Crítica de The King´s Man de Matthew Vaughn

La primera película del año 2022 que vi en una sala comercial fue The King´s Man de Matthew Vaughn, precuela ambientada en la Primera Guerra Mundial destinada a contarnos el nacimiento de la agencia de espionaje británica que vimos en la franquicia Kingsman.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Cuando un grupo formado por los tiranos y las mentes criminales más malvadas de la historia se une para desencadenar una guerra que matará a millones de personas, un hombre tendrá que luchar a contrarreloj para detenerlos. Tercera entrega de la saga ‘Kingsman’, ambientada muchos años antes de las anteriores y explicando el origen de la agencia.

Tras Kingsman y Kingsman: El círculo de oro, Matthew Vaughn plantea esta tercera película de la franquicia como una historia autónoma de origen de la agencia, que puede ser vista por todos los amantes del cine de acción y aventuras hayan visto o no las películas anteriores, o incluso sepan siquiera de la existencia del comic de Mark Millar y Dave Gibbons en el que se inspiró la primera película. Matthew Vaughn además de dirigir la película es el creador de la historia que sirvió de base para el guión escrito por él, su mujer, la productora Jane Goldman y Karl Gajdusek.

La película de 131 minutos cuenta con fotografía de Ben Davis, montaje de Jason Ballantine y Rob Hall, y música de Matthew Margeson y Dominic Lewis. La película, rodada en 2019 antes del Covid, tiene un ajustadísimo presupuesto de tan sólo 105 millones de dólares, que lucen increíbles en pantalla. Lamentablemente, la película de momento ha recaudado, en el momento que escribo estas líneas, tan sólo 25 millones, por lo que pinta a que va a fracasar en la taquilla. A pesar de elló, Vaughn ya ha anunciado que se encuentra en la pre-producción de The Kingsman 3, de cara a un posible estreno en 2023.

El reparto cuenta con el siempre perfecto Ralph Fiennes como el Conde Orlando Oxford, un militar experto reconvertido en pacifista tras conocer el horror de la guerra. Alexandra Maria Lara es su esposa Emily, mientras que su hijo Conrad está interpretado por Alexander Shaw de niño y Harris Dickinson ya como un joven decidido alistarse para servir a su país en la Primera Guerra Mundial. En el servicio de conde encontramos a Gemma Arterton como Pollyanna «Polly» Wilkins, experta en inteligencia y gran tiradora, y a Djimon Hounsou como Shola, gran luchador cuerpo a cuerpo.

Dentro del contexto Europeo, Rhys Ifans es Grigori Rasputin, Tom Hollander haciendo un triple papel como los reyes George de Inglaterra, el Kaiser Wilhelm y el Tsar Nicholas, que eran primos en la realidad. Charles Dance es Herbert Kitchener, alto mando del ejército británico, mienras que Matthew Goode es su ayudante el Capitán Morton. Por último, Daniel Brühl interpreta a Erik Jan Hanussen.

Ver una película de Matthew Vaughn es siempre una pasada, y The King´s Man no es una excepción. Aparte de ser una historia de origen de la agencia Kingsman, realmente la película transmite que Vaughn tenía ganas de hacer una película ambientada en la Primera Guerra Mundial y ha aprovechado la excusa y el nombre de la franquicia Kingsman para conseguir financiación y poder estrenarla.

Dentro del cine de acción, Vaughn sigue siendo uno de los directores más imaginativos del panorama internacional. En The King´s Man vuelve a ofrecernos varias escenas visualmente chulísimas que me confirman que sigue innovando y buscando mostrar cosas nuevas. La pelea contra Rasputín al son de la música, la silenciosa con cuchillos en la tierra de nadie entre las trincheras alemana e inglesa, o la pelea final con espadas tienen todas detalles estupendos que dejan en mal lugar a tantos y tantos directores que se conforman con rodar de forma funcional y genérica (¿He oído Matrix Resurrections?).

Parece imposible que esta película haya costado apenas 100 millones de dólares, teniendo en cuenta las numerosísimas localizaciones con que cuenta la película, siguiendo la tradición de las películas de 007 en las que la acción pasa por numerosos países. Al ser Vaughn también productor, se nota que saca el máximo partido a cada céntimo y la verdad es que la película luce increíble en todo momento en sus increíbles sets en las trincheras, entre palacios de Europa, o en la cima de la montaña que supone el climax final. En lo relativo a los elementos de producción, la película está genial.

Dentro que la película es ante todo una historia de acción y entretenimiento, y Vaughn también lo tiene claro, encuentro un guión super ambicioso al plantear que todos los sucesos importantes ocurridos en la Europa en la década de 1910 que provocó el inicio de la Primera Guerra Mundial, hasta su final en 1918, estuvieron conectados por una mano oculta que buscaba desestabilizar el continente. De esta manera, la película me recuerda hechos reales como que los tres reyes europeos más importantes eran primos (chulísimo el detalle de Vaughn de hacer que el mismo actor les interprete a los tres), que el apellido Windsor fue adoptado por el Rey Guillermo debido al odio anti alemán que surgió por la Primera Guerra Mundial o que los Estados Unidos tardó mucho en unirse a la guerra e incluso consideró no entrar en ella.

Esta ambición del guión es un elemento muy chulo, pero también parte del problema de la película, que acaba resultando un pelín episódica y al que le sobraría metraje. Y aunque todo es muy entretenido y sin duda pasan un montón de cosas que no te dejan un momento de respiro, visto a posteriori probablemente con menos tramas sucesivas y a la vez una duración de 100 minutos hubiera quedado todo más conjuntado y con un ritmo más homogéneo. Dicho esto, como digo me quito el sombrero ante la ambición de Vaughn con este guión, desde luego, queda claro que no le gusta jugar sobre seguro.

Además, aunque para mi no es un problema, la película alterna exuberantes escenas de acción con un toque de locura con un tono muy serio en lo referido a la trama, buscando como digo el máximo rigor histórico (dentro de las circunstancias, claro), con el resultado que no hay nada del tono gamberro y transgresor de las películas anteriores. Ya digo que para mi no me supuso un problema, pero pudiera pesarle quizá a un espectador que buscara más de lo mismo.

El reparto creo que hace un estupendo trabajo, en especial un Ralph Fiennes que se convierte en el corazón de la película. También me gustó el heroísmo juvenil de Harris Dickinson, que interpreta a Conrad, el hijo del Conde Oxford. En general creo que el casting ha estado muy acertado.

Aunque no es perfecta, The King´s Man es un más que perfecto entretenimiento por si misma, que además me ha dejado con unas ganas locas de volver a ver las dos primeras películas de Kingsman. De hecho, tengo que reconocer que me alegro porque a Vaughn le vaya tan bien creativa y economicamente con su productora MARV haciendo sus propias películas, pero al mismo tiempo me da pena porque si le dejaran hacer su versión de Superman, algo para lo que ya se ha ofrecido en varias ocasiones, estoy seguro que el espectáculo sería alucinante y la esencia fiel. Por soñar…

Comparto el trailer de la película:

The King´s Man es una película estupenda de acción y aventuras que ofrece un perfecto entretenimiento. Ojalá muchas más películas así este 2022.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Cobra Kai temporada 4 (Netflix)

Lamentablemente, Cobra Kai mostró síntomas claros de agotamiento en la cuarta temporada recién estrenada en Netflix. Dentro que sigue siendo muy disfrutable con muchos momentazos, empieza a ser necesario que empiecen a pensar en el final de la historia.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Cobra Kai está ambientada 34 años después de la película original de Karate Kid, reexaminando la narrativa desde el punto de vista de Johnny Lawrence (William Zabka), y su decisión de reabrir el dojo de karate Cobra Kai que lleva a reavivar su antigua rivalidad con Daniel LaRusso (Ralph Macchio)

Tras el final de la tercera temporada, Johnny Lawrence y Daniel LaRusso combinan sus dojos para derrotar al Senei Kreese en el inminente Torneo de Karate de Hill Valley. ¡El Ganador se lo queda todo! Por desgracia para ellos, Kreese también se guarda un as en la manga…

La serie, creada por Josh Heald, Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg, basándose en los personajes de las películas clásicas de Karate Kid de los años 80 creados por Robert Mark Kamen, fue producida por Youtube Red, el fracasado canal con contenidos propios de pago que intentó lanzar Youtube entre 2018 y 2019. La espectacular primera temporada fue estrenada en mayo de 2018 mientras que la segunda lo hizo en abril de 2019. Tras la compra de la serie por parte de Netflix, estrenó su exitosa tercera temporada justo hace un año. Esta cuarta temporada ha contado con 10 episodios de entre 28 y 45 minutos cada uno.

Las estrellas de Karate Kid Ralph Macchio y William Zabka repiten sus papeles como Daniel LaRusso y Johnny Lawrence. Cobra Kai también está protagonizada por Courtney Henggeler, Xolo Maridueña, Tanner Buchanan, Mary Mouser, Jacob Bertrand, Gianni DeCenzo, Martin Kove, Peyton List, Vanessa Rubio. La sorpresa de esta cuarta temporada es el retorno de Thomas Ian Griffith como Terry Silver, el villano de Karate Kid 3.

Empezando por las cosas positivas, Cobra Kai son Johnny Lawrence y Daniel LaRusso, y es genial ver en esta temporada cómo tienen que intentar trabajar juntos si quieren derrotar de Kreese. Su química permanece igual que la recordaba y nos ofrece momentos estupendos con sus personalidades opuestas. Además de mucho ochenterismo en la música y otros detalles, la serie sigue aprovechando elementos de las películas clásicas para añadir matices interesantes a los personajes que también están muy, muy bien.

También me gusta mucho todo lo que tiene que ver con los chavales, y cómo TODOS, sin importar el dojo en el que entrenan, cometen errores y meten la pata, haciendo cosas buenas y malas a lo largo de los episodios. Hay una parte de esta temporada que trata de que los chavales tienen que descubrir su propio karate y que no hay que estar anclado en una única versión de la vida cuando con la combinación y la comprensión de los diferentes es cuando llega el verdadero conocimiento. En este sentido, que los chavales se den cuenta que los senseis sólo buscan su propio interés y les utilizan como peones en su lucha contra Kreese (y al revés) es otro detalle chulo que nos ha incorporado esta temporada que añade un matiz extra a unos personajes que me gustan mucho.

El añadido de Terry Silver crea una dinámica muy interesante para la serie, al provocar que Daniel se sienta descolocado al recordar su peor versión en Karate Kid 3, haciendo que cometa aún más errores y Kreesse recupere la confianza en la victoria. La parte de reconocer que lo que hizo Silver en Karate Kid 3, acosar un adulto rico a un chaval adolescente, era algo muy loco es un elemento muy meta que resalta algo que los fans sabemos pero a veces no queremos admitir: que muchas obras míticas de nuestra infancia igual no han envejecido demasiado bien. O no eran tan buenas para empezar.

Esta cuarta temporada incorpora una trama nueva en relación al segundo hijo de Daniel, Anthony (que está super crecido), y que hace bullying a un chaval recién llegado al instituto. Esta trama, aunque secundaria, me parece muy interesante en la parte que los padres muchas veces no nos enteramos de lo que realmente hacen nuestros hijos y que el hecho que alguien sea un héroe no garantiza que sus hijos lo vayan a ser también.

Sin embargo, la serie tiene varios problemas importantes a lo largo de estos 10 episodios. Empezando por la sensación de alargar la trama más de la cuenta con escenas de diálogos redundantes sin fin en lugar de mostrar karate, que es una parte importante de porqué vemos la serie. Mientras veía Cobra Kai me acordaba de Shawn Ryan y cómo en los comentarios de su histórica serie The SHIELD comentaba que cuando empezaban una temporada analizaban el climax final de cada temporada, y veían como conseguir llegar antes a él, mostrándolo a mitad de temporada y teniendo que buscar otro momentazo para el final, de forma que sabías que no se guardaban nada en ningún momento. Esto no pasa en Cobra Kai, más bien al contrario.

Como todo está condicionado al Campeonato de All Valley que sirve de final de temporada, esto provoca que no haya escenas de acción reseñables en toda la temporada. De hecho, cuando llegan son durante el torneo, por lo que son siempre combates uno contra uno, quedando por tanto muy lejos los momentazos de las temporadas dos y tres con los históricos combates multitudinarios en el instituto y en casa de Daniel, unas escenas con coreografías dignas de alabanza que mostraban que los productores buscaban rodar buenas escenas de acción que nos dieran algo diferente. Sin embargo, todo en la cuarta temporada transmite pobreza y cutrez (en lo relativo a las escenas de acción, ojo). Y tengo claro que los adultos son cada vez más mayores, pero esperaba mucho más de los combates de los chavales, y en especial el de Samantha y Tory es muy flojito.

Y como decía antes, la evolución de los chavales y cómo ven que deben ser ellos mismos frente a unos adultos demasiado inmovilistas y anclados en el pasado que les quieren usar como peones en sus luchas está bien. Pero lo cierto es que los entrenamientos sobre todo del lado de Johnny son un tanto ridículos. Y hablando de Johnny, ya en la tercera temporada comenté que utilizarle de alivio cómico a costa de estar anclado en los 80 había dejado de tener gracia, pero lo que hacen los guionistas con él en varios episodios, como cuando empieza a buscar una karateca chica al dividirse la competición en masculina y femenina, empieza a ser ya bochornoso. Esa parte tampoco me ha gustado nada.

Vi esta cuarta temporada en modo maratón en apenas dos días, y diría que esto también provocó que le viera las costuras narrativas, al ser varios episodios 100% diálogos entre los personajes que se mueven por territorios repetitivos. Creo que esta sensación no hubiera sido tan mala si hubiera visto la serie en modo semanal o como hice con The Witcher, un episodio al día. En este caso, diría que el sistema Netflix ha jugado en contra de la serie.

En general Cobra Kai sigue siendo muy entretenida y me siguen interesando los personajes. Pero empieza a mostrar signos clarísimos de agotamiento de la fórmula y me gustaría que la quinta temporada sea la última, porque si no corren el riesgo de perderme como espectador. Confío que sepan darle un final digno a la historia, pero como se les ocurra alargarlo aún más la van a fastidiar. Veremos a ver qué pasará.

Comparto el trailer de la temporada 4:

Con lo mucho que me habían gustado las tres primeras temporadas de Cobra Kai, no sabéis lo mal que me sabe que esta cuarta haya resultado en parte decepcionante. En fin, espero que sepan cerrar la historia en la quinta temporada.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

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Crítica de West Side Story de Steven Spielberg

La última película que vi en el cine en 2021 es un clásico instantáneo. La nueva versión de West Side Story de Steven Spielberg es una maravilla que mira de tu a tu y en algunos elementos supera al original de 1961. ¡Qué grande eres Spielberg, ojalá sigas haciendo películas muchos años!

PUNTUACIÓN: 9/10

Los adolescentes Tony y María, a pesar de tener afiliaciones con pandillas callejeras rivales, los Jets y los Sharks, se enamoran en la ciudad de Nueva York en la década de los 50. Nueva versión del legendario musical ‘West Side Story’, a su vez adaptación de una famosa obra de teatro de Broadway, que modernizaba la historia de ‘Romeo y Julieta’, de Shakespeare. (FILMAFFINITY)

Parece mentira, pero Steven Spielberg nunca había dirigido un musical. West Side Story es una adaptación del musical de Broadway del mismo nombre de Leonard Bernstein y Stephen Sondheim, que a su vez es una adaptación moderna de Romeo y Julieta de William Shakespeare. También sirve como una nueva versión de la adaptación cinematográfica de 1961 dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins, cuya historia transcurría en la Nueva York de finales de los años 50 y principio de los 60.

Aparte del amor de Spielberg por el musical original, los motivos que le llevaron a hacer esta nueva versión fueron claros desde el principio: «Las divisiones entre personas con ideas diferentes son tan antiguas como la historia… Las divisiones entre los Sharks y los Jets en 1957, que inspiraron el musical, eran profundas. Pero nada que ver con la división existente en la sociedad americana hoy en día. Durante el desarrollo del guión, las cosas se ampliaron, por lo que creo que en cierto sentido, lamentablemente, hizo que la historia de esas divisiones raciales, no solo divisiones territoriales, fuera más relevante para la audiencia de hoy de lo que quizás lo fue en 1957 «.

Esta nueva versión de West Side Story cuenta con guión de Tony Kushner, colaborador de Spielberg en Muchich y Lincoln, basado en el trabajo de Jerome Robbins, Leonard Bernstein, Stephen Sondheim y Arthur Laurents. Además de la mítica música de Leonard Bernstein con letras de Steven Sondheim, Spielberg se ha reunido de nuevo con el director de fotografía Janusz Kamiński. La película de 156 minutos, cuenta con montaje de Michael Kahn y Sarah Broshar, y coreografías de Justin Peck. El rodaje de la película tuvo lugar entre julio y septiembre de 2019 en localizaciones de Nueva York y Nueva Jersey.

El reparto está formado por Ansel Elgort (Baby driver) y Rachel Zegler (joven actriz en su primer papel protagonista) como los amantes Tony y María, Ariana DeBose como Anita, la mujer de Bernardo, el hermano de María (interpretado por David Álvarez). Mike Faist es Riff, el jefe de los Jets y mejor amigo de Tony, mientras que Brian d’Arcy James y Corey Stoll interpretan al agente de polícia Krupke y al teniente Schrank. A destacar además que Rita Moreno, que interpretó a Anita en la película de 1961, interpreta el papel de Valentina.

Entrando ya en materia, ¡qué maravilla haber podido disfrutar de esta versión de West Side Story de Spielberg en pantalla grande!! Aparte que la música y las canciones son míticas y los números musicales geniales, es que tenemos a un Spielberg en plena forma que ya desde el alucinante travelling inicial nos plantea una master-class de narrativa y continuidad fílmica.

Spielberg siempre sabe colocar la cámara en el punto perfecto para crear planos que quedan grabados en nuestras retinas, metiéndonos en medio del baile cuando corresponde, para alucinarnos luego con los grandes planos generales. Hay musicales que la versión cinematográfica es meramente funcional. Spielberg añade un plus increíble de calidad cinematográfica en casa plano que me ha dejado anonadado, recreando la Nueva York de los años 50 de forma perfecta.

Y si a la maestría de Spielberg le sumamos la música… ¡Qué música! María, Tonight, América… son clásicos que es una gozada volver a escuchar tras ni se sabe cuantos años desde la última vez que vi la película original. Los números musicales están también geniales, con unas coreografías estupendas siempre. La verdad es que el diseño de producción, el vestuario, todo luce de maravilla en pantalla.

Tenía alguna duda con el casting de la pareja protagonista, pero la verdad es que creo que cumplen. Ansel Elsgort tiene una buena voz y presencia en pantalla y Rachel Zegler aparece guapísima en pantalla y tiene una voz maravillosa, siendo una perfecta María en pantalla. El resto del reparto creo que cumplen con sus roles de forma más que correcta, con el extra de saber que Rita Moreno tiene un papel importante en esta versión y canta la emocionante Somewhere.

Me sabe super mal tener que comentar que West Side Story ha sufrido un fracaso monumental en taquilla. Con 100 millones de presupuesto, en el momento de escribir esta reseña ha recaudado menos de 50 en todo el mundo. Creo que el caso de esta película es un ejemplo clarísimo de la tendencia que llevo tiempo comentando hace tiempo, y es que el público adulto ha abandonado las salas comerciales, ya sea por el covid o por el avance de las plataformas de streaming y el convencimiento que en breve la película podrá verse en la plataforma de turno. Que sigamos oyendo a «influencers» decir que no se estrenan películas para «adultos» o con temáticas adultas para ver cómo las película que se están estrenando se estrellan en taquilla, recuerdo el ejemplo reciente de El último duelo, no hace sino convencerme que mucha gente que habla en redes sociales luego son los primeros que no van ellos mismos al cine.

La consecuencia va a ser obvia, cada vez va a ser más difícil que se de luz verde a producciones de este tipo con un presupuesto alto (para este tipo de cine), si está cada vez más claro que no se van a rentabilizar en la taquilla. Lo cual no puede entristecerme más. Y me doy cuenta que el propio hecho de ser WEST SIDE STORY puede haber hecho que haya público que no haya querido verla porque a) pinta a «viejuno» y b) al ser archiconocida quizá haya público que la tenga muy vista y no se haya animado a ir al cine. Y es una pena, porque se han perdido una maravilla de película musical.

Comparto el trailer de la película:

West Side Story me ha parecido una maravilla. ¡Qué grande es Spielberg, menudo regalazo de navidad nos ha dado a los espectadores!

PUNTUACIÓN: 9/10

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Crítica de Geiger Vol. 1 de Geoff Johns, Gary Frank y Brad Anderson (Image Comics)

Empiezo las reseñas comiqueras de 2022 por todo lo alto con GEIGER, el primer comic de creación propia del equipo superestrella formado por Geoff Johns y Gary Frank, Geiger, con colores de Brad Anderson, cuyo primer volumen ha sido publicado por Image Comics.

PUNTUACIÓN: 8/10

¡El equipo aclamado por la crítica del escritor GEOFF JOHNS y el artista GARY FRANK se une al colorista superestrella BRAD ANDERSON para traer a Image Comics a su primer héroe de creación propia! Ambientada en los años posteriores a la devastación del planeta por una guerra nuclear, forajidos desesperados luchan por sobrevivir en un mundo de caos radiactivo. Más allá del páramo envenenado vive un hombre al que incluso los Nightcrawlers y Organ People temen. Algunos lo llaman Joe Glow, otros lo llaman Meltdown Man. Pero su nombre … es Geiger.

Este primer volumen de Geiger recopila los números 1 a 6 USA.

Debo reconocer que los últimos comics de Geoff Johns y Gary Frank que leí el año pasado, las novelas gráficas Batman: Tierra Uno, no me acabaron de cuadrar. No siendo en absoluto malo, ojo. Por suerte, el final de año me ha traído este comic que me ha reconciliado completamente con esta pareja creativa que siempre me ha flipado con comics como El reloj del juicio final y Superman: Secret origin.

No hay duda que la sociedad americana en los últimos años está paranoica con la idea del final del mundo debido a guerras nucleares o cambio climático. Geiger enlaza completamente en esta moda al plantear un mundo post-apocalíptico en el que un misterioso ser con poderes atómicos vive en el desierto desolado protegiendo un silo donde se encuentra lo más preciado para él y tiene que enfrentarse a los carroñeros y todos aquellos que buscan aprovecharse de los inocentes.

Geiger plantea una historia super entretenida perfectamente construida que no sólo resulta entretenida por si misma, sino que sirve para lanzar un universo superheroico propio de forma original, al mostrar la existencia de otros héroes a lo largo de la historia, de forma que imagino que le permitirá a Johns escribir historias diferentes en los próximos años conservando los derechos de esta obra. Por ponerle un pero, el villano de la historia resulta un pelín bluff debido a que los niveles de poder de Geiger le convierten en demasiado poderoso. En todo caso, me gusta la forma en que Johns ha construido al protagonista de forma que podamos empatizar con él. Eso, y el descubrimiento de las diferentes facciones existentes en Las Vegas junto con los restos del ejército americano plantean una complejidad que me dejó con ganas de leer el siguiente volumen.

En el apartado artístico, siempre da gusto leer un comic de Gary Frank, con un Brad Anderson que resulta perfecto en el color. El estilo realista de Frank a la hora de la creación de los personajes y su perfecta fluidez narrativa son perfectos para la historia, y Anderson añade unos colores alucinantes cuando Geiger «enciende» sus poderes atómicos. La historia de Johns está bien, pero sólo por el dibujo de Frank y Anderson merece la pena leer este comic.

Realmente no se me ocurre nada menos bueno excepto el tema del villano, aunque imagino que Johns puede haber planteado esto así para que el siguiente villano que busque venganza sea el realmente peligroso. Dentro del sub-género de los futuros distópicos post-apocalípticos, Geiger me ha parecido un comic modélico.

Comparto el trailer creado por Image Comics:

Y a continuación comparto las primeras páginas del comic:

Geiger ha supuesto un comic estupendo con una buena historia mejor dibujada que cumple de forma modélica a la hora de ofrecer una buena aventura en si misma abriendo a la vez un montón de posibilidades de cara al futuro. ¡Sacad más comics, por favor!!

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de El Libro de Boba Fett Episodio 1 (Disney+)

Un año entero ha pasado desde el final de The Mandalorian hasta que Disney+ ha estrenado El Libro de Boba Fett, la serie en imagen real del universo Star Wars creada por Jon Favreau, Robert Rodríguez y Dave Filloni que continúa la historia de más famoso cazarrecompensas del Universo.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Capítulo 1. Boba Fet deja de ser un mero cazarrecompensas para reinventarse en Tatooine junto a Fennec Shand.

Jon Favreau es el creador de la serie y escribe este primer episodio que ha estado dirigido por Robert Rodríguez, que dirigió el sexto episodio de la 2ª temporada de The Mandalorian donde se narró el retorno de Boba Fett al mundo de Star Wars. Destacar también que Dave Filloni está también involucrado en esta serie como productor ejecutivo. De hecho, comprobar que el equipo básico de The Mandalorian sigue trabajando en esta serie, como por ejemplo el músico Ludwig Göransson con otra partitura bestial, me llena de alegría.

Temuera Morrison y Ming-Na Wen, Boba Fett y Fennec Shand, son los omnipresentes protagonistas de un episodio inicial de tan sólo 38 minutos de duración (34 sin lo títulos de crédito) que continúa justo a continuación de donde se quedó al final de The Mandalorian. El Libro de Boba Fett va a tener una duración de siete episodios, una cifra un tanto extraño que imagino que permitirá contar la historia que Jon Favreau quería al ritmo más adecuado. Teniendo en cuenta que la tercera temporada de The Mandalorian está confirmada para su estreno en navidades de 2022, por motivos obvios no se ha confirmado por parte de Lucasfilm va a hacer una continuación de esta serie.

Me ha gustado mucho este arranque de El libro de Boba Fett. Jon Favreau ha vuelto a dar un puñetazo encima de la mesa para dejar claro que Star Wars se atreve a plantear una narrativa que nadie más se atreve a hacer en televisión. El arranque hace algo que me parece esperable, que es dividir la trama en dos líneas temporales, una el presente de Fett y Shand mientras intentan hacerse con el control de los elementos criminales de Tatooine, y otra en el pasado cuando conocemos la historia de Boba desde el final de El Retorno del Jedi hasta cuando le vimos al comienzo de la segunda temporada de The Mandalorian.

El plus de originalidad viene del hecho que la narrativa del pasado está planteada casi sin diálogos, consiguiendo que la historia fluya de maravilla y empaticemos con Boba Fett, que es mucho más que una armadura molona. Mostrar por qué tenemos que preocuparnos por Fett es un elemento clave para que cualquier serie funcione, y Favreau lo tiene claro y plantea una master-class de cómo conseguirlo. Y frente a las aventuras más o menos autoconclusivas de Mando, parece que esta serie se plantea como una única historia (en el presente) contada en siete capítulos, con lo que en ese aspecto veo a un Favreau que no quiere repetirse a si mismo y plantea algo diferente.

El feeling de western de El libro de Boba Fett me parece una pasada, y en este episodio inicial brilla incluso más que en Mandalorian. De hecho, aparte del Beskar y los seres de Star Wars, creo que hay una decisión creativa muy clara de hacer que la trama de esta serie sea terrenal a pie de calle dentro de Tatooine, Esto hace que no aparezca el Slave-I en el episodio ni haya viajes espaciales, lo cual rompe en parte con lo que se espera de Star Wars. De hecho, que en los combates no hayan disparos de pistolas laser sino que se plantean los escudos de energía y las hachas electrificadas me parece algo que va en esta misma línea.

Creo que Temuera Morrison y Ming-Na Wen no son grandes actores. Sin embargo, Favreau y Rodríguez consiguen sacar el máximo partido de su carisma y presencia en pantalla, amplificando sus virtudes y minimizando sus elementos menos buenos. Esto entiendo que es otro de los elementos que sin duda ayudaron a decidirse por la narrativa sin diálogos de la parte de los flashbacks.

Si tengo que decir algo menos bueno de este primer episodio, diría que que el final del episodio termina de forma quizá demasiado abrupta sin un cliffhanger potente. De hecho, casi parece que la idea inicial era presentar dos episodios al mismo tiempo como ya hicieron en Wandavision, pero finalmente optaron por no hacerlo y estrenar cada episodio semana a semana. Esto es una especulación, claro, pero teniendo en cuenta la duración de este episodio y su final abrupto, si me quedo con la idea que un piloto de una hora podría haberme dejado más satisfecho. Dentro que como digo el episodio me ha gustado mucho.

Creo que el inicio de esta serie ha sido estupendo, tengo claro que esta serie nos va a dar muchas alegrías en las próximas semanas. Y si os habéis fijado, he sacado todos estos elementos chulos sin necesidad de mencionar los cameos de seres de Star Wars o los easter-eggs super chulos. Por algo será.

Comparto el trailer de la serie:

El libro de Boba Fett ha empezado de forma modélica aprovechando elementos que Favreau ya probó que funcionaban en Mandalorian. Manteniendo este nivel, me van a hacer muy feliz.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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