert Kirkman es uno de los grandes nombres del panorama comiquero americano. Aunque el final de sus sobresalientes series The Walking Dead e Invencible nos dejó un poco huérfanos, su nueva serie Oblivion Song ofrece una nueva vuelta de tuerca al género de la ciencia ficción en su vertiente «survival» y de exploración de mundos alienígenas.

#Reseñoviembre día 25 Oblivion Song volume 3 de Robert Kirkman y Lorenzo de Felici

Guión: Robert Kirkman 

Dibujo: Lorenzo de Felici

Color: Annalisa Leoni

Primera Publicación: Image Comics (octubre 2019)

Resumen: Hace una década, 300.000 personas de Filadelfia fueron transportados repentinamente a Oblivion. Nathan Cole arriesgó su vida y su libertad para salvarlos. Ahora, tras ser liberado de prisión, Nathan descubrirá que una nueva organización ha continuado su trabajo en Oblivion con gran éxito. Cuando los Hombres Sin Rostro salgan a la luz y empiecen a tomar prisioneros, Nathan y su hermano Ed deberán reunirse para luchar por el futuro de dos mundos. Este tomo recopila los números 13 a 18 de la serie regular publicada por Image Comics.

Oblivion es un estupendo comic de ciencia ficción que plantea como cambia la humanidad a partir de un evento que cambia irremediablemente el mundo. La apertura accidental de un portal dimensional hasta Oblivion trasladó a miles de personas a un ecosistema alienígena poblado por seres aterradores. Robert Kirkman plantea esta historia como una montaña rusa de aventuras, emociones y sorpresas, partiendo por el misterio de lo que realmente sucedió para que el portal a Oblivion pudiera abrirse. Sin embargo, una parte fundamental del éxito de este comic radica en mostrar cómo afrontan los supervivientes de Filadelfia el haber sobrevivido cuando muchos seres querido no lo hicieron. Y por otro lado, ver como incluso en los mundos más peligrosos, la raza humana es capaz de salir adelante.

Kirkman es un escritor bestial que entiende perfectamente el medio en el que trabaja. Una de las cosas geniales de Kirkman es que esta Oblivion Song tiene algún detalle que te recuerda a otras obras suyas o clásicas de la ciencia ficción, pero el resultado final siempre es original y jamás te da la sensación de “esto ya lo he leído antes, ya se por donde va a tirar”. Lo cual, en este mundo actual en el que parece que ya lo hemos visto y leído todo, es un gran punto a su favor y a favor de este comic.

Tras los dos primeros tomos en los que presentó la premisa principal y a sus protagonistas (puedes leer mis reseñas aquí y aquí), en este tercero vuelve a agitar el avispero y hace que todo cambie y se haga aún más peligroso e interesante. Cada número es importante, pasan un montón de cosas y dejan al lector con unos cliffhangers excelentes. Y leído el tomo de un tirón, ves que la historia ha evolucionado hacia terrenos inexplorados que la convierten en lectura obligada.

En el apartado artístico, me encanta Lorenzo de Felici con colores de Annalisa Leoni. De Felici es genial dibujando los momentos íntimos de los personajes y transmitiendo todo su sufrimiento interior, pero triunfa aún más en la construcción del mundo alienígena de Oblivion, un mundo con un ecosistema diferente a cualquier cosa terráqueo con unos seres también terroríficos y diferentes. Además, sus lápices son super claros y permiten que siempre esté claro lo que está pasando en cada vieta. Los colores de Leoni ayudan a que la transición de la Tierra a Oblivion sea aún mas acusado y realiza también muy buen trabajo estableciendo el feeling alienígena.

Oblivion Song continúa ofreciendo un estupendo entretenimiento y es un comic imprescindible para los amantes de la ciencia ficción.

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