Crítica de Caballero Luna episodio 3 (Disney+)

Llegamos al ecuador de Caballero Luna en Disney+ con un tercer episodio que pone el foco en el elemento más aventurero de Marc Spector y Steven Grant en Egipto. ¿O hay alguien más?

PUNTUACIÓN: 7/10

Episodio 3. Un tipo afable.

Harrow se acerca a la tumba de Ammit. Marc y layla recorren El Cairo en busca de información.

Este tercer episodio vuelve a estar dirigido por Mohamed Diad, director del primer episodio, y cuenta con guión de Beau DeMayo y Peter Cameron con Sabir Pirzada, manteniendo Jeremy Slater funciones de creador y escritor jefe de la serie. El episodio tiene una duración de 53 minutos (46 sin los títulos de crédito).

Oscar Isaac (Steven Grant / Marc Spector / Caballero Luna), Ethan Hawke (Arthur Harrow), F. Murray Abraham (voz de Khonshu) y May Calamawy (Layla El-Faouly) se mantienen al frente del reparto de la serie y tienen todos bastantes minutos en pantalla.

La aventura en El Cairo que tenemos en este tercer episodio abandona durante buena parte el elemento superheroico y lo sustituye por el arqueológico y sobrenatural, mientras Marc y Steven buscan junto a Layla una pista que les permita llegar a la tumba de Ammet antes que Harrow. Y la verdad es que funciona muy bien y consigue elevar el nivel respecto al para mi decepcionante episodio anterior. Poder conocer el panteón de dioses egipcios, aunque sea a través de sus avatares, es también otro de los puntos fuertes del episodio, al abrazar el lore y el punto loco y un pelín absurdo del comic, algo que yo agradezco bastante. Los momentos de CGI en el desierto creo que dejan una escena muy potente (y bastante loca) que he disfrutado bastante.

Oscar Isaac vuelve a estar genial en un episodio que además le permite mostrarnos sus dotes para la acción en una combate a cuchillo en el que está a cara descubierta. Si la semana pasada me quejé porque el episodio tenía una única escena de acción y era cutrilla, en este tenemos dos, una con Marc bastante chula y otra con el Caballero Luna que nos muestra algunas de las imágenes más icónicas que nos han mostrado los trailers, así que en ese sentido todo bien. Además, este episodio tiene menos momentos de humor chorra, que no me gustaron nada y creo que no funcionaban, lo que ayuda también a que la sensación sea más satisfactoria que lo visto hasta ahora.

A grandes rasgos, hoy Caballero Luna me ha dejada más interesado de lo que estaba la semana pasada. Empezando por la cada vez más clara existencia de una tercera personalidad que sigue estando oculta, así como de elementos del pasado de Marc junto al padre de Layla que los que conocemos el comic sabemos por donde van los tiros y que parece la serie va a tomar como elemento que marcó la ruptura de la mente de Marc. Imagino que será la semana que viene cuando conozcamos el origen de Marc y los motivos de las creación de las diferentes personalidades, lo cual significaría que la serie aún tiene margen para ir a más y dejarnos con buen sabor de boca.

Sin embargo, dentro que el episodio ha sido bastante entretenido y como digo me ha dejado esta vez si con ganas de saber por donde va a continuar, la serie no puede evitar los elemento cutrillos. Empezando por la propia historia, porque si Harrow tiene el aparato mágico que le llevará a la tumba de Ammet, y de hecho llegan… ¿cómo van a llegar antes Marc y Layla? Porque esto no es un caso de En Busca del Arca Perdida en que los nazis calculan mal la ubicación, la serie nos ha informado que el escarabajo indica la posición, que ahora de alguna manera se saquen de la manga que la ubicación es otra sin más explicación sería un ejemplo de mala escritura.

Me gusta mucho el trabajo de Oscar Isaac y como muestra claramente quien está en pantalla, si Marc o Steve. Sin embargo, no me gusta tanto lo que la serie le hace hacer y el tratamiento que están haciendo de las personalidades múltiples. De hecho, a no ser que en el futuro nos muestren que los momentos de blackout de Marc y Steven son porque Jake Lockley toma el control, realmente no tendría sentido y sería un error narrativo tremendo que en algunos momentos las personalidades luchen en cámara por el control y de repente otra cosa haya sucedido sin que tengan recuerdos de nada. Si en próximos episodios nos sorprendieran y esta suposición mía resultara ser correcta, podría resultar un momento muy chulo e importante para la serie. De hecho, serie EL GIRO. Así que pesa a no conectar con la representación de las personalidades, este elemento aún puede dejarme con buen sabor de boca.

Otro elemento que estoy empezando a ver es que Ethan Hawke está quedando bastante desaprovechado, a pesar de tener bastantes momentos en pantalla. Sus apariciones en el episodio, sobre toda la segunda en la finca del magnate son un elemento «porque si» de la historia que hay que reconocer que hacen que todo quede cutrillo, y diría que a sus diálogos les falta fuerza para conseguir que su personaje deje poso, en lugar de como ahora que está plantado sin más en el plano.

En lo relativo a la acción comentaba antes que me ha gustado que el episodio tenga dos escenas de acción y la de Marc al principio me ha gustado bastante. Sin embargo, debo decir que la segunda con el Caballero Luna más cutre no puede ser. Y es una pena, porque visualmente deja planos muy chulos de esos que veremos en las publicaciones de «perfect shots«, pero con unas coreografías ridículas y peor, casi inexistentes.

Pero es más, porque esta versión de Caballero Luna muestra el problema Black Panther, y es que cuando quieres hacer que un personaje sea super guay y para ello haces que su nivel de poder sea tan grande que no pueda ser dañado, y al ejemplo de este episodio me remito, nada importa ni transmite sensación de peligro o tensión, por lo que la escena va a resultar fallida. Y encima, tenemos el problema de la no-coreografía, que aún empeora más las cosas. Dado que intuyo que Moon Knight tendrá que enfrentarse a enemigos sobrenaturales espero que esta sensación de poder desmedido no esté tan clara en el futuro. O quizá tenga una disminución de poder por lo que le pasa a Khonshu, cosa que también puede ser posible. En cualquiera de los casos espero que este elemento también puedan mejorar en la segunda mitad de la serie.

Dentro que ha mejorado, me da la sensación que Caballero Luna va a quedar como una serie entretenida sin más. Y eso a pesar que aún creo que la serie tiene aún margen de mejora sobre todo a partir que conozcamos el origen de Marc, algo que entiendo empezaremos a ver la semana que viene. A ver con qué nos sorprenden.

Comparto el teaser trailer de este episodio:

Caballero Luna sigue para bien y para mal con la tónica general de una serie que tiene pinta que va a acabar siendo un entretenimiento «sin más». Espero que los tres episodios restantes hagan que tenga que admitir que me equivoco con esta apreciación.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de The Swamp Thing 1-4 de Ram V, Mike Perkins y Mike Spicer (DC Comics – ECC Ediciones)

Leí hace unos meses los dos números especiales de The Swamp Thing que Ram V y Mike Spicer realizaron con motivo del Future State de DC Comics. Y si esos comics me gustaron mucho, los primeros cuatro números de la serie regular confirman que estamos ante un comic estupendo que merece la pena ser descubierto.

PUNTUACIÓN: 8/10

La Cosa del Pantano regresa en una nueva serie de 10 números protagonizada por Levi Kamei como el próximo Guardián del Verde. Incapaz de controlar su transformación en la monstruosa Cosa del Pantano, Levi se ve empujado al duro e implacable misterio de los espeluznantes asesinatos cometidos por una leyenda sobrenatural del desierto. Levi debe volver a visitar los acontecimientos del pasado en su tierra natal, la India, y enfrentarse a la mortal realidad de un nuevo y voraz villano para comprender en qué se está convirtiendo realmente, y de forma espeluznante. Una nueva era de acción y horror global florece aquí, ¡y la Cosa del Pantano estará en la raíz de la misma!

Conocí a Ram V en 2020 gracias a su excelente Costas salvajes editado en España por Hidra. Y en estos dos años, no hay duda que se ha convertido en un escritor on-fire, al trabajar en numerosos comics de DC y Marvel, como el relanzamiento de Veneno junto a Al Ewing y Bryan Hitch. Junto a él, Mike Perkins es un dibujante super veterano de enorme experiencia tanto en DC como en Marvel, con comics como Green Lantern, Lois Lane, Capitán América o The stand.

Ram V y Mike Perkins han planteado su serie de The Swamp Thing como una serie de 10 números, que debido al éxito van a ser ampliados en una segunda temporada. En lo relativo a estos primeros cuatro números, están divididos en dos historias de dos números cada una, Becoming, con la presentación del nuevo protagonista Levi Kamei y como aprende a asumir su nueva situación, y My green amaranthine, en el que Levi y su amiga Jen entrarán en el Verde para conocer la conexión de Levi con el medio natural y el de su familia en la India con su transformación en el nuevo Swamp Thing.

Un problema de Swamp Thing es que ha tenido tantas etapas icónicas que a veces parece que ya no queda nada interesante que contar. Sin embargo, el arranque de la historia de Ram V consigue engancharnos desde la primera página con el mitológico Merodeador Pálido del desierto, manteniendo a la vez varios misterios que tendremos que desentrañar en los próximos números. En este sentido, el protagonista Levi Kamei aún es un misterio y me falta algo para que realmente sea realmente carismático, pero la historia me ha enganchado y confío en que Ram V nos ofrezca una buena historia.

Gran parte del éxito del comic es el apartado artístico. El dibujo de Mike Perkins con color de Mike Spicer es una pasada, lúgubre y desasosegante cuando tiene que serlo, exuberante cuando entramos en el reino de Verde. La estructura de página también permite a Perkins lucirse con splash-pages imaginativas e impactantes que ayudan a que el ritmo de esta grapas de 22 páginas sea perfecto. En la parte sobrenatural y espectacular Perkins realiza un gran trabajo, aunque quizá esté un poco menos bien en la parte de caracterización de los personajes y en sus expresiones faciales debido (creo) al uso de fotoreferencias para el dibujo de los principales personajes.

Junto a Perkins, el color de Mike Spicer (colaborador habitual de Daniel Warren Johnson) lo encuentro muy acertado, acrecentando el feeling de historia de terror con momentos impactantes en cada grapa. El color de Spicer crea el tono perfecto que el comic necesitaba.

En todo caso, estos cuatro primeros números de Swamp Thing me han gustado y me han dejado con ganas de saber cómo terminan V y Perkins la primera temporada de este comic.

Comparto las primeras páginas de este comic:

The Swamp Thing de Ram V y Mike Spicer es ya una realidad

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Severance temporada 1 (Apple TV)

Mi mujer me comentó si nos suscribiamos un mes a Apple TV porque había un par de series que le apetecía ver. Y me ha venido genial, porque he aprovechado la suscripción para ver la serie de la temporada, Severance, una historia absorbente a caballo entre la ciencia ficción y la crítica social, todo ello decorado con elementos filosóficos que te volarán la cabeza.

PUNTUACIÓN: 8,5/10

Mark Scout (Adam Scott) dirige un equipo en Lumon Industries, cuyos empleados se han sometido a un procedimiento quirúrgico que separa sus recuerdos entre su ámbito laboral y su vida personal. Este atrevido experimento de «equilibrio entre el trabajo y la vida personal» se pone en tela de juicio cuando Mark se encuentra en el centro de un misterio que lo obligará a confrontar la verdadera naturaleza de su trabajo… y de sí mismo. (FILMAFFINITY)

Severance ha sido creada por Dan Erickson, en el que es su primer gran trabajo profesional. Erickson escribió el piloto de la serie, y lo movió durante cierto tiempo entre varias productoras, llegando a temer que pasara a formar parte de la Blood List televisiva, el equivalente en ciencia-ficción y terror de la Black List, aquellos guiones que gustan a todo el mundo pero nunca llegan a ser producidos. La suerte cambió cuando Erickson lo presentó a Red Hour Productions, la productora de Ben Stiller, que lo leyó y apostó por el extraño concepto de Erickson.

Y aunque el nombre de Ben Stiller está asociado al género de la comedia, sobre todo en su faceta de actor, como director la cosa cambia, mostrando a un creativo ecléctico que aparte de crear películas para destacar su vena cómica, también busca probar cosas diferentes. En cine ha dirigido las comedias The Cable Guy (1996), Zoolander 1 y 2 (2001 y 2008) y Tropic Thunder (2008), pero también la historia romántica Reality bites (1994) y, sobre todo, La vida secreta de Walter Mitty (2013), mientras que en televisión dirigió el drama carcelario Escape at Dannemora (2018).

Stiller dirige 6 de los nueve episodios además de realizar funciones de productor ejecutivo. Los otros tres episodios han sido dirigidos por Aoife McArdle. El creador Dan Erickson escribe los guiones de los dos primeros episodios y del último, mientras que los otros seis episodios han estado escritos por Andrew Colville, Kari Drake, Anna Ouyang Moench , Amanda Overton, Helen Leigh y Chris Black. Es interesante leer entrevistas a Erickson y comprobar cómo aunque muchos elementos, y sobre todo la base de la serie, los tenía claros desde que escribió el piloto de la serie, otros muchos elementos han evolucionado o se han creado directamente a partir de las conversaciones en la sala de escritores, empezando por algunas de las principales sorpresas que conoceremos al final de la temporada.en relación a las historias de los compañeros de Mark en el mundo real fuera de Lumon.

Severance tiene su foco en el departamento de Refinado de Datos (Macrodata Refinement) de Industrias Lumon, en el que trabajan cuatro personas: Adam Scott interpreta a Mark Scout, un trabajador que entró en el programa como forma de lidiar con el duelo por la muerte de su esposa Gemma. Al comenzar la serie, descubre que ha sido ascendido al puesto de responsable por la baja del Petey, el anterior responsable. Britt Lower es Helly Riggs, una nueva empleada que entra a formar parte del departamento para cubrir la vacante creada y que no se toma bien el concepto de Severance, intentando saber por qué está ahí, qué trabajo desempeñan y el significado del mismo. Zach Cherry es Dylan George, compañero de trabajo de Mark obsesionado con las promesas de premios e incentivos que la empresa ofrece a los mejores trabajadores, mientras que John Turturro es Irving Bailiff, compañero de Mark y Dylan y un firme defensor de la política de la empresa.

Dentro de Lumon conoceremos a Seth Milchick (Tramell Tillman), el supervisor de la planta de Lumon donde se encuentra Refinado de Datos. Patricia Arquette interprteta a Harmony Cobel, la dura jefa de Mark y de todo el departamento, mientras que Dichen Lachman es la Sra. Casey, la consejera de bienestar de la empresa. Además, Christopher Walken interpreta a Burt Goodman, el jefe de la división de Óptica y Diseño de Lumon, que busca entablar amistad con Refinado de Datos aunque la empresa incentiva la separación de los distintos departamentos.

Fuera de Lumon tenemos a Jen Tullock interpretando a Devon Hale, la hermana embarazada de Mark, mientras que Michael Chernus chace de Ricken Hale, el marido de Devon que es autor de un libro de autoayuda que acaba de publicar. La sorpresa la encontramos con Yul Vázquez, que interpreta a Peter «Petey» Kilmer, el ex trabajador de Lumon y mejor amigo de Mark que fue despedido (o abandonó la empresa) en circunstancias misteriosas.

Empezando al revés de lo que suelo hacer al escribir mis reseñas, el principal problema de Severance es lo extraño de su premisa y lo pausado de su desarrollo, que puede volar la cabeza a espectadores no aficionados a la ciencia ficción, al empezar en mitad de la acción con poco o ningún contexto de lo que sucede dentro de Lumon. El ritmo pausado de la serie en el que la información y sobre todo la falta de ella nos llega en dosis muy pequeñas puede provocar que más de un espectador abandone la serie . Y al ejemplo de mi mujer me remito. Esto me indica que Severance NO es una serie para todos los espectadores, lo cual no implica una connotación negativa ni para la serie ni por supuesto para los espectadores a lo que este tipo de serie no les llame. Porque realmente, tiene que haber contenidos de todo tipo porque igual de variados son los espectadores.

Pero si aguantas los dos primeros episodios y permites que la serie te introduzca por la madriguera de conejo para conocer el mundo laboral de Lumon al mismo tiempo que los protagonistas, la experiencia va a ser bestial. Empezando por un mundo laboral tan distinto y, a la vez, tan similar a lo que existe en el mundo real, con empresas como Starbucks afirmando «Do we make coffee? Or do we make a better world?», o unos manuales de empresas que supuestamente tratan a sus empleados como “familia” cuando lo que en realidad buscan son drones sin pensamiento crítico que quieren que hagan lo que se les pida y que acaban siendo individuos más cercanos a una secta.

En la premisa de Severance pueden encontrarse reminiscencias a Brazil (Terry Gillian) o a Being John Malkovich (Spike Jonze). Incluso la idea central de Matrix (Hermanas Wachowski) de una humanidad atrapada en una realidad virtual en la que las máquinas explotan a la raza humana puede entenderse que comparte una clara conexión con la idea de una empresa que divide la mente de sus empleados para que las 8 horas de su jornada laboral sean más productivos, al centrarse al 100% en el desempeño profesional olvidándose de los problemas o relaciones del mundo real.

Dan Erickson comenta además que se considera hijo de la ciencia ficción especulativa de los últimos años que se cuestiona la realidad actual, citando además de las obras ya mencionadas El Show de Truman, Dark City o Black Mirror. Incluso clásicos como American Beauty con su idea de estar atrapados en un mundo que impone normas y convenciones sociales de la que el protagonista busca escapar, o la serie Office Space, que aunque no tiene un elemento de ciencia ficción si trata de estar atrapado en un sistema grotesco del que, de nuevo, los protagonistas quieren escapar, son citadas por Erickson como influencia clara en su trabajo. Y junto a todo lo anterior, encontramos conceptos filosóficos de Platón, Descartes o Kant, obras de teatro como Esperando a Godot, de Samuel Beckett o Cat´s Craddle de Kurt Vonnegut. Como véis, mucha tela que cortar hay aquí.

Todos los que trabajamos sabemos que no somos la misma persona cuando estamos en casa con la familia o con amigos, y cuando trabajamos. Cada empresa tiene unas normas que exigen a los empleados comportarse de una determinada manera, empezando por la ropa que se puede llevar al trabajo. Es por esto que la premisa central de personas que separan ambas facetas de sus vidas hasta el punto de convertirse en dos entidades autónomas (compartiendo eso si cuerpo) es algo que entiendo que todos igual hemos pensado alguna vez. Otro elemento interesante es conocer los motivos que llevan a alguien «normal» a querer que le hagan una operación quirúrgica para permitirlo. En Severance, en esta temporada seguimos los pasos de Mark y es al único que conoceremos en ambas facetas de su vida. Y aunque el duelo por la muerte de su mujer explica esta decisión, tenemos a tres personas más que son un papel en blanco sobre los que no conocemos nada aparte de su desempeño dentro de Lumon. Tres personas que obviamente son tres misterios que habrá que desentrañar a lo largo de esta serie, entiendo que en las próximas temporadas.

La parte filosófica de la Caverna de Platón está muy clara en Severance, ya que los «innies», término como se conoce a los trabajadores de Lumon frente a los «outies» que viven fuera, sólo conocen el mundo por lo que saben de su trabajo, que obviamente no es el mundo real en su totalidad. La fidelidad de Irving a las normas establecidas con una fe rayando la secta es buena prueba de los problemas de aceptar una parte pequeña del mundo como si fuera la totalidad, con todo lo que supone de cosas que uno se está perdiendo sin ni siquiera saberlo. Algo que vemos en muchos aspectos de la sociedad, sobre todo americana pero no sólo, con grupos amplios de gente que no quieren escuchar nada que ponga en cuestión aspectos de sus creencias o valores aunque sean fácticamente falsas.

El «pienso luego existo» de Descartes en el siglo XXI parece haberse transformado en un «consumo, luego existo» debido a la obsesión consumista de la sociedad occidental. Y en el mundo laboral, podría decirse que para las empresas y sobre todo las grandes corporaciones, la clave se traslada a «trabajo, luego existo», intentando con métodos más o menos sutiles o directamente dictatoriales que los empleados no trabajen para vivir, sino que vivan para trabajar y empleen cada vez más parte de su vida sirviendo las necesidades de las Corporaciones. Y no al revés como se supondría en una sociedad utópica. Que una serie de entretenimiento plantee estas cuestiones de forma tan interesante me vuela la cabeza, la verdad.

La serie triunfa por la construcción de los personajes, empezando por la perfecta y minimalista interpretación de Adam Scott como Mark S., el protagonista al que debajo de la seriedad y frialdad no evita que se note la tristeza que existe en si interior. También está muy bien Britt Lower como la nueva incorporación Helly R., que simboliza la parte rebelde que todos llevamos dentro y que no aceptamos la cosas como nos dicen que son sin una buena explicación que en la serie no acaba de recibir nunca. Estos personajes tienen un complemento perfecto con sus compañeros Dylan y Irving, que representan dos facetas del trabajador tipo actual, el competitivo y el crédulo seguidor. Las interacciones entre este grupo son geniales y aunque en muchos momentos parece que no está pasando nada, si analizas lo que se está diciendo ves que todas las situaciones tienen una mayor complejidad de lo esperado, y darían para un tratado más largo de lo que puedo escribir en esta reseña.

En general, las interpretaciones me parecen todas estupendas, y me parece una pasada es tener a John Turturro, Christopher Walken o Patricia Arquette juntos en esta serie, aunque sólo Turturro y Walken compartan escenas. Porque todos los personajes dentro o fuera de Lumon aportan una faceta interesante a este crisol de personas con comportamientos muy diferentes.

Junto a la historia y las interpretaciones, hay que destacar además un brillante diseño de producción sobre todo dentro de Lumon, que destaca la frialdad y deshumanización de los centros de trabajo, con escenarios con numerosos planos simétricos con una composición perfecta. Además, las largas escenas en la que los personajes caminan por interminables pasillos con paredes blancas neutras resaltan el laberinto deshumanizador en que se ha convertido el trabajo y como los innies son unos conejillos de indias sujetos a un experimento del que no conocemos ni la metodología ni el objetivo que buscan obtener. Además, la fotografía de Jessica Lee plantea una iluminación con tonos fríos dentro de Lumon mientras que en el mundo real, vemos a Marc en su casa y su mafilia en múltiples escenarios mostrados con tonos cálidos. La música de Theodore Shapiro resalta también el elemento extraño y perturbador que subyace en toda esta situación.

No es mi intención contar más de la cuenta porque las sorpresas que se irán conociendo sobre todo a partir de la segunda mitad de la temporada son increíbles y me gustaría que llegarais a descubrirlas a vuestro ritmo. Lo interesante es que aunque el misterio sobre las intenciones de Lumon está siempre presente, realmente Severance triunfa gracias a la conexión que hacemos con los protagonistas, que consiguen ser importantes para nosotros. En todo caso, sí destacar que el noveno episodio que cierra esta primera temporada hace un ejercicio antológico de la tensión, las revelaciones y in cliffhnager de los seguiremos hablando durante mucho tiempo. Dado que Apple TV ha confirmado la segunda temporada, espero que se pongan pronto y podemos conocer cómo continúa la historia al comienzo de 2023.

Tengo que reconocer que los dos primeros episodios fueron un WTF? total debido al concepto general de la serie y la lentitud del desarrollo. Pero una vez me cogí cada episodio fue a más y el final me ha volado la cabeza. Pero incluso mejor que todo esto son todas las ideas que esta serie me ha provocado y como aún hoy sigo dándole vueltas a los diferentes elementos que la serie ha planteado de forma sutil y elegante. Aparte del aspecto de entretenimiento que es lo mínimo que le pido a un producto de ocio, me parece una pasada lo inteligente que es todo. Y aunque no me da la vida, se que si volviera a verla, captaría un montón de cosas que me pasaron desapercibidas debido a la falta de contexto y que ahora añadirían una nueva capa que mejoraría aún más la experiencia de Severance.

Comparto el trailer de Severance:

Queda todavía mucho año y espero disfrutar de muchas series que me encanten en los 7 meses y medio restantes. Pero todo apunta a que Severance va a acabar siendo una de las series más importantes de 2022. Te la recomiendo.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Nightwing 84-88 + Annual 2021 de Tom Taylor, Robbie Rodriguez y Bruno Redondo (DC Comics)

Hace unos meses analicé el primer arco argumental de la maravillosa serie Nightwing de Tom Taylor, Bruno Redondo y Adriano Lucas. Hoy quiero aprovechar para hablar de los siguientes 6 números publicados por DC Comics, que en mi opinión mantienen el nivel sobre todo cuando Redondo vuelve al dibujo.

NIGHTWING 84-86 Fear State por Tom Taylor, Robbi Rodriguez y Adriano Lucas

¿Quién es lo suficientemente poderoso como para entrar en la red supersegura de Oracle y hackearla? ¿Y qué información personal está ahora en peligro?». Con Anti-Oracle aprovechándose del miedo de Gotham City difundiendo falsedades, Nightwing hace el viaje desde Blüdhaven para llegar al fondo de quién es realmente este hacker.

Tras un primer arco en Blüdhaven maravilloso, era inevitable que Nightwing tuviera que ir a Gotham con motivo del gran evento Fear State que tuvo lugar en los comics de la franquicia del murciélago. Y lo primero a destacar es que Taylor plantea una historia dentro de Fear State que resulta satisfactoria en si misma sin obligarte a leer el resto de comics de Batman, cosa que yo agradezco muchísimo dado que no sigo la actualidad de DC Comics. La historia de este anti-Oracle que amenaza la supervivencia de toda la Batfamilia ofrece una historia en tres partes que va directa al grano y permite a Taylor unir a Dick con Robin (Tim Drake) y con tres Batgirls diferentes: Barbara, Stephanie y Cassandra Cain.

Bruno Redondo necesitaba un respiro tras dibujar el arco anterior (con la colaboración de Rick Leonardi), así que me gusta que DC plantee con buen criterio que estos tres números estén dibujados por el mismo artista, lo que hace que la historia tenga una identidad artística propia. Y en este sentido, me ha gustado bastante el dibujo de Robbie Rodríguez. Aunque sus lápices no son las limpios y claros como los de Redondo, sus páginas junto al colorista Adriano Lucas tienen una estupenda fluidez que consiguen que la historia sea super dinámica, algo imprescindible para una historia con tantos personajes secundarios como esta.

Quizá el problema del comic es que el nuevo villano Seer (el Anti-Oracle) acaba resultando un tanto bluff, como suele suceder en todas las historias de hacker que se hacen con el control de cosas para oponerse a los héroes de la función. En todo caso, creo que estamos ante un buen comic que gustará a todos los fans de la Batfamilia en general y de Nightwing en particular.

PUNTUACIÓN. 7.5/10

Nightwing 2021 Annual de Taylor, Daniel HDR, Cian Tormey, Raul Fernández y John Kalisz

Dick Grayson y Jason Todd, los primeros Robins, salieron hace tiempo de la sombra del Murciélago y comenzaron a recorrer caminos muy diferentes en sus respectivos viajes para convertirse en lo que son hoy. Pero ahora sus caminos convergen y estos dos hermanos se unen por un objetivo. Con un palo y una palanca combinados, Nightwing y Red Hood están listos para cualquier cosa… ¡cualquier cosa excepto lo que tienen que enfrentar a continuación! ¡No te pierdas esta explosiva aventura!

Más que Nightwing, la etapa de Tom Taylor habría que titularla Nightwing Team-up porque una parte importante del núcleo emocional y narrativo es redescubrir a los lectores las relaciones de Dick Grayson con su familia superheroica. Si en Fear State Dick se encuentra prácticamente con todo el mundo en Gotham, justo a continuación DC publicó este Annual en el que Dick y Jason vuelven a reunirse para una historia que juega a plantear no las diferencias entre ambos, que sería no esperable, sino que son personajes más parecidos de lo que podría esperarse, ya que ambos vivieron experiencias muy similares bajo el manto del murciélago. Me ha parecido muy chula la idea central de este annual, aparte del misterio sobre lo que ha pasado realmente y quien es el ejecutor, y es que pase lo que pase Dick y Jason saben que son familia y que pueden acudir al otro en caso de necesidad.

Taylor se sale en arcos de 5-6 números, pero también consigue que salga rentable al lector comprar y leer este comic como lectura unitaria, ya que la aventura se siente satisfactoria. Y es que todos sabemos que los annuales de todas las editoriales en muchos casos son historias de relleno por equipos de segunda fila que transmiten la idea de fill-in sin interés, pero no es el caso para nada en el caso de este annual de Nightwing.

El arte de este annual está realizado con Daniel HDR y Cian Tormey, con tintas de Raul Fernández y color de John Kalisz. Y dentro que el dibujo es inferior al de Bruno Redondo o incluso el de Robbie Rodríguez, me ha gustado y me ha parecido que cuentan perfectamente no solo lo que pasa, sino el espíritu de la historia de hermanamiento de dos héroes que en el pasado han tenido más desencuentros que puntos en común. En resumen, un comic muy chulo que no transmite la idea que Taylor haya levantado el pie del acelerón.

PUNTUACIÓN. 7.5/10

NIGHTWING 87 Get Grayson Act One por Tom Taylor, Bruno Redondo y Adriano Lucas

¡Este número especial de Nightwing es UNA IMAGEN CONTINUA! Así es, si colocas todas las páginas una al lado de la otra, ¡tendrás una imagen de póster con esta historia! Ahora que el multimillonario Dick Grayson ha dedicado públicamente sus fondos a salvar Blüdhaven, es un hombre buscado… ¡y por eso se encuentra con asesinos a sueldo que entran a robar su perro, Haley!

Este comic en cuanto a historia es un poco una chorrada, pero me vuela la cabeza que Taylor ponga de esta manera una historia para que su colaborador en el dibujo se luzca, y que DC se lo permitiera, ofreciéndonos uno de los comics más alucinantes del panorama pijaremo mainstream.

El comic como indica la sinopsis es una gran imagen continua de fondo sobre la que Dick / Nightwing se moverá para evitar ser asesinado primero y rescatar a su perro Haley después. Ya desde Scott McDaniel, todos los fans de Nightwing sabemos que las imágenes más chulas de sus comic son siempre las grandiosas splash-pages en las que vemos varias figuras de Nightwing moviéndose en la viñeta transmitiendo el movimiento y la acción. Pues este comic es llevar este feeling a la décima potencia, una pasada.

Se nota que Bruno Redondo con el color de Adriano Lucas aprovechó los meses de descanso, porque este comic es una barbaridad gráficamente. Aparte de tener unos fondos extraordinarios en los que vemos varias partes de Blüdhaven de forma perfecta, la fluidez de Redondo a la hora de mostrarnos los movientos de Dick me parecen alucinantes. Por si había alguna duda, este comic coloca al dibujante español muy arriba en el ranking de mejores dibujantes de DC.

Por poner un pero, obviamente estamos ante un comic que se lee en un minuto al estar ante una gran escena de acción contada en grandes splash-pages. Sin embargo, el dibujo es tan bueno y queda tan chula la propuesta que no me importaría ver experimentos de este tipo en otros comics de la editorial que sea, porque en los días desde que lo leí por primera vez he vuelto una y otra vez para disfrutar del dibujo de este comic. Teniendo en cuenta tantas y tantas grapas que lees y no te dejan con ganas de volver a hacerlo, que un comic te haga querer volver para volver a disfrutarlo es un hallazgo se mire por donde se mire.

PUNTUACIÓN. 8.5/10

Nightwing 88 Get Grayson Act Two de Tom Taylor, Bruno Redondo y Adriano Lucas

Vuelven las rayas azules. Nightwing recibe un traje actualizado a partir de este número. Mientras tanto, después de los angustiosos acontecimientos de rescatar a Haley de ser secuestrada por los malos, Nightwing descubre que hay muchos más golpes sobre Dick Grayson de lo que creía, gracias a hacer pública su fortuna, y tiene que encontrar una forma inteligente de ser Dick Grayson y Nightwing al mismo tiempo. Mientras tanto, Heartless intenta conseguir el poder de Blockbuster para hacerse con el control de Blüdhaven, y ambos grandes villanos tienen a Nightwing en el punto de mira.

Hay una recompensa por la cabeza de Dick Grayson. Por suerte, Dick sabe que no tiene que resolver sus problemas solo, ya que su familia se extienda mucho más allá de Gotham. Este comic es otra historia muy sencilla de Taylor que hizo que estuviera con la sonrisa tonta durante su lectura y relectura tras descubrir la identidad de invitado sorpresa de este número. Como comentaba antes, la idea de familia es uno de los puntos básicos de la etapa de Taylor y este comic es el mejor ejemplo de ello.

Y si la historia funciona tan bien como lo hace es por supuesto gracias al dibujo de Bruno Redondo, que eleva la calidad del comic y brilla en todas las páginas, pero sobre todo en una splash-page que me recordó al mejor George Pérez. Obviamente no existe mayor halago hablando de comics maintream de superhéroes.

El número anterior fue un espectacular experimento narrativo con el «plano secuencia», pero este comic es el que nos devuelve todo el corazón y la magia que hizo que Mightwing sea el héroe favorito para toda una generación de lectores.

PUNTUACIÓN: 9/10

Nightwing mantiene el nivel y sigue siendo una de las series más disfrutables de la DC Comics actual. Mientras mantengan esta calidad, yo seguiré comprando y disfrutando este comic durante mucho tiempo.

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Crítica de Curso de escritura creativa de Brandon Sanderson

Tenía muchas ganas de leer el Curso de escritura creativa de Brandon Sanderson, y me he encontrado un libro super interesante, claro y esquemático que sin duda puede ayudar a todos aquellos que quieran dedicarse a la escritura profesionalmente.

PUNTUACIÓN: 8/10

El curso de escritura creativa que Brandon Sanderson lleva casi dos décadas impartiendo en la universidad, por primera vez en formato libro.

Curso de escritura creativa convierte en libro las clases que Brandon Sanderson lleva 16 años impartiendo anualmente en la Universidad Brigham Young, donde estudió. Él mismo dice que nunca ha dejado de darlas porque es un recurso que necesita para seguir creciendo como escritor. El curso se centra en los engranajes de la escritura y tiene un enfoque muy práctico; en él nos habla de la trama, la ambientación y los personajes, pero también de la parte empresarial. Sin embargo, no hace falta querer ser un escritor profesional para leer este libro. Su objetivo es ayudar a cualquier lector a comunicarse mejor y crear buenos hábitos para escribir de forma consistente, con los valiosos consejos de uno de los mayores creadores de nuestro siglo.

«Os animo a que utilicéis este curso del modo que más os ayude a lograr vuestros objetivos.» Brandon Sanderson

BRANDON SANDERSON (Lincoln, Nebraska, 1975) es el gran renovador de la fantasía del siglo XXI, con veintidós millones de lectores en todo el mundo, y el autor más prolífico del mundo. Desde que debutara en 2006 con su novela Elantris, ha deslumbrado a lectores en treinta lenguas con el Cosmere, el fascinante universo de magia que comparten la mayoría de sus obras. Sanderson es autor de la brillante saga Nacidos de la Bruma (Mistborn), formada por El Imperio Final, El Pozo de la Ascensión, El Héroe de las Eras, Aleación de ley, Sombras de identidad Brazales de Duelo. Tras El aliento de los dioses, una obra de fantasía épica en un único volumen en la línea de Elantris, inició con El camino de los reyes una magna y descomunal decalogía, El Archivo de las Tormentas, que continuó con Palabras radiantes, Juramentada El Ritmo de la Guerra (además de la novela corta Esquirla del Amanecer). Con un plan de publicación de más de veinte futuras obras (que contempla la interconexión de todas ellas), el Cosmere se convertirá en el universo más extenso e impresionante jamás escrito en fantasía épica.

Sanderson vive en Utah con su esposa e hijos y enseña escritura creativa en la Universidad Brigham Young.

El Curso de escritura creativa de Sanderson es un libro de 336 páginas que me he zampado como si fuera un paquete de pipas en un partido de fútbol. Sanderson es un maestro y junto a Pratchett y Abercrombie formaría mi trío de Ases de la literatura fantástica. Sus libros me encantan, aunque reconozco que aún me faltan varios para ponerme al día con su bibliografía. Y si sus libros son fantásticos, sus dotes didácticas y la claridad con que explica todo me han encantado. De hecho, como dice la sinopsis, se nota que Sanderson es un profesor universitario y tiene esta materia super clara y super trabajada, cosa que se transmite en el libro desde la primera página.

Un comentario recurrente que todo escritor al que le preguntan por consejos para nuevos escritores, y que Sanderson también hace suyo, es que si quieres ser escritor debes escribir a ser posible todos los días. Cuanto más escribas, más refinarás tu estilo y mejor te saldrán las cosas. Esto me recuerda un comentario que alguien hizo cuando le preguntaron si tuvo suerte al conseguir el éxito con sus novelas, y el escritor en cuestión (no recuerdo quien fue) aceptó que a lo mejor era cierto que tuvo suerte, pero cuando la suerte llegó le pilló trabajando, escribiendo. En este sentido, es fundamental la idea que si empiezas a escribir una novela (o lo que sea), debes terminarla sea como sea, algo que no todo el mundo consigue. Porque lo escrito puede revisarse y mejorarse para quitar errores, limar asperezas y mejorar el estilo, pero si te quedas bloqueado porque algo no cuadra y no terminas lo empezado, nunca tendrás nada. Y las cosas se mejoran trabajando en ellas, no dejándolas a mitad.

El libro cuenta con once capítulos incluyendo la introducción, con los conceptos clave a la hora de crear cualquier obra literaria maravillosamente esquematizados. La trama, cómo crear una trama, el punto de vista, las leyes de la magia, cómo crear un mundo, cómo crear un personaje, caracterización, humor, finales y revisiones, la publicación tradicional y la autopublicación son los temas en los que está dividido el libro.

Como resumen de estos conceptos clave, el libro es una maravilla y un prodigio de síntesis. Y este elemento es lo primero que me gusta, dado que no hay grandes descubrimientos en este libro. Muchos de estos conceptos sobre caracterización y narrativa ya los había escuchado a otros escritores y directores o guionistas de cine, pero es genial tener las ideas principales condensadas en una única obra de referencia. De hecho, Sanderson insiste muchísimo en que estas son sus ideas pero no son la Biblia, no son algo inamovible que todo escritor deba seguir en cualquier contexto, sino que invita a cada uno a seguir su propia creatividad. Pero eso sí, las claves de la narrativa debes conocerlas, y si decides saltarte algún concepto, que sea a sabiendas por una buena razón, no por desconocimiento.

En lo que sí he encontrado elementos más novedosos ha sido en la parte de la caracterización, a la hora de construir a los protagonistas, con advertencias a evitar los adverbios y las grandes parrafadas interiores de los protagonistas, para que las acciones y el lenguaje utilizado por los personajes en sus diálogos hablen por ellos y la lectura sea más dinámica y menos tostón. Hay además un elemento muy chulo y es que el libro incluye un apartado de preguntas y respuestas en cada capítulo, preguntas que le han hecho estudiantes de su curso y que se centran en dudas concretas sobre estos conceptos, que aportan información muy interesante también.

Junto a esto, que un crack como Sanderson tenga dentro de su esquema de escritura distintas fases de revisión de sus libros es otro elemento muy interesante, porque la idea del escritor creativo que empieza de cero un libro y cuando lo termina está perfecto para ser impreso y distribuido a las librerías no puede estar más lejos de la realidad del mundo editorial. Al menos en lo referido a la literatura fantástica o la ciencia ficción. Los dos últimos capítulos en los que habla de las ventajas y desventajas de la edición tradicional (contando con un agente o haciendo las gestiones tú mismo) o de la autopublicación, empezando por el % que el escritor cobra respecto al precio de venta del libro en cada caso, lo he encontrado super interesante también. Además, me gusta que además de las cifras americanas, el libro añada los porcentajes que se cobran en España.

El único problema de este libro es que es un solamente un ensayo en el que Sanderson condensa los elementos más importantes sobre trama, caracterización, narrativa, publicación, etc… que todo escritor debe conocer. NO es un curso universitario de 120 horas con trabajos específicos para cada apartado que te ayude a mejorar cada uno de estos elementos. Se que esto que estoy diciendo es una obviedad enorme, pero realmente es lo único que se me ocurre, dado que ahora tendré que mirar de donde saco ejemplos de ejercicios para ejercitar mi escritura en narrativa, algo que no controlo en absoluto.

Aparte, por supuesto da un poco de envidia ver la creatividad y la rapidez con que Sanderson es capaz de escribir sus libros. Aunque tengo claro que la calidad y creatividad hay que tenerla, es el trabajo constante lo que consigue crear un marco y una dinámica de trabajo que ayuda a que dicha creatividad fluya. Este libro tampoco sirve para ayudar a cultivar tu imaginación y creatividad. Para escribir hay que tener una idea, un concepto que quieras desarrollar que valga la pena, y este libro no te va a ayudar a tenerlo. Lo que sí hará es que cuando esa idea surja, tengas una guía de los elementos que tu novela debe tener para conseguir atrapar al lector y dejarles, con suerte, con ganas de más.

Como fan de los libros de Sanderson, es una pasada escucharle dando ejemplos de lo que funciona mejor y peor de sus libros, de cómo juntó varias ideas para llegar a crear la serie de Nacidos de la Bruma, y de las cosas que aprendió a cambiar porque no eran la mejor versión posible. De hecho, que alguien como Sanderson reconozca que su primera versión de El Camino de los Reyes de 2002 no funcionaba y tuvieron que pasar 7 años para poder entender el problema de la novela para cambiarlo y poder publicarlo recalca lo que comentaba antes sobre escribir y acabar lo que se empieza, porque para revisarlo también hay tiempo. Además, hay que tener la suficiente modestia para saber que tu primera novela nunca será un best-seller de éxito, pero igual a medida que escribes y mejoras, en algún momento futuro otra de tus obras si pueda captar la atención de algún editor o del gran público.

Tanto si te gusta Sanderson como escritor de fantasía y ciencia ficción, o si como es mi caso estás pensando si puedes tener alguna historia que contar, este libro lo encuentro super interesante y una lectura obligada.

PUNTUACIÓN: 8/10

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