Once & Future, el comic de Kieron Gillen y Dan Mora con colores de Tamra Bonvillain, publicado por Boom Studios e inspirado en las leyendas artúricas, fue una de las sorpresas comiqueras del año pasado. Compruebo con el segundo volumen que acaba de llegar a mi poder que mantiene las señas de identidad que lo convirtieron en un must-read para los amantes de las aventuras fantásticas.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Aunque Bridgette y Duncan impidieron que el Rey Arturo recuperara el grial, sus acciones accidentalmente han dejado al Otro Mundo en ruinas, permitiendo que aparezcan nuevas leyendas y personajes, y traen consigo un mundo de problemas. Cuando un casco del Museo Británico es robado, Bridgette y Duncan se enfrentan a otro héroe de antaño, uno que los llevará a enfrentarse al desafío más formidable hasta el momento… una bestia y su madre.
El exitoso escritor del New York Times Kieron Gillen (The Wicked + The Divine, Star Wars) y el artista ganador del premio Russ Manning Dan Mora (Buffy The Vampire Slayer, Klaus) presentan el siguiente capítulo de la serie aclamada por la crítica.
Este volumen recopila los números 7-12 de la serie regular USA publicada por Boom Studios.
La idea de situar en la Gran Bretaña actual las aventuras de esta abuela «bad-ass» que tiene que enseñar el oficio familiar a su inocente nieto y como se ven envueltos en una aventura con reminiscencias al mejor Indiana Jones con los mitos artúricos de nudo conector me pareció una idea antológica que creaba un comic super entretenido con unas enormes posibilidades para seguir contando nuevas historias.
Este segundo volumen obviamente no tiene el plus de sorpresa y molonidad que supuso empezar a leer el comic por primera vez, pero nos mete en una nueva aventura a cuenta de nuevos personajes sacados de la literatura medieval británica que prefiero no mencionar para que disfrutéis del momentazo cuando lo leáis. Lo que me queda claro leyendo este comic es que Kieron Gillen, su escritor y creador, está disfrutando como un enano con este comic.
El tono de aventura ligera con grandes dosis de acción y sangre es el perfecto que la historia requiere, y en eso una gran parte del éxito es el sobresaliente apartado artístico formado por Dan Mora y los colores de Tamra Bonvillain. Mora tiene un lápiz fino y con una perfecta creación de personajes que no se esconde en los momentos más gores, con una estupenda narrativa que consigue que sus viñetas cuenten la historia perfectamente sin necesidad de textos de apoyo. Si con Klaus junto a Grant Morrison ya me hice fan suyo, Once & future está confirmando su nivel de artista super estrella.
Además de Mora, me gustan mucho también los colores de Tamra Bonvillain, que ayudan a diferenciar los espacios terrenales y sobrenaturales mientras resaltan la narrativa del comic amplificando los momentos más espectaculares y sangrientos. En este sentido, el apartado artístico de este comic puede mirar de tu a tu cualquier comic de Marvel y DC sin desmerecer en nada, algo que no siempre puede decirse con la mayoría de comics indys.
Once & future es como un buen blockbuster veraniego, entretenido y sin pretensiones, que triunfa al ofrecer justo lo que se espera de él. Un comic que me ha encantado y que espero que no me haga esperar otro año entero en disfrutar su siguiente aventura.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
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No vi en su día Hellboy de Neil Marshall. Aprovechando su estreno en Prime Video me ha quitado la espinita que tenía clavada y me he encontrado con un correcto entretenimiento que aunque no sea ninguna maravilla probablemente no mereciera el vapuleo mediático y el boycott que sufrió de una parte del fandom.
PUNTUACIÓN: 6/10
La Agencia para la Investigación y Defensa Paranormal (AIDP) encomienda a Hellboy (David Harbour) la tarea de derrotar a un espíritu ancestral: Nimue, conocida como «La Reina de la Sangre». Nimue fue la amante del mismísimo Merlín durante el reinado del Rey Arturo, de él aprendió los hechizos que la llevaron a ser una de las brujas más poderosas… Pero la locura se apoderó de ella y aprisionó al mago para toda la eternidad. Hace siglos consiguieron acabar con esta villana, enterrándola profundamente, pero ha vuelto de entre los muertos con la intención de destruir a la humanidad con su magia negra.
Hellboy fue creado por Mike Mignola en 1993 como una curiosidad en el San Diego Comic-Con Comic nº2, y su popularidad ha ido creciendo hasta el punto de ser probablemente el personaje de creación propia más conocido surgido de la editorial Dark Horse. Es curioso resaltar que su primera miniserie Seeds of Destruction de 1994 estuvo co-guionizada por John Byrne, ya que Mignola en ese momento no tenía la confianza suficiente en sus dotes cómo escritor. Sin embargo, su popularidad fue creciendo de forma exponencial con el paso de los años, habiendo protagonizado además de sus comics, varios video-juegos, películas de animación y tres películas en imagen real. Lo cierto es que para ser un personaje indy los fans del personaje y el propio Mignola deberían estar más que satisfechos.
Hellboy fue descubierto por el gran público gracias a Guillermo del Toro y sus dos películas estrenadas en 2004 y 2008. Las películas de Del Toro cimentaron la reputación del director mexicano como un estupendo autor de género fantástico con un sello distintivo como era su capacidad para construir de mundos. Sin embargo, hay que reconocer que aunque rentables, no fueron grandes éxitos de taquilla, y diría que Mignola no debió acabar del todo contento con el resultado final, al buscar de cara a esta tercera película un cambio que la acercara más a su visión del personaje.
Del Toro quería escribir y dirigir la tercera película que cerrara de alguna manera “su” trilogía. Al serle ofrecida únicamente labores de productor, abandonó el proyecto llevándose a Ron Perlman con él, por lo que se optó por empezar de cero con una nueva historia que sin embargo no contara una historia de origen. Mignola escribió un tratamiento junto a Andrew Cosby, que aparece acreditado como guionista juntoa a Christopher Golden.
Los anuncios de la contratación del veterano director Neil Marshall (Dog Doldiers, The Descent) y una apuesta por el terror frente a la sensibilidad fantástica de Del Toro, con la intención de estrenar una película R (para adultos) que garantizara altas dosis de sangre y (posiblemente) violencia enviaban señales que la película podía ir en la buena dirección.
La película se rodó en 2017 en localizaciones de Gran Bretaña y Bulgaria. Hellboy contó con fotografía de Lorenzo Senatore, tras sustituir al colaborador de Marshall Sam McCurdy, montaje de Martin Bernfeld y música de Benjamin Wallfisch.
Además de la fidelidad al material original, el casting de la película a priori apuntaba que podía ser otro de sus puntos fuertes. El veterano David Harbour (Stranger Things) fue elegido como Hellboy (Anung Un Rama ) el demonio criado entre humanos que trabaja para la organización gubernamental llamada Oficina de Investigación y Defensa Paranormal (BPRD en inglés). Ian McShane (Deadwood, John Wick, American Gods) es Trevor Bruttenholm, el padre adoptivo de Hellboy y fundador del BPRD mientras que Milla Jovovich interpretaría a Nimue, la Reina de Sangre que busca destruir a la humanidad. Sasha Lane interpreta a Alice Monaghan, una medium que fue salvada por Hellboy de niña y que ahora le devolverá el favor.
La polémica surgió al tener que abandonar Ed Skrein la producción al ser acusados los productores de whitewashing, al darle el papel de Ben Daimio, un multiforme miembro del BPRD de ascendencia japonés-estadounidense. Finalmente, el papel fue interpretado por Daniel Dae Kim, pero esta controversia se unía a que los fans de Guillermo del Toro habían llamado a boycotear la película al no dirigirla él, obviando el pequeño detalle que el creador del personaje es Mike Mignola, y él tenía todo el derecho de querer ver una versión más fiel de SU personaje en pantalla.
La película contó con un presupuesto de 50 millones y recaudó tan sólo 55 millones en todo el mundo. A las anteriores polémicas y unas críticas desastrosas que hundieron a la película a los pocos días del estreno, se unieron dos controversias que también perjudicaron a la película. En primer lugar, en España se hizo público que la copia que se estrenaría en cine NO era la versión “sin censura” de la película que los fans esperábamos dado su calificativo “R” inicial, al haberse eliminado del montaje alrededor de 30/45 segundos de escenas gores, casi en cada escena de acción, que sí podrían verse en una versión “un-rated” en Blu-ray. Esto fue un bajonazo importante.
Pero casi peor fue conocer los problemas que tuvo la producción, con peleas constantes de los productores Lawrence Gordon y Lloyd Levin con el director Neil Marshall en el set de rodaje, creando una atmósfera tensa para el equipo de producción y el reparto, que fue lo que precipitó la sustitución del director de fotografía, además de problemas con el montaje final que se iba a estrenar. Todos estos hechos ayudaron a crear una atmósfera negativa que claramente perjudicó a la película. De hecho, a pesar de ser lector de comics y fan del fantástico, yo decidí no verla en el cine. Y si yo que era público objetivo no la vi, ni que decir de la gran mayoría a los que las películas fantásticas no les gustan.
Hecha esta larga introducción, os estaréis preguntando qué me pareció la película, ¿no? Vamos a ello!!
Comentaba al inicio que Hellboy, no siendo ninguna maravilla, me había gustado. Más incluso de lo que esperaba teniendo en cuenta todo lo anterior. De lo que estoy seguro es que no mereció el vapuleo mediático y el boycott que sufrió, lo que me muestra a unos medios de comunicación sobre todo americanos ávidos de polémicas y controversias de las que sacar punta que parece que huelen la sangre cuando algo tiene problemas y no dudan a ir a degüello.
Empezando por los elementos positivos,¡¡la nueva imagen de Hellboy me parece cojonuda!!! La versión de Del Toro me parecía super acartonada e irreal, nunca conecté con Ron Perlman y su caracterización con toques de humor. No hay duda que Marshall y los productores llegaron con la versión aprendida, porque empezando por el rojo de su piel, el pelo con la coleta y los detalles toscos de sus cuernos y vestuario, me lo creo todo y me parece la versión definitiva del personaje.
Unido a esto, alucino también con la interpretación de David Harbour. Aparte de tener la presencia física que requiere el personaje, Harbour opta por dar un tono macarra tanto a su voz como a su expresión corporal que le va como anillo al dedo al personaje. Y además le suma ansiedad por ser aceptado y formar parte de algo, un chaval que a pesar de su chulería le duele que la gente le vea como un monstruo, algo que él en parte sabe que es lo que es, dada su procedencia infernal. Harbour aporta unos matices super interesantes a Hellboy y veo totalmente justificado que el actor expresara que estaba super orgullosos de su trabajo en la película, a pesar que en todo trabajo colectivo hay elementos fuera de su control.
La película dura dos horas que son de puro entretenimiento. Todo el rato están pasando un montón de cosas y como en una buena peli de James Bond, hay un montón de localizaciones y situaciones diferentes. Este Hellboy acierta con el tono de aventura terrorífica con mucha acción y gore, frente a la historia fantástica con gotas de humor de la versión de Del Toro.
El guión parece una enciclopedia de Hellboy debido a la gran cantidad de personajes y situaciones inspiradas en el comic original. Casi parece que al no estar seguros si iban a poder hacer una cuarta película, los productores hubieran optado por no guardarse nada e intentan encajar todo el lore de Hellboy en un único contenedor. Esto y el claro intento de crear un tono más cercano al comic lo veo también como detalles a de agradecer. Aunque no todo funciona, luego comentaremos, al menos el intento iba bien encaminado.
El guión presenta también una idea interesante al hacer que Nimue realmente tenga motivos “justificados” para querer destruir a la humanidad, al mostrar en el prólogo que ella buscaba una paz del mundo sobrenatural con los humanos pero fue traicionada por Merlín y el Rey Arturo, debido a su egoísmo y afán de poder. Que los humanos con su actitud depredadora fueran igual de malos que los monstruos crea un dilema moral que justificaría la duda que muestra Hellboy sobre a qué bando debe lealtad.
En resumen, planteada como un entretenimiento sin pretensiones para un público fan del personaje o que busque una punkarrada de acción que se aleje del entretenimiento para todos los públicos de otras producciones basadas en personajes de comic, algo similar a lo que fue Deadpool en su día aunque sin el mismo humor, creo que Hellboy cumple con lo que planteaba.
Creo que en parte Harbour acertó cuando vió que muchas críticas fueron injustas con la película al compararla con las películas de Marvel, al plantear otra cosa. La metáfora del chocolate y que la gente se quejara que Hellboy no era un buen chocolate cuando ellos realmente ofrecían vainilla, es muy acertada.
Dicho esto, veo un montón de buenas intenciones en Hellboy, pero la ejecución en la mayoría de momentos no está a la altura. Empezando por los elementos negativos, voy a empezar con una pequeña maldad, ya que contratar a Milla Jovovich fue el pecado original que mató la película, porque todos sabemos que es imposible que una película de Jovovich del siglo XXI sea buena.
Bromas aparte, ella está correcta dada las limitaciones del personaje, comentaba que la película es entretenida y pasan muchas cosas, pero siendo cierto, la narrativa no consigue crear tensión en ningún momento, hasta el punto de parecer que estamos casi en un video-juego en el que todo es repetitivo: Hellboy llega a un sitio, hay un monstruo, lo mata y pasamos a la siguiente pantalla. Los secundarios están ahí, lo intentan pero tienen el carisma de una maceta entre otros motivos porque el guión toca muchos palos sin dar profundidad a nada. Sólo las tablas de McShane hacen que su personaje tenga cierto empaque, lo malo es que casi no aparece en pantalla.
Hay que decir que los 50 millones de presupuesto lucen geniales en pantalla y creo que la producción aprovecha bien los recursos a su disposición. Excepto por algún momento puntual que sí canta, el gore y el CGI están razonablemente bien conseguidos y creo que este Hellboy puede mirar de tú a tu a blockbusters como Wonder Woman 1984. Aunque claro, esto es más demérito de Patty Jenkins que acierto de Marshall.
El verdadero problema de Hellboy es un climax que es un despropósito en el que no hay ninguna tensión. Los personajes se juntan… y sin más, la película se terminó. Comentaba antes la idea interesante sobre que los humanos atacaron y engañaron primero y que Nimue tiene motivos de estas mosqueada al ser los humanos igual de malos que los monstruos o incluso peores. Lo malo es que esto no va a ningún lado y al final al ser “la mala” muere de la forma más tonta en un final que fue un anticlimax que me dejó muerto.
Por otro lado, la película insiste en mostrar a humanos intentando matar a Hellboy por ser un monstruo e incluso sus aliados de BPRD preparando planes de contingencia contra él debido a profecías que indican que él provocará el fin del mundo. Hellboy por su parte no deja de hacer el bien pero se pregunta porqué vivir con los humanos cuando su apariencia y origen es el infierno. Todo ello busca general una duda sobre si en el momento clave, Hellboy se unirá a Nimue, pero es una tensión que nunca es real porque a pesar de lo que los personajes dicen de él, Hellboy siempre hace lo correcto, lo que contradice la supuesta lucha interna que no llegamos a creernos en ningún momento.
En todo caso, no siendo gran cosa, la película no es el despropósito que se pintó previamente, no se si por gente que esperaba ver una comedia romántica o yo que se. Aunque ya digo que falta tensión en toda la narrativa, el guión hace que los personajes se comporten de forma lógica sin cometer locuras, e incluso fallando el climax por este motivo, todo sucede de forma lógica, lo cual ya es más de lo que puede decir un gran porcentaje de películas y series estrenadas que son un todo vale continua (si, te miro a ti, Álex de la Iglesia).
Comparto el trailer de la película:
Viendo la película sin prejuicios previos, Hellboy cumple y entretiene, aunque reconozco no me deja con ganas de volverla a ver. Teniendo en cuenta que está disponible en Prime Video, puede servir perfectamente para una noche entre semana en la que no sabes qué ver.
PUNTUACIÓN: 6/10
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La historia de los vampiros texanos de Donny Cates y Lisandro Estherren, con colores de Dee Cunniffe, continúa en su tercer volumen editado por Image con una nueva colección de sorpresas, giros y mucha sangre.
PUNTUACIÓN: 7/10
Los Bowman se encuentran en su peor momento, por lo que se ven obligados a recurrir a un clan que Bartlett esperaba evitar durante el resto de su larga vida. ¿Por qué? Está dirigido por su ex, July …
Este tercer volumen recopila los números 13-18 USA.
Voy leyendo poco a poco este comic. Reconozco que este Redneck no me ha volado la cabeza ni en lo relativo al guión ni al dibujo, (puedes leer aquí mis reseñas de los volúmenes uno y dos). Pero sin embargo hay algo de estos vampiros texanos de Donny Cates que sin embargo me hace querer volver cada cierto tiempo para ver cómo avanza su historia.
Debo reconocer eso sí que no me gusta el dibujo de Lisandro Estherren, aunque ya he llegado a asumirlo. E incluso diría que los diferentes momentos felices y luminosos le sientan mejor que los oscuros y nocturnos. Dicho esto, sigo sin verle nivel de dibujar comics Marvel, sigo viéndole como el tipo de artista que puede conseguir trabajo en Boom, IDW, etc… pero que está lejos de la primera división del medio.
Sobre la historia de Cates, me parece interesante comprobar como Redneck es un comic pensado para leerse en tomo antes que en grapa. Su narrativa está planteada para resolver el giro del tomo anterior, presentar la nueva realidad de la familia Bowman para luego destruir el orden establecido con el giro final que lo cambia todo. Este cliffhanger hace que quiera saber cómo continúa la historia ya que nos ha dejado en lo más alto, y nos muestra a un Cates dominador absoluto de la narrativa periódica del medio comiquero. Y darme cuenta de las costuras narrativas y la forma en que Cates construye su historia no me impide disfrutarla, que es al final el objetivo último de cualquier obra de entretenimiento.
Por suerte, en Estado Unidos está a punto de publicarse el quinto tomo, por lo que tengo asegurada la lectura durante todo este 2021. De momento, Cates no ha comentado que tenga un final a la vista, por lo que podría decirse que mientras las ventas aguanten, nos queda Redneck para rato.
No creo que Redneck sea el comic favorito de nadie, pero si está consiguiendo engancharme tomo a tomo dejándome con ganas de seguir leyendo la serie. Si buscas leer una historia de vampiros diferentes, hay muchas posibilidades que puedas disfrutar de este comic.
PUNTUACIÓN: 7/10
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El cuarto episodio de Bruja Escarlata y Visión (WandaVisión) ha servido para cambiar completamente el status-quo de la serie al darnos las respuestas que estábamos esperando y confirmado la conexión de la serie con el MCU cinematográfico.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
Episodio 4: Interrumpimos este programa.
Una pareja de superhéroes que tienen una vida ideal sospechan que no todo es lo que parece. En este episodio, Mónica Rambeau, encargada de una misión especial sobre armas sentientes, desaparece y el agente del FBI Jimmy Woo, organizará su búsqueda.
Matt Shankman vuelve a dirigir este episodio que ha sido escrito por Bobak Esfarjani y Megan McDonnell. En este episodio de 32 minutos de duración (contando los títulos de crédito), vamos a conocer información vital sobre Geraldine (interpretada por Teyonah Parris), la vecina sin familia ni hogar conocido que planteaba en el episodio anterior el misterio que rodea a Wanda en la localidad de Westview (New Jersey).
La aparición de Darcy Lewis (Kat Dennings), la astrofísica que conocemos de Thor 1 y 2, y de Jimmy Woo (Randall Park), el agente del FBI que participa en Ant-Man, Ant-Man y la Avispa nos indican que este episodio va a ser uno de los más importantes de la serie, al desvelarnos claramente el problema a resolver y su conexión con el Marvel Cinematic Universe, algo que hasta ahora no estaba del todo claro. !Y menuda manera han tenido de hacerlo!
A partir de ahora, SPOILERS!
Lo primero y principal a comentar sobre este episodio es que te tienes que creer y confiar mucho en la idea de base para ir tan a tope con la narrativa que han planteado para la serie. Marvel sabía que los primeros episodios podrían generar confusión al presentar pequeñas comedias que homenajean la historia de las sitcoms americanas, pero esto haría que la satisfacción que este cuarto episodio nos ha dado haya sido tan bestial.
WandaVision está siendo un ejemplo maravilloso de lo que se puede conseguir con la narrativa periódica semanal cuando está bien planteada. Los espectadores hemos tenido que esperar hasta este cuarto episodio para ver la conexión de la serie con el MCU en general, confirmándose que estamos en una serie que está sucediendo tras Endgame y, por tanto, en un mundo en el que Visión está muerto. Y que todo está siendo creado por una Wanda obviamente desequilibrada en su intento de buscar una vida perfecta.
Otro tema fundamental que explica el éxito del MCU es el casting, y Marvel ha vuelto ha dar en el clavo. La forma en que Teyonah Parris se come la pantalla en los 3 primeros minutos de episodio es alucinante. Su interpretación tienen una fuerza que descoloca al tratarse hasta este momento de una comedia ligera. Descubrir que es Mónica Rambeau, la hija de María Rambeau, la amiga de Carol Danvers en Capitana Marvel, es maravilloso, así como conocer que trabaja en SWORD (División de Respuesta de Observación de Armas Sentientes), la organización creada tras la desmantelación de SHIELD que está dedicada a la investigación del espacio y de las posibles razas alienígenas que visiten el planeta. Conociendo los comics y varias pistas que han dejado en el episodio sobre una misión espacial en la que participó, creo que nos esperan más momentazos con el personaje.
Y tras su desaparición en Westview, son Kat Dennings y Randall Park los que aguantan el episodio de forma brillante con su humor y su carisma, dando las respuestas a los interrogantes que habíamos visto hasta ese momento, asentando la conexión con el MCU previo y dejándonos con un montón de ganas de ver cómo continúa el próximo episodio. Han conseguido engancharnos completamente y lo mejor es la sensación de no saber que va a pasar a continuación y que todo es posible.
No conocía al director Matt Shankman, pero se está confirmando como un profesional super competente con un control estupendo de la narrativa de las sitcoms que ha sabido ponerse en modo MCU superhéroico sin problema alguno. Este episodio nos muestra el tamaño que va a tener la serie y que nos espera un espectáculo Marvel-style bestial, en mi opinión.
Un tema interesante de compara tras estos cuatro primeros episodios es la forma en que los medios americanos y el guionista Tom King siguen comparando esta serie con el comic Visión creado por King y el dibujante español Gabriel Hernández Walta. Y más allá del «vida en los suburbios», que no es exclusivo de King para empezar, y que Kevin Feige comentó que la portada del comic de Walta fue como una revelación para él, la comparación no se sostiene con lo que la serie nos ha contado hasta ahora. Si veo una inspiración muchísimo más directa y evidente de muchos comics y autores clásicos y contemporáneos antes que King.
De hecho, lo de «vida en los suburbios» más que contar la historia de King lo veo clarísimo como la herramienta narrativa para hacer el homenaje a la historia de las sitcoms americanas que tan claramente están haciendo. Y no creo que a estas alturas, la serie vaya a girar ahora para plantear un análisis de lo que nos convierte en seres humanos (aplicable incluso para un sintozoide) que es la idea clave de King, planteado como un drama de niveles Shakespearianos. Más bien al contrario, parece que estamos ante una historia mucho más clásica dentro de los comics Marvel con Wanda perdiendo el control de sus poderes por culpa de los traumas que acaba de vivir, lo que nos va a llevar a una historia con el destino del continuo espacio-temporal en juego debido a la amenaza que suponen los poderes de alteración de la realidad de Wanda.
En este sentido, el momento final del episodio en el que Wanda ve el cadáver de Visión consigue dar un mal rollo tremendo, porque indicaría que efectivamente ella está dando vida al cuerpo robótico de su amor perdido en una desequilibrada búsqueda de una felicidad que es imposible, lo que es un detalle bastante terrorífico y una muestra de lo que puede estar por venir.
Pero ojo que esto no es crítica a King. Bueno, un poco si, dado que esta semana retuiteó un artículo que resaltaba esta supuesta conexión y que mostraba una imagen 100% spoiler de este episodio. Pero en general, veo normal que esté contento que el MCU se haya inspirado (en parte) en un comic suyo y se quiera promocionar. El problema es de esos medios «profesionales» que solo miran una fuente cuando hay otras más claras y directas de inspiración. Aunque claro, eso implicaría más trabajo bibliográfico, a quien se le iba a ocurrir.
Bruja Escarlata y Visión nos ha roto los esquemas de la mejor forma posible y nos ha dejado con ganas de más. De momento, no se puede hacer mejor.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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Si empecé el año comiquero comiquero con lo nuevo de Ed Brubaker y Sean Phillips, Reckless, me parece adecuado terminar el mes con un clásico del género negro, Parker: El Cazador, la primera novela gráfica del querido Darwyn Cooke adaptando las famosas novelas de género negro de Richard Stark, un clásico que habían estado demasiado tiempo fuera de mi biblioteca.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
El cazador es la historia de un atracador que se enfrenta al submundo criminal de Nueva York con toda la sutileza de un impacto de escopeta en el pecho. Abandonado por la mujer que amaba y traicionado por su compañero de fechorías, Parker se abre camino a través del país con un único propósito en mente: vengarse fría y brutalmente, y reclamar todo aquello que le arrebataron.
Con El cazador se inicia la adaptación al cómic de la serie de novelas de Richard Stark (Donald E. Westlake) protagonizadas por Parker. Westlake, fallecido en diciembre de 2008, tuvo tiempo de ver los trabajos preliminares de Darwyn Cooke para la adaptación de sus novelas, con los que se mostró entusiasmado.
El cazador ha sido adaptada al cine primero por John Boorman, en A quemarropa, protagonizada por Lee Marvin y con Angie Dickinson entre el reparto, y más recientemente en Payback, protagonizada por Mel Gibson, con Kris Kristofferson, James Coburn y Maria Bello.
Premio Eisner 2012 a la mejor novela gráfica compilada
Darwyn Cooke (Toronto, Canadá, 1962 – Florida, USA, 2016) abandonó una exitosa carrera en la animación para concentrar sus energías creativas en su primer amor: los tebeos. Cooke pronto tomó la industria al asalto con trabajos como El gran golpe de Selina (Planeta),DC: The New Frontier (Planeta) y The Spirit (Norma).
Las novelas de género negro, particularmente las de Parker escritas por Richard Stark, han sido una de sus grandes fuentes de inspiración creativa. Es por esto por lo que el autor se decidió a adaptar las novelas de Richard Stark, El cazador(2010),La Compañía (2011),El golpe(2012)yMatadero(2014), todas ellas editadas por Astiberri, y que le han valido el reconocimiento de la crítica y numerosas nominaciones a los premios Eisner y Harvey, considerados los más importantes de la industria del cómic estadounidense.
En 2008, su obra más popular, DC: The New Frontier, fue adaptada como película de animación, por la cual Cooke compartió una nominación a un premio Emmy.
Tenía muchas ganas de leer esta novela gráfica y de comprar y poseer una de las pocas obras de Darwyn Cooke que por un motivo u otro nunca llegué a comprar en su día. Y la experiencia lectora ha sido super satisfactoria. El primer elemento interesante de esta novela gráfica es que Darwyn Cooke es el autor completo de esta adaptación, usando un estilo de dibujo bitono en lugar de aplicar unos colores tradicionales. Esta elección del color consigue que el tomo tenga una cualidad atemporal que le va de maravilla a esta historia ambientada en el Nueva York de 1962, año en que fue publicada la novela. Además de la elección de color (o de falta de él), Cooke plantea sus páginas de forma original en lo relativo a las viñetas, al no remarcarlas en la página.
Al ser una adaptación de una novela, Cooke también opta en varios momentos por crear páginas a modo de ilustración con texto lateral de acompañamiento que le permite contar la historia y dar la información pertinente sin que la lectura se haga farragosa. Esta decisión narrativa funciona también de maravilla, haciendo que la lectura sea super fluida. De hecho, tuve que obligarme a no leerme El Cazador de una sentada. Si Cooke era un buen dibujante, era casi mejor narrador, y esto se nota sin duda en esta novela gráfica.
Tras años de historias de héroes y buenas personas, el género literario dió un vuelco en los años 50 y 60 al empezar a contarse historias desde el punto de vista de personas amorales que serían «los malos» de cualquier historia tradicional. Patricia Highsmith fue uno de los grandes exponentes de un tipo de narrativa que le iba como anillo al dedo al género negro. Parker, el protagonista de esta historia encaja completamente con esta definición y su novela de 1962 sirve para conocer una historia de venganza llevada a cabo por una persona amoral y sin empatía que sólo se preocupa por si mismo. Parker es un ejemplo palmario del típico tío duro que no se detiene ante nada para conseguir aquello que busca y que no tiene problema en matar a quien haga falta si me interponen en su camino.
Aunque la historia ha tenido varias adaptaciones cinematográficas, me han sorprendido los giros del guión con cambios de narrador incluido en algunos momentos. Puede decirse que Richard Stark no inventa ninguna rueda y que la historia es relativamente simple, pero el carisma y la fuerza del protagonista consigue que la historia funcione como un reloj y la sensación global sea totalmente satisfactoria.
Parker: El Cazador es una excelente novela que me ha metido de lleno en el mundo de Parker y me ha dejado con ganas de más. Por suerte, la idea es comprar las cuatro novelas gráficas que Darwyn Cooke publicó antes de su fallecimiento lo antes posible. Estoy seguro que las voy a disfrutar un montón.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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¡Saludos a todos!
Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
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