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Crítica de Punisher Max de Jason Aaron y Steve Dillon

Jason Aaron, Steve Dillon y Matt Hollingsworth crearon Punisher Max dentro del sello para adultos Max, comic que sirve de perfecta continuación de la maravillosa etapa de Garth Ennis, sin duda la mejor del personaje, y que hoy quiero destacar.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

Llega la nueva serie de Punisher especialmente recomendada para lectores adultos y realizada por Jason Aaron (Lobezno) y Steve Dillon (Marvel Knights: Punisher, Predicador), dos tipos que nacieron para narrar las aventuras del más brutal vigilante del cómic.

La mafia ha tendido una trampa para Frank Castle, convirtiendo al ejecutor Wilson Fisk en el nuevo «Kingpin» para que Frank le de caza. Pero Fisk decide que le gusta su nueva posición, lo suficiente como para matar a sus jefes para mantenerla. De repente, el Castigador se encuentra en una guerra contra una amenaza mortal, ¡y debe decidir hasta donde está dispuesto a llegar para derrotar al Kingpin! Enfrentándose con policías corruptos, luchando contra los secuaces de Fisk, Bullseye y Elektra, y sufriendo por un período en la prisión, Frank se verá arrastrado a su momento más bajo. Pero como Kingpin pronto descubrirá, ¡esto sólo significa que a Frank no le queda nada que perder! Jason Aaron y Steve Dillon nos ofrecen una etapa brutal y sin censura diferente a todo lo que has visto antes.

Tras la histórica etapa de Garth Ennis de Punisher dentro del sello Max para adultos, Marvel tenía en 2009 con una patata caliente con el personaje, porque ¿cómo continúas una etapa insuperable? Tras una serie de miniseries correctas pero sin demasiado interés, la opción que finalmente convenció al editor en jefe de Marvel Axel Alonso fue planteada por Jason Aaron.

Punisher Max fue una serie de 22 números publicada entre enero de 2010 a febrero de 2012, que fue planteada por Aaron como una historia cerrada en 4 arcos. El principal elemento utilizado por Marvel para vender la serie era plantear un arco de Punisher dentro del sello Max introduciendo a algunos personajes del universo Marvel tradicional como Wilson Fisk, Bullseye o Elektra, en versiones Max, que permite mayores niveles de violencia y sexo.

Los cuatro arcos de la serie fueron Kingpin (números 1-5), que narran el ascenso de Wilson Fisk de gualdaespaldas a Kingpin del crimen de Nueva York, demostrando que podía ser una verdadera amenaza para Frank Castle. Un Castle envejecido que lleva más de 30 años como Punisher y que se está acercando a un punto de no retorno. Bullseye (números 6-11) fue el segundo arco, presentando al mortal enemigo de Daredevil como un asesino contratado para eliminar a Frank. Para llevarlo a cabo se planteará conocer en profundidad a su enemigo, lo que sacará a la luz una verdad que Frank creía enterrada en lo más profundo de su mente.

Frank (números 12-16) es para mi uno de los arcos más brillantes de la historia del personaje, y Aaron construye a partir del brillante comic de Garth Ennis para llevar la historia a una evolución lógica pero no por ello menos impactante, triste y satisfactoria. Sin hogar (números 17-21) y El fin de la guerra (número 22) ofrecieron un brutal climax sin concesiones que significaron un brillante y perfecto final para este comic.

Punisher Max fue realizado en su totalidad por el equipo creativo de Jason Aaron, Steve Dillon al lápiz y la tinta, Matt Hollingsworth al color y una super icónicas portadas de Dave Johnson.

Steve Dillon (1962-2016) es uno de los grandes nombres del comic americano mainstream para adultos. Su Preacher junto a Garth Ennis es una de las grandes series de Vertigo, junto al que trabajó en una estupenda etapa de Hellblazer y la primera etapa de Ennis en Punisher, en ese momento aún dentro del universo Marvel tradicional. Otro excelente comic de Dillon es Skreemer junto a Peter Milligan, y tuvo una larga vida profesional trabajando en Fleetway, DC Comics o Marvel entre otras editoriales.

Dillon no era un dibujante superestrella. Sin embargo, su estilo limpio de dibujo le permitía narrar prácticamente cualquier cosa, sin importar lo loco, salvaje, violento y over-the-top. Aunque su dibujo no fuera especialmente espectacular ni sus páginas resalten por sus fondos detallados, resultó ser el dibujante perfecto para contar esta historia de un Frank Castle crepuscular que debe lidiar con pecados de su pasado. Además, el punto fuerte de Dillon, su capacidad de hacer que sus personajes transmitan todo tipo de sentimientos, es clave para el tercer volumen Frank, el más importante de esta serie.

Junto al colorista Matt Hollingsworth, Dillon crea un comic con una enorme consistencia. En unos años en los que los comics de Marvel y DC están repletos de fill.ins y dibujantes sustitutos, es una pasada poder leer este comic que transmite la sensación de una obra completa cerrada porque lo es.

Otro elemento destacado son las icónicas portadas de Dave Johnson, que crearon una personalidad única para esta serie. Johnson huye de las típicas portadas de comics se super héroes y ofrece imágenes simbólicas de gran expresividad, Además, sus portadas consiguen no ser nunca repetitivas, jugando con diferentes opciones creativas, como crear viñetas en las portadas, o presentar imágenes con grandes manchas de color. Dentro de la Marvel de 2011-2011, este comic fue uno de los de mayorpersonalidad.

Si tengo que comentar algo menos bueno, hay algunos elementos de sexo y violencia que realmente no aportan nada importante a la historia más allá de resaltar el hecho de que este era un comic Max para adultos. Sin embargo, el retrato psicológico que Aaron hace de Frank Castle me parece bestial. Su historia posee una gran profundidad y sin duda los temas que trata son profundamente adultos, por lo que entiendo que no necesitaba estos elementos «secundarios» para vender que se trata de un comic adulto. Esto me recuerda un poco la confusión que existe no solo en el mundo del comic, sino también en el cine, sobre que mostrar sexo o violencia hece que una obra no sea para niños, pero no la convierte en necesariamente «adulta».

Punisher Max para mi es un comic adulto por la forma en que Aaron nos contruye a los maravillosamente complejos personajes. Empezando por un alucinante Wilson Fisk, un antagonista complejo que ofrece momentos muy potentes a este comic. Además de Fisk, Aaron demuestra que adora los comics de Garth Ennis, porque todo lo que hace está construido de lo que Ennis creó, incluyendo la aparición del Nick Furia Max de la etapa de Ennis. El Frank Castle crepuscular de Jason Aaron es un retrato duro y sin concesiones del personaje, pero a la vez es dolorosamente humano, lo que hace que sea uno de los mejores comics de un personaje que ha tenido algunas etapas excelentes.

Dentro de esta serie, Bullseye consigue ser el elemento freak que la historia necesitaba además de ofrecer los momentos de ultra violencia del comic, de forma que creo que narrativamente cumple completamente su función. Mucho más floja me parece el personaje de Elektra, la asesina de La Mano creada por Frank Miller, cuya aparición es completamente decepcionante y no cumple ninguna función importante dentro de la historia. Bueno, realmente sí tiene un papel fundamental en la historia, que al ser spoiler prefiero no comentar.

Además, Punisher Max es ante todo un comic publicado mensualmente, de forma que Aaron contruye cada número de forma que ofrezca la suficiente información, acción y sorpresas para que los lectores quisieran volver el mes siguiente. Además, cada arco cuenta con un final excelente que nos dejaba a los lectores alucinados y abría nuevas posibilidades para la siguiente parte. En muchos momentos, Aaron parece el Francis Ford Coppola del Padrino, haciendo que varias acciones fueran construyéndose simultáneamente hasta alcanzar su climax al mismo tiempo, lo que le confirma como un excelente escritor y un perfecto conocedor del medio comiquero.

Punisher Max de Jason Aaron y Steve Dillon es una maravilla que todo fan del personaje y en general de los comics Marvel y el género negro deberían leer, y que creo que debido a que vinieron después de la histórica etapa de Garth Ennis, creo que puede haber pasado bastante desapercibida.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

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¡Saludos a todos!

El Inmortal Iron Fist de Ed Brubaker, Matt Fraction y David Aja

Ed Brubaker y Matt Fraction redefinieron a Puño de Hierro (Iron Fist) junto al dibujante David Aja durante un estupenda etapa de tan sólo 16 episodios que he vuelto a leer aprovechando el confinamiento.

PUNTUACIÓN: 8/10

El inigualable equipo formado por Ed Brubaker y Matt Fraction se une al genial dibujante español David Aja para redefinir y al mismo tiempo mantenerse fieles a uno de los más fascinantes personajes de la Casa de las Ideas. Bucea con nosotros en los orígenes del mito de Puño de Hierro y descubre aquello que nunca antes había sido revelado. Danny Rand salta desde las páginas de Daredevil a su propia serie, el cómic estadounidense que ha fascinado ya a miles de lectores en todo el mundo. ¡Descubre ahora por qué!

The Inmortal Iron Fist fue publicado en Estados entre diciembre de 2006 y agosto de 2008 en 16 números regulares más dos números especiales. En España, Panini publicó esta etapa en tres volúmenes en formato Marvel Graphic Novels en tapa dura: La última historia de Puño de Hierro (Números 1 al 6 de la serie regular más unas páginas del especial Choosing sides), Las siete ciudades celestiales parte uno (números 7-10 más el Annual 1) y Las siete ciudades celestiales parte dos (números 11-16 más el especial Orson Randall and the Green Mist of Death).

Desde 2004, Ed Brubaker se había convertido en un escritor estrella de Marvel gracias a su increíble trabajo en Capitán América, cuya etapa es una de las más celebradas de los últimos años, además de haber escrito comics geniales como Gotham Central para DC. En constraste, Matt Fraction era un recién llegado a Marvel en 2006 y había conseguido cierta notoriedad con su serie de creación propia Casanova, junto a los artistas Gabriel Bá y Fábio Moon.

Otro recién llegado a Marvel era el dibujante español David Aja, que tras algunos sueltos en varias series como Daredevil, en la que coincidió con Ed Brubaker. Iron Fist significó su primer encargo largo en Marvel y le catapultó a la fama, además de servirle para conocer a Matt Fraction, con el que colaboró años más tarde en la celebrada Hawkeye entre 2012 y 2015.

Lo mejor de Inmortal Iron Fist es que jugando con la historia del personaje de forma respetuosa, Brubaker y Fraction crearon toda una nueva mitología para Danny Rand, el Puño de Hierro que fue entrenado en el Kung-fu en la ciudad perdida de K´un-Lun en el Himalaya.

A partir de su amor por las historias pulp, las historias de kung-fu y el cine asiático, Brubaker y Fraction nos contaron que hubieron 66 puños de hierro antes que Danny, además de la existencias de seis ciudades celestiales además de K´un-Lun que se reúnen cada siglo para realizar un Torneo de Artes Marciales para conocer al mejor luchador de estas ciudades. Además, conoceremos la historia secreta de Wendell Rand, el padre de Danny, y su maestro, el anterior Puño de Hierro Orson Wendell, al que se creía muerto.

El dibujo de David Aja es espectacular, repleto de momentos icónicos que ya forman parte de las imágenes más celebradas del personaje. Su narrativa y su composición de página es siempre perfecta, no gastando una línea de más si hay una forma mejor y más simple para contar la historia, creando viñetas simples en momentos más calmados pero dándolo todo en algunas splash-pages alucinantes. Unido con el colorista Matt Hollingsworth, consigue trasmitir atmósferas opresivas y momentos de verdadero peligro para Danny Rand. Las páginas que dibuja Aja son espectaculares y maravillosas.

Lamentablemente, Aja nunca pudo mantener el ritmo mensual de publicación y dibujaba aproximadamente 16 páginas por número. Afortunadamente, este hecho ya era conocido por todos desde el comienzo y Brubaker y Fraction encontraron una solución satisfactoria, al usar estas cinco o seis páginas de cada número para contar las historias perdidas de los anteriores poseedores del Puño de Hierro primero, y la historia secreta de Orson Wendell posteriormente.

En el primer volumen Travel Foreman junto Derek Fridolfs realizaron 21 páginas junto a mitos del mundo del comic como John Severin (3 páginas), John Severin (2 páginas) y Sal Buscema y Tom Palmer (otras 2 páginas).

El segundo volumen empezó con un número completo para contar una de estas historias perdidas «La Reina Pirata de la bahía de Pinghai» realizado por Foreman y varios autores que sirvió para dar un respiro a Aja, publicado en el número 7 USA. En este volumen el foco de estas paginas «secundarias» cambió para contar la historia del padre de Danny, Wendell Rand y su gran rival Davos. Esta historia continuó durante el volumen tres hasta el número 14 en que terminó el arco de las siete ciudades celestiales y fue realizada mayoritariamente por el también dibujante español Kano, que también firma unas páginas geniales centradas en la narrativa, y que acabó dibujando 24 páginas en la serie. Además, el Annual 1 de la serie publicado en este segundo volumen estuvo dibujado por los maravillosos Dan Brereton y Howard Chaykin.

El problema llegó con el tercer volumen español, en el que Aja dibuja menos de un tercio del total de páginas. No se si no pudo aguantar el ritmo mensual, que Marvel le asignó algo más importante, pero es una verdadera pena, porque Tonzi Zonjic, el artista elegido para sustituirle, no estuvo a la altura del nivel previo, quedándose en un trabajo solo correcto, funcional y poco más. De este forma, el climax de Las siete ciudades celestiales que cerraba toda la etapa de Brubaker y Fraction artísticamente no estuvo a la altura.

El gran valor de la historia de Brubaker y Fraction fue la creación de la nueva mitología y de personajes estupendos como Wendell Orson. Esto les permitió contar historias en diferentes periodos temporales que ofrecieron un nuevo punto de vista al mundo de Puño de Hierro, además de crear un nuevo tablero de juego para crear decenas de nuevas historias durante muchos años una vez Brubaker y Fraction abandonaran la serie.

Sin embargo, leída de un tirón esta etapa, en muchos momentos parece que Danny es un secundario en su propia serie, debido al gran cantidad de personajes y situaciones que tienen que ser presentados en cada número. De hecho, en gran parte de estos números Danny está buscando los diarios de Wendell y estudia sus aventuras, es decir, vive las aventuras de otros.

Lo cierto es que el truco viene ya desde el título del comic «El inmortal Iron Fist». No se refiere a que Danny sea inmortal, sino a que el título de Iron Fist es inmortal y aunque el portador muera, otro luchador pasara a portar su legado. Esto hace que si no tienes esto en cuenta, los fans de Danny Rand pueden sentirse algo decepcionados, algo que no es mi caso.

En este sentido, merece la pena comentar que el único número totalmente dibujado por David Aja y centrado al 100% en Danny es el último número de la etapa, el 16 USA, que cerraba la etapa y dejaba todo limpio para la siguiente etapa. Un número que nos recuerda que no hay malos personajes, sino malos autores que no saben qué hacer con ellos. Y Fraction y Aja, los autores de este comic (Brubaker abandonó la serie en el número 14), son de los buenos.

Está claro que El Inmortal Iron Fist en nuestra memoria de fans será siempre el «Iron Fist de Brubaker, Fraction y Aja», pero al final, sumando todas las páginas de esta etapa incluyendo los dos especiales, Aja dibujó 207 páginas de un total de 443, es decir, menos de la mitad, distribuidos en 110 páginas de un total de 138 en el primer volumen, 47 de 124 en el segundo volumen y 50 de 181 en el tercero.

Si este comic hubiera podido tener más margen de publicación, cosa que sí tuvo Hawkeye, estariamos hablando de un comic histórico como el comic de «Hawkguy». Lamentablemente, debido al cambio de dibujantes, para mi esta etapa queda en notable, algo que sabe un poco mal teniendo en cuenta lo fuerte que empezó.

Estoy leyendo lo escrito y veo que me está quedando una crítica muy negativa de un comic que realmente me gusta mucho y me parece genial. La historia de Brubaker y Fraction bebe de muchas fuentes y todas ellas son interesantes y aportan elementos que sumados crean un gran cómic que sirve de introducción a una parcela del Universo Marvel hasta ahora había sido infrautilizado.

Brubaker pronto abandonó Marvel para dedicarse a sus propios proyectos junto a Sean Phillips en el sello Image, convirtiéndose en uno de nombres más reconocibles del panorama americano. Fraction y Aja se centraron en creaciones como Hawkeye que apelaban a sus sensibilidades. Y es una pena que Marvel no supiera sacar partido a estos conceptos y acabará cancelando la serie pocos meses después, dejando descansar al personaje en el limbo de los justos.

En todo caso, estos tres estupendos volúmenes siempre permanecerán en nuestra memoria y nos acompañarán cuando queramos leer algo diferente al típico cómic de superhéroes.

PUNTUACIÓN 8/10

 

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¡Saludos a todos!

Reseñas Express Rick Remender: Deadly Class Vol. 6, Seven to Eternity Vol.2 y Low Vol. 4

En las últimas semanas me han llegado los últimos tomos de varias series escritas por Rick Remender y publicadas en los USA por Image Comics. Voy a aprovechar el formato de reseñas express para comentar lo bueno, y lo no tan bueno…

DEADLY CLASS VOL. 6, con Wes Craig y Jordan Boyd

¿De qué va? La nueva clase ha recibido una sangrienta bienvenida a Kings Dominion, ya que el consejo de estudiantes domina brutalmente las aulas. Si no eres parte del grupo dirigente, eres parte del recuento de cadáveres. Mientras tanto, el misterioso pasado de Saya vuelve para perseguirla. Y lejos del derramamiento de sangre están Marcus y María, raros supervivientes de la escuela más letal de la tierra, albergando oscuros deseos de venganza. Este tomo reúne los números 27 a 31 de la serie regular.

Valoración: Deadly Class es una de las mejores series de Image de la actualidad. Tras el baño de sangre del tomo 4, en el pasado tomo conocimos a una nueva clase con personalidades definidas y sorpresas increibles que supieron llenar el hueco dejado por los ausentes. En este sexto tomo seguimos conociendo a estos personajes, con el añadido que Remender vuelve a traer al escenario a Marcus y María tras su sangriento regreso al final del tomo 5. Cada número de Deadly Class trasmite carisma y diversión, de forma que la lectura es casi compulsiva y de un tirón.

En el apartado artístico, Wes Craig y Jordan Boyd mantienen el excelente nivel de calidad, gracias a una excelente fluidez narrativa y una clara definición de cada personaje. No se cuando terminará esta serie, pero si mantienen este nivel por mi pueden alargarla todo lo que les apetezca.

PUNTUACIÓN: 8/10

 

SEVEN TO ETERNITY  VOL. 2, con Jerome Opeña, James Harren y Matt Hollingsworth

¿De qué va? Adam Osidis y los Mosak continúan su viaje por las malditas tierras de Zhal para entregar a Mud King a la única fuerza capaz de deshacer su dominio sobre su ejército de esclavos mentales. Los susurros de Mud King han convertido a Adam Osidis en el hombre más odiado en Zhal, pero cuando le ofrece a Adam una solución a todos sus problemas, ¿se unirá al monstruo calculador y traicionará a su compañero Mosak por una segunda oportunidad en la vida? Este segundo tomo reúne los números 5 al 9 de la serie regular.

Valoración: Lamento decir que este segundo tomo de Seven to Eternity confirma que el concepto de Remender para esta serie no encaja conmigo. O lo haría si la ejecución fuera acertada. La serie tiene un problema fundamental que es que no es entretenida. Remender y Opeña nos presentan un mundo nuevo de fantasía que debería ser la bomba en lo referido a originalidad y ambientación, y lo único que vemos son diálogos repetitivos que giran alrededor del tema central del tebeo: Cuando todo el mundo cede, mantener tus principios aún a costa de la vida de tus hijos ¿es un signo de fortaleza en tus convicciones, o sólo una muestra de orgullo? A lo que añadiría ¿qué estás dispuesto a sacrificar por tu familia?

Comentaba como positivo de Deadly Class el carisma de los personajes y la fluidez narrativa. Y estos son aspectos que no veo en Seven to Eternity, empezando por su gris protagonista Adam, que sólo parece saber llorar por las esquinas. Incluso Opeña está más flojo que de costumbre, o quizá es porque el guión de Remender no le da para lucirse.

Para hacer las cosas aún peores, encima dos de los cinco números de este tomo no están dibujados por Opeña, sino por James Harren. El caso es que Harren no es un mal dibujante y dibuja un arco cerrado, pero no contar con Opeña parece casi una estafa, teniendo en cuenta que uno de los principales elementos que Image vende para decir que sus series son “mejores” a las de Marvel o DC es porque publican tebeos que cuentan con equipos sólidos que dan una mayor cohesión al tebeo. Cosa que es cierta, por otro lado. Ya se sabe que Opeña no es precisamente rápido, y no me importa que sólo publiquen un tomo al año, pero si cuando se publica el arte no es suyo al 100%, para mi es otro elemento negativo que hace que me vaya a pensar mucho si compraré el siguiente tomo.

PUNTUACIÓN: 6/10

 

LOW VOL. 4, con Greg Tocchini y Dave McCaig

¿De qué va? Tajo regresa a la casa de su familia en Salus, para encontrar una ciudad al borde de la devastación. No hay comida, ni aire, ni esperanza para la última gran ciudad submarina de la humanidad. Ahora, Tajo debe unirse con IO, que oculta un secreto de más de mil años, y Mertali, una valiente sirena de los fosos de gladiadores de Poluma, para luchar por un futuro mejor para todos. Pero la muerte acecha las desoladas calles de Salus, ya que un despiadado asesino no se detendrá ante nada para ver a la ciudad ahogarse en su propia sangre. Un asesino creado por Tajo al que ahora tendrá que enfrentarse por última vez. Recopila los números 16 al 19 de la serie regular.

Valoración: LOW es en muchos aspectos la antítesis de Seven to Eternity. Greg Tocchini me parece mucho peor dibujante y narrador que Jerome Opeña, pero sin embargo, sus página respiran muchísima más personalidad, carisma y originalidad que la última obra de Remender y Opeña.

La historia de LOW gira en torno a la lucha de una familia por tener fe en un futuro mejor incluso cuando todo a su alrededor se derrumba. No puedo calificarla de “entretenida” como Deadly Class, en el sentido de diversión over-the-top, ya que estamos contemplando un sufrimiento sin fin de los protagonistas, que de momento siguen perdiendo lo poco que les queda. Entiendo que Remender utiliza un recurso narrativo de libro como es hacer caer a los protagonistas para poder contarnos a continuación cómo se levantan. Pero llevamos cuatro tomos y no se si nos estamos acercando a la luz. En todo caso, los personajes sí han conseguido que conecte con ellos, y me interesa saber cómo va a continuar la historia, así que no hay duda que seguiré comprando esta serie.

Por cierto, no puedo terminar esta reseña sin comentar un elemento que no me ha gustado nada de este último tomo, y es que sólo recopila cuatro números americanos. Dado que los tomos de Image normalmente agrupan 5 ó 6 números por un precio de 15.99/16.99 US$, Remender nos «cuela» más de 20 páginas de extras con bocetos de Tocchini, cosa que se nota demasiado que no es un «bonus» para los fans sino un relleno que justifique el precio de portada. Si el tomo son cuatro números, ¿por qué no lo publicas como siempre con el comic y las portadas pero con un precio de portada de 9.99 $? Eso hubiera sido lo ético y lo lógico y yo hubiera pagado encantado. En serio, me ha parecido algo tan evidente y saca-cuartos, que me ha molestado bastante. Con el agravante que Remender es uno de los autores de mayor éxito de Image y se supone que está ganando bastante dinero con sus series. Frente a autores como Robert Kirkman que regularmente hace promociones en sus series y aumenta páginas sin repercutirlas en los lectores, este ejemplo de Remender de racanería y de querer explotar a sus lectores me ha decepcionado mucho.

PUNTUACIÓN: 7/10

Y vosotros, ¿seguís estas series escritas por Rick Remender? ¿Qué os han parecido?

Seven to Eternity de Rick Remender y Jerome Opeña

Tenía muchas ganas de leer la nueva serie de Rick Remender con su amigo y colaborador Jerome Opeña (Fear Agent, X-Force), una historia de ciencia ficción que nos traslada en un mundo de fantasía que presenta curiosos paralelismos con la sociedad americana actual.

El Dios de los Susurro ha extendido su paranoia y poder en cada rincón del Reino de Zhal. Sus espías se ocultan en cada reino propagando el miedo y la desconfianza. Frente a esto, Adam Osidis, un caballero agonizante de una casa caída en desgracia, debe decidir si unirse a un grupo de rebeldes que luchan para liberar a este mundo del poder de este casi Dios omnipotente, o aceptar la propuesta del villano Gharils Sulm, que puede conceder lo que su corazón más anhela. En un mundo en el que los hombres se han rendido al miedo, uno de los últimos hombres libres tendrá que elegir.

El equipo creativo es de total confianza. El escritor Rick Remender vuelve a reunirse con sus colaboradores Jerome Opeña y el colorista Matt Hollingsworth para crear una serie de fantasía épica con una sensibilidad moderna basada en la clásica idea de Fausto y su pacto con el Diablo. La idea que transmitían en las entrevistas previas era crear una historia llena de acción, giros inesperados y personajes llenos de carisma y un villano que amenazará con robar el show.

Lamentablemente, este primer tomo me ha sabido a poco por varios motivos. En primer lugar, porque este tomo de presentación solo son 4 números, cuando normalmente un tomo Image agrupa 5 o 6 números. Image vende los primeros tomos de sus series a un precio especial de 9,95$ que invita a nuevos lectores a probar series nuevas por un precio muy asequible. Y si consigue engarcharte, los siguientes tomos ya se venden a precio “normal” de 14,95$ que ya permiten un mayor beneficio para los autores. Lo cierto es que este tomo termina en un suspiro, y espero que la decisión sobre el tamaño del tomo sea totalmente creativa y no fuera provocada por consideraciones económicas.

Pero el principal motivo de decepción es el propio concepto del comic, que gira sobre qué estariamos dispuestos a sacrificar por salvar a tu familia o seres queridos. La historia genera paralelismos sobre el mundo actual, con una sociedad que busca la homogeneidad y lucha contra los que intentan salirse de la norma. E incluso diría que hay una crítica hacia la creciente radicalización de la sociedad americana, que es cada vez más radical y ultraconservador, llegando a negar verdades científicas como el cambio climático, y aceptando mentiras fragrantes como «post-verdades».

De la misma forma, la pregunta central también deriva en qué clase de hombre eres si estas dispuesto a condenar a una vida de penurias a tu familia por mantener tus principios inquebrantables. Lo que a priori es una propuesta interesante y diferente, no llega a triunfar, al menos en este primer tomo, porque la historia se centra en exceso en el “high-concept” y se olvida de construir suficientemente a los protagonistas, en especial a Adam Osidis.

Remender siempre ha sido un autor de personajes que tienen que luchar contra sus propias debilidades, pero en Seven to Eternity me ha parecido que ha dado más importancia al origen del propio mundo y el concepto central. Esto ya lo vimos en su serie “Tokyo Ghost” junto a Sean Murphy, en la que presentaba el conflicto entre el mundo tecnológico actual frente a la naturaleza, y como esta dependencia digital nos está convirtiendo en corderos que seguimos los dictados de las corporaciones. Y en esa serie los personajes principales tampoco engancharon. Esperemos que no pase lo mismo en Seven to eternity.

Entiendo que él y Opeña están creando un mundo de fantasía con una enorme amplitud, pero si los personajes no enganchan, al final la serie está destinada al fracaso. El primer volumen lo componen los primeros 10 números, por lo que en el próximo tomo podremos saber seguro si esta va a ser una serie para mi.

En el acabado artístico, Jerome Opeña con colores de Matt Hollingsworth, realiza un notable trabajo con el diseño de los personajes y su mundo, pero creo que la historia de Remender no le da verdaderos momentos para lucirse. En todo caso, comparto algunas páginas del primer número sin rotular para que podais disfrutar de su increíble fluidez narrativa, que permite seguir perfectamente lo que está pasando sin necesidad de textos de apoyo.

Seven to Eternity me ha dejado cierta sensación de decepción debido quizá al propio concepto de la serie, que parece que da protagonismo a la metáfora frente a los personajes, algo que se está volviendo cada vez más habitual en la obra de Rick Remender. Con todo, creo que estamos ante un equipo artístico de total garantía, por lo que siguen contando con mi confianza.

PUNTUACIÓN: 6.5/10

Fuente previews: CBR

Crononautas, desfase a través del tiempo

Mark Millar y Sean Murphy nos han regalado uno de los comics más gamberros y divertidos de los últimos tiempos: Crononautas. Esta serie de Image Comics ha sido editada en España por Panini y cuenta las aventuras de dos viajeros por el tiempo, pero bajo la premisa de presentarnos una locura tras otra con la acción más «over-the-top» posible.

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Mark Millar nunca fue un guionista sutil, pero sabe crear historias super divertidas que se amoldan a los gustos del artista de turno, en este caso el genial Sean Murphy. El concepto de Crononautas no puede ser más sencillo y directo: Dos científicos descubren la tecnología que les permite viajar por el tiempo y se dedicarán a buscar diversión por todo el continuo espacio-tiempo, aunque ello pueda provocar paradojas que acaben con la Tierra tal y como la conocemos. Una historia políticamente incorrecta marca de la casa Millar, que como en otras ocasiones es perfecta para ser utilizada como storyboard para una futura adaptación cinematográfica.

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Si el guión de Millar va directo al grano y no se guarda nada en la manga, eso es porque tiene de colaborador a un Sean Murphy (Punk Rock Jesus, The Wake, Hellblazer) en plena forma que se nota que ha disfrutado un montón cada viñeta. La mezcla de elementos de diferentes épocas es un locura, pero una que Murphy hace que sea espectacular, sorprendente y muy divertida. Gangsters, samurais, mongoles, dinosaurios, incluso Marilyn o Cristobal Colón tienen cameos que sirven para que digamos «¡Venga ya!» con una sonrisa en la boca. Pero al final, el entretenimiento es total. ¡Objetivo cumplido! Eso si, no le busqueis lógica ni penseis en todas las paradojas que se plantean, que no solo no resuelven sino que inventan otras nuevas por el camino.

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Quizá el único defecto de esta historia está en el propio arte de Sean Murphy. En su obra todas las caras son siempre las mismas, y su estilo tiende a abocetar en exceso a las personas, quedando muchas viñetas casi como caricaturas. En todo caso, esto lo vemos en toda su obra, no solo en Crononautas, y es una opinión mía personal que aparentemente no es muy compartida, ya que Murphy parece ser una de los dibujantes con mayor base de aficionados en la actualidad.

En todo caso, este detalle queda compensado con unos fondos y unos detalles en armas y vehículos sobresalientes. Y encima en la versión americana publicaron algunas portadas excelentes que homenajeaban películas clásicas como esta de Top Gun que os muestro, Regreso al Futuro, Arma Letal  y otras. Una gozada que es una lástima que no hayan sido publicadas en la versión española de Panini.

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Comparto a continuación las primeras páginas de esta historia sin viñetas para que podais disfrutar del arte de Murphy, que está perfectamente acompañado por Matt Hollingsworth en los colores.

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Crononautas es una lectura super divertida que creo que ofrece exactamente lo que se espera de ella. Un comic entretenido y sorprendente. Lo que para mi es más que suficiente para recomendarosla esta semana.

PUNTUACIÓN: 7.5/10