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Crítica de Licorice Pizza de Paul Thomas Anderson

La nueva película de Paul Thomas Anderson Licorice Pizza plantea un interesante intento de recrear la vida en Los Angeles en los años 70 y la alegría de vivir que sólo se tiene cuando se es joven.

PUNTUACIÓN: 7/10

Es la historia de Alana Kane y Gary Valentine, de cómo se conocen, pasan el tiempo juntos y acaban enamorándose en el Valle de San Fernando en 1973.

Paul Thomas Anderson (California, 1970) es un director, guionista y productor de cine estadounidense. Ha dirigido nueve largometrajes: Sydney (1996), Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), Embriagado de amor (2002), There Will Be Blood (2007), The Master (2012), Puro vicio (2014), Phantom Thread (2017) y Licorice Pizza (2021). Ha estado nominado a ocho premios Óscar por Phantom Thread (Mejor película, Mejor director), There Will Be Blood (Mejor director, Mejor película y Mejor guion adaptado), Inherent Vice (Mejor guion adaptado), Magnolia (Mejor guion original) y Boogie Noches (Mejor guion original); ha ganado una Palma de Oro del Festival de Cannes por Embriagado de amor, un Oso de Oro y un Oso de Plata a la mejor dirección del Festival internacional de Cine de Berlín y un León de Plata al mejor director del Festival internacional de Cine de Venecia.

Licorice Pizza ha sido aclamada por la crítica y ha recibido tres nominaciones para los Premios Óscar de este año: Mejor película, Mejor director, y Mejor guion original. También recibió tres premios del National Board of Review, incluida Mejor película, fue nombrada una de las mejores películas de 2021 por el American Film Institute, y ha recibido múltiples nominaciones en los Globo de Oro, los Premios de la Crítica Cinematográfica o los BAFTA.

Además de dirigir, Paul Thomas Anderson escribió además el guión de Licorice Pizza, cogiendo elementos reales de la vida de su amigo Gary Goetzman, actor y productor cofundador de la productora Playtone con el actor Tom Hanks, que añadió a su idea inicial de una historia de amor entre un estudiante y una mujer adulta. Anderson además también realizó las labores de director de fotografía junto a Michael Bauman.

La película de 133 minutos de duración cuenta con montaje de Andy Jurgensen y música de Jonny Greenwood de radio head, contando además con una maravillosa selección de canciones entre las que tenemos temas de Paul McCartney, The Doors, Nina Simone, David Bowie, Chuck Berry, Bing Crosby y muchos más.

Anderson ha contado con varios amigos suyos para varios papeles secundarios entre los que encontramos a los megaconocidos Sean Penn, Bradley Cooper o Tom Waits. Sin embargo, el gran descubrimiento lo suponen la pareja de actores protagonistas en la que supone sus primeros papeles protagonistas. Por un lado tenemos a Alana Haim como Alana Kane, una joven de 25 años que trabaja como asistenta de un fotógrafo que trabaja en el Valle de San Fernando en la California de 1973, que conocerá a Gary Valentine, interpretado por Cooper Hoffman, un adolescente de 15 años que trabaja como niño actor y que se enamora de Alana a primera vista.

Cooper Hoffman es el hijo del tristemente fallecido Philip Seymour Hoffman, amigo personal de Anderson, y cuando rodó esta su primera película en 2020 tenía tan sólo 17 años. También es interesante la historia de Alana Haim. Anderson es un gran amigo de sus padres y dirigió varios videos musicales de Haim, un grupo de música formado por ella y sus dos hermanas. De hecho, Anderson afirma que escribió a Alana pensando en ella, de ahí que mantuviera el nombre, y en la película participa también toda su familia, sus hermanas Este y Danielle y sus padres Mordechai y Donna. Cuando la película se rodó en 2020 Alana tenía 29 años, con lo que el contraste por la diferencia de edad de los protagonistas estaba asegurado.

Entrando en valorar la película, lo primero que hay que decir es que toda la información técnica que acabo de incluir en este post la he buscado después de ver la película, a la que llegué sin saber (casi) nada ni haber visto ningún trailer. De hecho, de lo único que me enteré a medias es que hubo cierta polémica en Estados Unidos al mostrar la película la relación de una mujer adulta con un menor de edad. Pero aparte de eso, no sabía nada.

Y el caso es que Licorice Pizza me ha sorprendido por su tono optimista, por estar ambientada en Los Angeles de 1973 y porque no es bajo ningún punto de vista una historia típica de amor. La historia no es un drama, ya que tiene un feel-good en todo momento que podría recordar a una nostalgia por un tiempo pasado que siempre fue mejor, algo muy en boga en el entretenimiento actual.

Como pieza histórica, Anderson realiza una recreación alucinante del mundo de 1973, incluyendo elementos de la vida real de la época como fue la crisis del petróleo que provocó escasez de gasolina durante bastante tiempo. La película además incluye a personas reales como el productor Jon Peters (Bradley Cooper) o personajes inspirados en personas reales como el actor William Holden (Sean Penn) o el director Mark Robson (Tom Waits). Otro detalle mucho chulo de la película que descubrí luego es que la imagen parecía “empañada” de alguna manera mientras veía la película, y resulta que Anderson empleó ópticas antiguas para que pareciera como si se hubiera grabado en 1973. Eso, unido a unas localizaciones reales, un vestuario y un diseño de producción perfecto y una estupenda música de la época (o que se escuchaba en la época) hace que como pieza histórica, la película funcione de maravilla.

En lo relativo a los protagonistas, me encanta el carisma y la personalidad que transmite Alana Haim en pantalla, para mi el verdadero descubrimiento de la película. Tengo que reconocer que Cooper Hoffman me resultó bastante repelente en su papel de listillo sabelotodo adolescente. De hecho, no me lo acababa de creer como un chaval de 15 años debido a que es una persona muy grande y aparente tiene muchos más años, aunque realmente me sorprendió al saber que tenía 17 años cuando rodó la película, por lo que realmente no era tan mayor.

Sin embargo, lo que si transmiten, y eso si se nota en pantalla, es que no son actores profesionales y no parece que actúen, sino que son ellos mismos en pantalla. Esta naturalidad de ellos y otros secundarios que son familia y amigos de Anderson, aporta un feel realista que me encanta.

Pero al mismo tiempo que digo estos elementos que me han gustado también tengo que reconocer que la película no me ha flipado, y creo que se queda a medio camino en todo, lo cual es una sensación curiosa a la que no estoy demasiado acostumbrado. Como historia de amor no acaba de funcionar a pesar de la amistad y complicidad que comparten Alana y Valentine en pantalla, y como recreación histórica, aunque transmite una buena sensación biográfica, en la mayoría de momentos parece una anécdota ampliada a la que le falta interés.

Como digo, me fastidia que gustándome de alguna manera se me queda como una película “sin más”, muy alejada de películas como Pozos de ambición o The Master. En todo caso, cuenta con los suficientes elementos interesantes que hagan que la quiera recomendar con esta reseña.

Comparto el trailer de la película:

Licorice Pizza es una buena película que sin embargo se me ha quedado corta en varios aspectos.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Peacemaker temporada 1 de James Gunn (HBO Max)

Peacemaker, el spin-of de El Escuadrón Suicida recién emitido por HBO Max protagonizada por un increíble James Gunn, muestra todas virtudes y defectos de James Gunn como creador.

PUNTUACIÓN: 7/10

Peacemaker es un asesino despiadado que cree que para lograr la paz vale todo.

Tras escribir y dirigir El Escuadrón Suicida, Warner terminó super contento con James Gunn, hasta el punto que le preguntó si tendría alguna idea para una serie spin-of con alguno de los personajes de la película, ya que necesitan contenidos originales para HBO Max. Tras pensar en ello y comentarlo con John Cena, Peacemaker fue el personaje elegido. Gunn escribe los ocho episodios de esta primera temporada y dirige cinco, siendo los directores de los otros tres Jody Hill, Rosemary Rodríguez, Brad Anderson. El éxito de esta temporada ha sido tal que ya se ha confirmado una segunda.

John Cena interpreta a Christopher Smith / Peacemaker: un justiciero hipócrita, egoísta, moralista y celoso que cree en lograr la paz a cualquier precio y que fue presentado en El Escuadrón Suicida. En la película también conocimos a John Economos (Steve Agee), ayudante de Amanda Waller (Viola Davis), y a Emilia Halcourt (Jennifer Holland) otra empleada de Amanda Waller caída en desgracia.​

Las nuevas incorporaciones de esta serie son Danielle Brooks como Leota Adebayo, la hija de Waller y última incorporación al comando Butterfly, que es el gran descubrimiento de la serie. Robert Patrick interpreta a Auggie Smith, el racista padre de Peacemaker, Freddie Stroma es Adrian Chase / Vigilante, un joven flipado amigo de Peacemaker que se cree un superhéroe, y finalmente Chukwudi Iwuji interpreta a Clemson Murn, el líder del comando Butterfly.

Empezando por los elementos positivos de Peacemaker, James Gunn vuelve a demostrar que su punto fuerte como creador son los perdedores, los personajes por los que nadie daría un euro a priori, a los que sabe sacarles todo su potencial. Peacemaker en El Escuadrón Suicida era un personaje penoso, un alivio cómico aprovechando su extremismo que no hacía gracia en ningún momento. Tras matar a Rick Flagg, ser herido de gravedad y pasar varios meses en el hospital, la serie arranca con su huida del hospital y su retorno a su casa tras años en la cárcel. Allí conoceremos a su mascota Eagly (un águila), su no-amigo Adrian Chase / Vigilante y sobre todo, a su padre Auggie, un villano racista y genio criminal que le construyó el casco con habilidades especiales. Sin embargo, Chris no tendrá un segundo de respiro, ya que un grupo de operaciones encubiertas liderado por Clemson Murn le contactará y le obligará a ayudarles para evitar volver a prisión, en una misión en la que sus mortíferas habilidades serán imprescindibles.

Gunn transforma a un personaje penoso en la película en una víctima de una infancia dura y de un padre abusivo que le inculcó su ideología supremacista, algo de lo que tendrá que irse desembarazando poco a poco en el futuro. Aunque Peacemaker ni mucho menos se convierte en un ejemplo de virtud y básicamente sigue siendo el mismo gilipollas de siempre, la serie consigue que le veamos con nuevos ojos, lo cual es 100% éxito de Gunn y de un John Cena desatado que hace un despliegue actoral alucinante a lo largo de los 8 episodios de la serie. Me parece muy guay la forma en que Peacemaker no deja de equivocarse y de tomar decisiones erróneas a lo largo de la serie, y cómo a pesar de ello te preocupas y te encariñas con él.

Dentro de un humor de trazo grueso, Gunn aprovecha la serie para criticar algunos elementos problemáticos de la actual sociedad americana, como son el creer las mentiras de internet («lo leí en un grupo de Facebook, tiene que ser verdad»), las fake-news en general o como la humanidad está abocada al desastre al no confiar en la ciencia y no creer evidencias sobre el cambio climático. Aunque Gunn cuenta su historia con un tono over-the-top exagerado, no hay duda que es muy inteligente en la forma en que coloca sus mensajes, siendo en general una crítica poco sutil a la «cultura redneck», por llamarlo de alguna manera.

Aparte de Peacemaker, me gustan casi todos los personajes secundarios de la serie. Economos, Halcourt, Adebayo o Murn forman un grupo disfuncional todos ellos con sus propios problemas y traumas que sin embargo encajan y se complementan de maravilla. Sus interacciones con Peacemaker permiten mostrar lo despreciable que es el racismo, la homofobia, el machismo y el resto de defectos e «-ismos» que muestra el protagonista a lo largo de la serie. Gunn ha planteado la serie para que todos estos personajes tengan también una evolución interesante en la serie que me ha gustado mucho y, como comentaba al principio, es para mi lo mejor de la serie.

Otro elemento muy positivo es que la serie ha tenido un presupuesto de Clase A a pesar de ser televisión. Gunn plantea algunas coreografías de acción brillantes, los efectos especiales a pesar de ser pocos lucen de maravilla y están situados en los momentos que tocan, y además se guarda un as en la manga al final que recuerda de alguna manera la aparición de Starro en el climax de la película. Como digo, la serie ha tenido cosas que me han gustado bastante, y desde luego resulta super entretenida.

Sin embargo, no todo es bueno. Empezando por la sensación que ya tuve durante El Escuadrón Suicida de que Gunn se estaba riendo DE los personajes, no con los personajes. Esto queda claramente reflejado en la figura de Vigilante, que está ahí para mostrar lo penoso que es y servir de alivio cómico (fallido), además del onmipresente humor a costa de Peacemaker. De hecho, en una entrevista posterior al final de la serie, Gunn admite que planteó un arco y una evolución para todos los personajes excepto para Vigilante, que es un personaje de una única nota. La de reirse de él. Y obviamente se que los comics son una cosa y la serie otra, y bla, bla bla… Pero Adrian Chase fue un personaje super interesante y complejo en los comics de la DC de los 80, y utilizarle para convertirle en esto me parece penoso. De hecho, si quería usar a Vigilante por algo en concreto, lo tenía muy fácil simplemente no llamándolo Adrian Chase, entonces sería claramente otro personaje y todos contentos. Pero llamarle Adrian me parece hasta una falta de respeto por su parte por el trabajo de los autores de comic.

En este sentido, dentro que me gusta el drama de Christopher Smith que Gunn presenta en la serie, creo que no casa bien con el concepto del personaje de «asesino despiadado que cree que para lograr la paz vale todo» presentado en la película. Si su padre es un racista del KKK, su hijo al que ha lavado de cerebro no hubiera pretendido esto a la hora de hacerse «un héroe», lo que en parte hizo que mi suspensión de credulidad saltara por los aires. En general, da la sensación de que Gunn piensa que cualquier personaje de comic que no sea «realista» merece ser usado como alivio cómico para que nos riamos de él. Esto me deja una sensación bastante triste, porque obviamente los comics no son realistas ni tienen que serlo, claro.

Comentaba que Peacemaker ha ganado en complejidad en esta temporada y me gusta su evolución. Sin embargo, no hay duda que Gunn usa al personaje para reirse del 50% de la población americana que vota republicano, amplificando con el humor grueso y tono de sátira lo que son los valores americanos clásicos del «all-american hero» mostrado en muchas películas de los años 80 y 90 que sin duda parodia.

Hablando del humor, no conecto para nada con el humor grueso de «culo-teta-caca-pis» de Gunn. No me hace gracia, no me reí en Escuadrón Suicida y no lo hice ahora. Con el añadido que muchos diálogos supuestamente graciosos están ahí para mostrar lo inteligente y over-the-top que es Gunn, no porque narrativamente tengan sentido, ya que creo que Gunn se recrea demasiado. Hay escenas muy gores con momentazos super sangrientos que están guay y me alegra que se hayan atrevido a mostrarlas en televisión mainstream (aunque hablamos de HBO). Pero el humor me parece totalmente fallido. En todo caso, no tengo problema en que hayan hecho una serie que no es para mi en este aspecto.

Lo que si es un problema mucho mayor es que Gunn está tan centrado en los personajes y sus interacciones que se olvida de la historia y el villano al que tienen que enfrentarse. Este problema del guión en lo relativo a la trama también fue evidente en Escuadrón Suicida, y aquí lo tenemos ampliado de dos a casi siete horas de televisión. La misión del comando Butterfly liderado por Murn es una ridiculez de principio a fin y la trama va a trompicones en todo momento, indicando que a Gunn le interesan más los diálogos de barra de bar que la historia y la amenaza contra la humanidad que se encuentra en la sombra.

De nuevo, acepto que Gunn tenga unas prioridades como creador que encuentro totalmente respetables aunque no coincidan con mis gustos. Lo que no entiendo es toda la gente a la que estoy leyendo que opina que Peacemaker es la mejor serie basada en personajes de comic de toda la historia. Porque los problemas de ritmo y la historia super endeble son cosas que veo super evidentes en cuanto te desprendes un poco del fanboyismo extremo.

Como es habitual en Gunn, la serie tiene una banda sonora de temazos de todas las épocas, la mayoría desconocidos para mi. Y estando bien esta selección de temas de rock y heavy, me dejan una sensación extraña en algunos momentos, ya que diría que Gunn usa estas canciones para reirse y hacer humor a costa de Peacemaker, Vigilante y, en general, del fan de este tipo de música en los estados granjeros del centro de los Estados Unidos. Digo esto con todas las reservas del mundo, porque no tengo claro si es así o no, pero realmente esa sensación es la que me transmitió la serie en varios momentos.

De igual forma, no entiendo la flipada que tiene la gente con la intro de la serie con el número musical realizado por el reparto de la serie. El caso es que me parece original y desde luego está bien ejecutado, pero no diría que es una genialidad o lo mejor que se ha visto en televisión como también he leído en redes sociales.

Hay también un cameo final que a algunos fans le ha volado la cabeza y a mi me ha dejado frío, partiendo que es un cameo sin importancia real en la trama. En positivo, sirve para recordar que el universo DC cinematográfico aún existe y algunas películas están conectadas y suceden en el mismo universo. Sin embargo, que salgan unos personajes y otros no refuerza la idea que Warner tiene un lío muy grande que ahora mismo no sabe cómo resolver. Veremos qué pasa con Black Adam y The Flash, ya que The Batman ya sabemos que va a su aire en un universo «realista».

Peacemaker es entretenida y plantea una historia poco o nada habitual de ver con su tono over-the-top y sus momentos super gores, pero también muestra cosas menos buenas con las que nunca llegué a conectar. En todo caso, esta serie supone un nuevo sopapo en la cara a todos los haters del «el género de superhéroes es siempre lo mismo». Cuanta más variedad haya en cine y televisión, sin duda ganamos todos.

Comparto el trailer de la serie:

Peacemaker ha estado mejor de lo que el episodio piloto indicaba. De hecho, tiene un montón de cosas buenas en lo relativo a la construcción de los personajes, aunque no consiga conectar con el humor grueso y la endeblez de la historia. Si te gusta el humor over-the-top y el gore, no tengo dudas que la vas a disfrutar.

PUNTUACIÓN: 7/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de King Conan 1 de Jason Aaron, Mahmud Asrar y Matthew Wilson (Marvel Comics)

¡Por Crom!! Qué alegría me he llevado al llegarme el primer número de King Conan de Jason Aaron, Mahmud Asrar y Matthew Wilson. Aunque sea con algo de retraso, no puedo dejar de recomendar este comic.

PUNTUACIÓN: 8/10

¡LA ÚLTIMA BATALLA DE CONAN EN EL FIN DEL MUNDO! ¡Jason Aaron y Mahmud Asrar regresan a la saga de CONAN en una aventura completamente nueva que lleva la historia del cimmerio más allá de lo que se ha revelado en CUALQUIER medio hasta la fecha! Tal y como planteó Robert E. Howard, cuando el rey Conan se inquieta en el trono, navega hacia el oeste, hacia tierras y aventuras desconocidas. ¡Ahora ve el primer paso del fatídico viaje del Rey Conan desde Aquilonia, mientras un antiguo y terrible peligro amenaza con acabar con la saga del cimmerio de una vez por todas! ¡No te atrevas a perderte el primer número de la aventura de tu vida!

King Conan es el siguiente trabajo de Jason Aaron, Mahmud Asrar y Matthew Wilson con el personaje creado por Robert E. Howard tras su excelente primera serie de 12 números «The life and death of Conan». En esta ocasión estamos ante una serie de seis episodios, con un primer número extra-largo de 36 páginas planteado para llevar al Cimmerio más lejos de lo que jamás llegó a ir con su creador, aunque siempre desde el máximo respeto hacia el creador de Conan.

El arranque de este comic de King Conan me ha parecido modélico. Empezando por la historia, Jason Aaron repite algo que ya sentí mientras leía la anterior serie, y es que dentro de su fervor hacia el personaje y su creador Robert E. Howard, su historia buscaba ser diferente a todo lo que se había publicado antes. Esta sensación de estar ante una historia original y no tanto una copia de un argumento de Conan cientos de veces leídos previamente es en si mismo una gran elemento positivo que ya marca la diferencia. Aaron lleva a Conan a un viaje que le llevará hacia el oeste, hacia territorios inexplorados, y da la sensación que podría estar planteada como la última historia de Conan, de alguna manera repitiendo lo que Aaron hizo con su Punisher Max con Steve Dillon.

Dentro de estar ante un comic con un montón de acción casi de principio a fin, la lectura me llevó bastante tiempo, con unos cuyos textos de apoyo se sienten 100% Conan que dejan una sensación satisfactoria de querer saber cómo continúa la historia. Otro elemento que me resulta clave de este número es que siento que se trata de un número 100% «reader-friendly», de forma que un lector que lleve años sin leer Conan puede coger este comic y entender y disfrutar todo lo que pasa, de alguna manera como lo que estamos disfrutando con Las Tortugas Ninja: El último ronin. Por supuesto, hay elementos de este comic que continúan del arco anterior de Aaron y Asrar, pero Aaron creo que plantea suficientes elementos para que incluso sin haberlo leído pueda disfrutarse sin problemas este comic. Los problemas que llevan a Conan a emprender este viaje entiendo que los conoceremos a lo largo de los próximos números, pero me gusta que Aaron retome también a Conn, el hijo de Conan y heredero del trono de Aquilonia, que estoy seguro que va a tener una importancia vital en la historia.

El dibujo de Mahmud Asrar con color de Matthew Wilson, excepto en 4 páginas de flashback que han sido coloreadas por el propio Asrar, me parece una pasada. Me alegro que Marvel haya dado el tiempo a Asrar para poder ofrecer su mejor versión, porque este King Conan luce espectacular, uno de los mejores dibujos en mucho tiempo. Asrar clava la versión madura de este Rey Conan que necesitaba vivir una última aventura para no caer en el sedentarismo del trono de Aquilonia. Este Conan sigue siendo una fuerza de la naturaleza, pero también transmite que tiene una pesada carga a sus espaldas que acabaremos descubriendo. Además, el color también ayuda a transmitir que esta isla a la que llega Conan es un lugar de pesadilla al final del mundo de donde va a ser imposible escapar.

Hay comics con los que no conecto que no consiguen dejarme una sensación satisfactoria. El segundo número de Inferno de Jonathan Hickman es un ejemplo reciente. Este comic de Conan es todo lo contrario. No se si es por el personaje o por los creativos implicados, pero he entrado en la historia desde la primera página y no veáis las ganas que tengo de seguir leyendo esta historia. Con este nivel, ya me gustaría que Aaron y Asrar se mantuvieran en este comic todo el tiempo que quisieran. Y eso a pesar de la sensación de muerte inminente que pesa sobre Conan en la historia, algo que de nuevo resulta interesante y original dentro de sus aventuras de comic.

Comparto las primeras páginas del comic;

King Conan no podía comenzar mejor. De hecho, tiene pinta que los seis números de esta serie se me van a pasar rapidísimos. ¡Qué buen momento estamos disfrutando los fans de Conan!

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Dopesick: Historia de una adicción (Disney+)

Con bastante retraso comento mis impresiones de Dopesick: Historia de una adicción, maravillosa serie denuncia sobre uno de los grandes problemas de la sociedad americana, el exceso en el consumo de medicamentos.

PUNTUACIÓN: 8/10

8 episodios. Miniserie que transporta a los espectadores al epicentro de la lucha contra la adicción a los opioides que se libra en Estados Unidos, desde la sala de juntas de Purdue Pharma a una castigada comunidad minera de Virginia, pasando por los despachos de la DEA.

Dopesick es una miniserie creada por Danny Strong que ha sido estrenada en España por Disney+. La serie está basada en el libro Dopesick: Dealers, Doctors and the Drug Company that Addicted America de Beth Macy, escribiendo Strong el guión junto a Benjamin Rubin.

Daniel William Strong (1974) es un actor, escritor, director y productor de cine y televisión estadounidense. Como actor, Strong es conocido por sus papeles en Buffy the Vampire Slayer y Gilmore Girls. También escribió los guiones de Recount, la adaptación de HBO Game Change, The Butler de Lee Daniels y el final de dos partes de la trilogía cinematográfica de Los juegos del hambre, Sinsajo – Parte 1 y Sinsajo – Parte 2. Strong ha ganado dos premios Emmy, dos premios Writers Guild of America, un premio Producers Guild of America y un premio NAACP Image.

Dopesick cuenta con ocho episodios de una hora de duración, que han sido dirigida por Michael Cuesta, Barry Levinson, Patricia Riggen y Danny Strong, con dos episodios cada uno. La serie cuenta con fotografía de Checco Varese y música de Lorne Balfe.

El reparto de Dopesick me parece una pasada, empezando por el gran reclamo de Michael Keaton como el Dr. Samuel Finnix, Rosario Dawson como la agente del FBI Bridget Meyer, Peter Sarsgaard, Michael Stuhlbarg, Will Poulter, John Hoogenakker y Kaitlyn Dever.

Dopesick me ha parecido una gran serie que denuncia una terrible historia real que no conocía, cómo una empresa farmacéutica lanzó un opiáceo contra el dolor tremendamente adictico como si no lo fuera, falsificando con la ayuda de las personas que supuestamente tenían que controlarles el etiquetado con el objetivo de ganar más dinero al poder venderlo masivamente, engañando sistemáticamente a los médicos que tenían que prescribirlo y provocando una de las crisis más graves de drogadicción en los Estados Unidos.

El acierto para que la denuncia realmente tenga fuerza es que la historia aparte de estar contada de forma super didáctica y sencilla de entender, es que además se plantea desde los personajes, de forma que ves el primera persona el sufrimiento que este medicamente causó en gente inocente. Además, las investigaciones de los fiscales y de la agente del FBI interpretada por Rosario Dawson nos muestra la peor cara del capitalismo salvaje, aquel que hará cualquier cosa por conseguir un beneficio, aún a sabiendas que sus acciones iban a causar mucho dolor. En todo caso, me llamó la atención como la serie sugiere los delitos, pero en ningún caso los muestra o dice que se cometieron, cosa que entiendo es para evitar un pleito de la familia propietaria de la empresa. Pero que a pesar de no mostrarse quedan implícitamente muy claros.

Cuando ves series denuncia como esta la verdad es que uno se alegra de vivir en España, porque es acojonante el estado de la sanidad en los Estados Unidos y de la FDA (Food & Drugs Administration), conunos recursos mínimos y unos funcionarios que en lugar de velar por la salud pública están pensando en hacer no hacer enemigos entre los empresarios de cara a un futuro fichaje por parte de estas empresas. La sensación que si no pasan más cosas es por pura casualidad y no por el trabajo de los funcionarios fue una sensación que me rondó varias veces a lo largo del visionado de la serie, al igual que el convencimiento que a lo major si han pasado pero no nos hemos enterado y han pasado por debajo del radar.

El reparto me parece que están todos muy bien y transmiten la humanidad necesaria a cada uno de los dramas individuales causados por este medicamento, además de la impotencia de los fiscales que siendo honestos notan que son motas de polvo luchando contra un sistema corrupto que no les va a permitir ganar. También la duración de 8 episodios creo que es muy correcta y consiguió mantenerme interesado sin llegar a aburrir en ningún momento. Plantear el guión como una historia no cronológica sino hacer que la serie vaya dando salto adelante y atrás en el tiempo creo que es otro de los grandes aciertos, que enfatizan momentos como cuando los ejecutivos dicen que el medicamento no produce adicción para ver a continuación las colas de enfermos adictos delante de las farmacias que se convirtieron en habituales apenas un par de años después del lanzamiento del medicamento.

No se me ocurre nada menos bueno que decir de esta serie, creo que acierta en prácticamente todo lo que plantean. Lo único es reconocer que por la temática es una serie que tienes que ver con el estado mental adecuado, dado que igual con la que está cayendo con el COVID ver esta historia no es la idea más optimista que se nos puede ocurrir. Dicho esto, si realmente te gusta el cine denuncia de los años 70, esta es una serie perfecta que te encantará.

Comparto el trailer de la serie:

Dopesick me ha parecido una gran serie de las que deben ser vistas por todo el mundo, que hacen que me alegre de vivir en España.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de X-Force 19, Lobezno 17 y SWORD 9 (Marvel Comics – Panini)

Continúo con el repaso de las colecciones mutantes publicadas este mes de febrero por Panini con las reseñas de X-Force y Lobezno de Benjamin Percy con Martín Piccolo y Lan Medina, y SWORD de Al Ewing y Jacopo Camagni.

X-FORCE 19 de Benjamin Percy, Martín Piccolo y Guru-eFX

¡Gran Hermano! Las matrioskas de Mikhail Rasputin se han infiltrado antes en Krakoa, pero nunca de esta manera. Si Black Tom Cassidy no puede erradicar su invasión, las consecuencias irán más allá de la muerte. Es hora de que Coloso dé un paso adelante.

Este número contiene X-Force 24 USA.

Cuando empecé a leer esta grapa, no podía creerme que aún no se hubiera resuelto aún la trama de Bestia y los asesinos Matrioshkas. ¡Qué largo se me ha hecho este arco! Y el caso es que la idea de unos asesinos cuyo cuerpo puede generar infinidad de asesinos casi microscópicos era interesante de inicio, pero el arco se ha alargado muchísimo, en mi opinión. El único elemento que puede dar juego es que Bestia parece que ha salido de este ataque aún más desequilibrado mentalmente, lo que puede generar bastantes problemas para Krakoa en el futuro. Mientras tanto, el arco de Mikhail Rasputin también va a conectarse de forma sangrienta con su hermano Coloso, tal y como nos muestra la portada del comic. Y esta es la parte realmente interesante del comic, en el que además conoceremos un nuevo mutante ruso con un poder super novedoso.

Destacar además que en el final de Inferno 2 se intuía un grave problema con Coloso, y es en este comic en el que conocemos el alcance del problema. Este es un ejemplo claro de la interconectividad de la franquicia mutante para bien y para mal. Por un lado, aporta una trama que puede dar mucho juego en el futuro de la franquicia, pero tras leer Inferno te das cuenta que hay un elemento que te falta y que no has acabado de entender lo que está pasando, lo que te obligaría a comprar / leer este comic. Aparte, y sin entrar en spoilers, que Xavier no tenga previsto una forma de evitar que sus mutantes sufran control mental a menos de sus numerosos enemigos, o que llegado el caso no analice a Coloso y no detecte que Peter está controlado es algo totalmente absurdo que me ha roto completamente la suspensión de credulidad.

En el acabado artístico, Martín Piccolo repite en el dibujo del comic, siendo correcto sin más. Sin Joshua Cassara, el interés en el comic ha perdido muchos enteros, y me da rabia que los comics Marvel de este mes luzcan tan mediocres y sin personalidad. Sin embargo, no cabe duda que los editores de Marvel no ven este problema o no les importa con tan que el comic salga puntual. Y mientras, los lectores otorgamos al comprar el comic con la calidad bajo mínimos. Pero igual se van a llevar una sorpresa en los próximos meses.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

LOBEZNO 17 de Benjamin Percy, Lan Medina y Cam Smith y Java Tartaglia

¿En quién puedes confiar? Rebelde regresa para formar equipo con Lobezno, mientras el Agente Jeff Bannister ha descubierto un dispositivo de vigilancia secreto dirigido hacia Krakoa. Ningún secreto está a salvo.

Este número contiene Wolverine 17 USA.

Tras el decepcionante arco de Solem que terminó el mes pasado, el comic de Lobezno recupera a personajes que llevaban unos meses desaparecidos como el agente Jeff Bannister y Rebelde. Cuando Percy añade tensión conspiranoica y sensación de peligro para los personajes, la cosa no puede más que mejorar, y este comic como arranque de arco ha presentado un par de elementos que me han gustado y creo que los próximos meses pueden ser super interesante. En todo caso, tras unos meses ya en la serie, me ha parecido que Percy sabe arrancar muy bien sus historias pero no acaba de cerrarlas todo lo bien que me gustaría, espero que este sea el arco que rompa esta tendencia.

El comic tiene un enorme problema con el dibujo de Lan Medina que me ha parecido montonerísimo. Si el mes pasado comentaba que la historia de Percy me parecía un bluff pero al menos tenía el dibujo de Adam Kubert, este mes Percy no tiene nadie que le cubra, y aunque el arranque de este arco promete el dibujo de Medina no me ha gustado nada, con una penosa escena de acción. Entiendo que Kubert necesite descanso y que Lobezno tiene que salir todos los meses, pero los lectores no nos merecemos el bajón de calidad que ha sufrido este comic por el flojo dibujo.

Tras el final de Inferno Lobezno se convertirá en el protagonista absoluto de la franquicia mutante, por lo que será un buen momento para reevaluar si merece la pena seguir comprando la serie.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

SWORD 9 de Al Ewing, Jacopo Camagni y Fernando Sifuentes de Protobunker

¡La Guardia Imperial contra La Legión Letal! Con la atención de Abigail Brand dividida entre dos estaciones de SWORD, todo lo que Orchis necesita es encontrar el momento para atacar. Mientras tanto, la emperatriz Shi’ar lleva a cabo una primera visita diplomática… para colocarse en el punto de mira de la nueva Legión Letal.

Este número contiene Sword 9 USA.

SWORD vuelve a la vertiente galáctica con la llegada de la Emperatriz Shi´Ar a Arakko (Marte) y los planes de Henry Peter Gyrich ahora parte de Orchis para acabar con los mutantes. El comic juega la carta de existencia de un traidor entre las filas del grupo dirigido por Abigail Brand, y la cosa no estaría mal si no fuera que eso mismo lo acabo de leer en X-Force y Lobezno por diferentes motivos. La seguridad o ausencia de seguridad en Krakoa / Arakko me parece un chiste, y que tres comics estén jugando la misma baza a la vez me indica una mala coordinación editorial que resta fuerza a una idea en todo caso correcta y casi inevitable en una colección coral como esta. En todo caso, olvidando las similitudes con otras grapas mutantes, la verdad es que Al Ewing presenta una buena historia con un gran cliffhanger que te deja con ganas de seguir leyendo la serie el mes que viene.

Lamentablemente, con SWORD tenemos tres de tres comics mutantes con un dibujo super montonero, la cosa no puede ser peor. En esta grapa encontramos a Jacopo Camagni en el dibujo y Fernando Sifuentes de Protobunker en el color, y me queda la sensación de un chaval que acaba de recibir su primer encargo de importancia y no acaba de saber cómo conseguir que gráficamente el comic resalte en nada.

SWORD no corre peligro ahora mismo porque me interesa lo que nos está contando Ewing, pero que Marvel no tenga artistas mejores aunque sea para un fill-in me parece penoso.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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