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Crítica de Los Defensores 1-5 de Al Ewing y Javier Rodríguez (Marvel Comics – Panini)

Panini ha terminado este mes con la publicación de Los Defensores, la miniserie de 5 números creada por Al Ewing y Javier Rodríguez que cierra de forma satisfactoria la historia de Saqueador Enmascarado que comenzó en el Marvel Comics 1000.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

¡Las superestrellas Al Ewing y Javier Rodríguez se reúnen para un viaje hasta un cosmos en colisión! Cuando la existencia afronta extraordinarias amenazas, hace falta recurrir a una extraordinaria defensa. ¡Y entonces llamas a Los Defensores! El Doctor Extraño y el Saqueador Enmascarado llevan al no-grupo de Marvel a su más extraña misión, con la que descubrirán la arquitectura oculta de la realidad. Este cosmos no fue el primero en existir, pero si Los Defensores no encuentran al más viejo de los villanos, quizás sea el último.

Miniserie de cinco números USA.

Al Ewing plantea un viaje psicodélico por la historia de las realidades anteriores al actual universo Marvel. Y reconozco que esta historia planteada por Ewing para Los Defensores se me ha hecho un poco bola debido a su propia naturaleza conceptual más que ¿narrativa? de la historia. Pero el dibujo de Rodríguez es antológico, y sólo por él recomiendo sin duda la lectura de este comic.

Una novedad importante de esta miniserie de Los Defensores es que a partir del número dos Rodríguez se convierte en artista completo del comic, frente a un primer número en el que tuvo a Álvaro López colaborando con él en las tintas del comic. Entiendo que o bien ha tenido más tiempo para dibujar esta serie y no ha necesitado la ayuda de López o ha encontrado una herramienta de dibujo digital que le facilita el trabajo y le ha animado a dar el salto a artista completo. Sea como sea, lo cierto es que el comic no se resiente en absoluto y se siente como un trabajo super personal de principio a fin. El tipo de comic que no se puede concebir dibujado por nadie más que él. Hablaba la semana pasada de lo genial que es encontrar un comic que rebose personalidad, y eso es precisamente lo que transmite este comic que se sale de la realidad física a la que estamos acostumbrados.

Al Ewing se sacó de la manga el personaje de Saqueador Enmascarado en el Marvel Comics 1000, publicado en agosto de 2019 (cómo pasa el tiempo). Es uno de esos personajes tan particulares que nadie más que él ha mostrado interés en utilizarlo durante estos meses, empezando porque Ewing tenía pensada una historia muy concreta que por fin hemos conocido en estas páginas. Y en parte tengo que reconocer que sufrí en su día cierta decepción ante un personaje que fue publicitado por Marvel como alguien que sería muy importante en el universo Marvel que sin embargo realmente no lo ha sido en absoluto, limitado a unas pocas apariciones muy concretas, todas ellas creadas por Ewing. En todo caso, una vez leída esta miniserie, hay que quitarse el sombrero por la capacidad que muestra Ewing al crear una historia en la que todo lo relativo a Saqueador Enmascarado encaja perfectamente, como si de un reloj suizo se tratara, empezando por la revelación final de la identidad debajo de la máscara.

Todo encaja alrededor de Saqueador Enmascarado, y el guión tiene detalles chulos como volver a ver a Betty Banner en su identidad de Arpía (tras el final de Inmortal Hulk), conocer a la madre de Galactus o ver cómo Ewing recupera a Nube, un personaje del antiguo comic de Los Nuevos defensores publicado en los años 80/90. Sin embargo, también tengo que reconocer que el guión de Ewing viajando por diferentes realidades previas a la actual me ha parecido una fumada importante, con una sensación de anécdota sin más que sinceramente ha provocado que aparte del dibujo de Rodríguez, no me deje con ningunas ganas de volver a leer este comic.

Ahora mismo ya me he olvidado completamente de la historia y del plan del villano más allá de saber que todo forma parte del complejo engranaje circular de Ewing. Desde cierto punto de vista, el guión de Ewing parece un “engorda-ego” que en lugar de hacer disfrutar al lector con la lectura del mismo, en un instrumento para que críticos y divulgadores puedan valorar su capacidad creadora y su originalidad. Y es una pena, porque realmente he disfrutado mucho de su Inmortal Hulk o su etapa de Guardianes de la Galaxia, pero me ha resultado imposible conectar con estos Defensores, un comic con una sensibilidad que no encaja con la mía.

Comparto las primeras páginas de este comic que sirven para que nos maravillemos ante el maravilloso dibujo de Javier Rodríguez, en este número con el entintado de Álvaro López:

Cuando un dibujante como Javier Rodríguez está en estado de gracia, a los fans comiqueros sólo nos queda sentarnos en el sillón de lectura y disfrutar del regalo que nos ofrece. Eso son Los Defensores, incluso a pesar de no acabar de conectar con la historia de Ewing.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Caballero Luna episodio 4 (Disney+)

Caballero Luna acaba de rompernos la cabeza con un giro de guión que ha lanzado la serie a una nueva dimensión.

PUNTUACIÓN: 8/10

Artículo CON spoilers.

Episodio 4. La tumba.

Marc y Steven buscan el equilibrio mientras un peligro sobrenatural amenaza con detenerlos.

Jeremy Slater se mantiene como creador y jefe de escritores de la serie, aunque este episodio cuente con guión de Alex Meenehan y Peter Cameron con Sabir Pirzada. El episodio de 53 minutos (46 sin los títulos de crédito) ha sido dirigido por Justin Benson y Aaron Moorhead, que ya se encargaron del segundo episodio.

En este episodio tenemos por fin grandes momentos de lucimiento no sólo para Oscar Isaac (Steven Grant / Marc Spector / Caballero Luna), sino también para el resto del trío protagonista formado por Ethan Hawke (Arthur Harrow) y May Calamawy (Layla El-Faouly).

Continuando justo donde se quedó el tercer episodio, el 80% del episodio mantiene el tono aventurero iniciado la semana pasada, con una mejora sustancial a lo visto hasta ahora al recordar a Indiana Jones con la exploración de la tumba oculta en el desierto. En este sentido, me resulta curioso que el mejor episodio de la serie sea justo en el que NO aparece el traje de Caballero Luna. Ninguno de los dos. Junto al tono aventurero, hay varios momentos cercanos al terror (dentro de los confines permisibles en una serie de Disney+) que funcionan muy bien y que añaden peligro y sensación de amenaza al conjunto.

También me gusta el drama que vive Layla cuando descubre que Marc estuvo presente cuando murió su padre y no evitó su asesinato. Y que si posteriormente se acercó a ella fue más por remordimientos y culpa por no haber podido salvarle que por amor. Este episodio nos muestra la calidad de la actriz May Calamawy ante el shock que ha destrozado el mundo de Layla.

También Ethan Hawke se beneficia enormemente del guion del episodio, ya que el personaje de Harrow ahora sí que tiene un papel importante en la historia, y no como en los últimos episodios en los que simplemente aparecía. En concreto, me parecen escenas muy potentes su diálogo y la revelación a Layla, su enfrentamiento con Marc / Steven y sobre todo, su papel en el enorme giro final. Hawke muestra una gran versatilidad y se ve la idea que planteó para el personaje, ya que si Marc / Steven eran todo desequilibrio y locura, él debía interpretar a alguien que transmitiera equilibrio y cordura. Algo que efectivamente se ve en pantalla, mostrando la inteligencia de Hawke.

Por supuesto, Oscar Isaac vuelve a lucirse de forma alucinante. Hasta en la última escena con el grito consigue hacer reconocibles a Marc y a Steven a pesar de compartir la misma apariencia. Los matices vocales y sus diferentes dinámicas corporales me vuelan la cabeza todas las semanas, y este episodio tiene varios momentos para lucirse que Isaac aprovecha de maravilla. Por cierto, en este episodio prácticamente no hay humor, y la verdad es que es algo que agradezco muchísimo y creo que le viene muy bien a la serie.

En este momento tengo que comentar que el episodio también muestra los mismos problemas de episodios anteriores. Empezando por unas escenas de acción más bien flojas y algunos sets (el hoyo dentro del yacimiento por ejemplo) que no me los he terminado de creer y me daban cierta sensación de cartón-pluma. Junto a esto, aunque los momentos cercanos al terror me han gustado, no dejo de pensar que una vez vistos los 4 episodios, la serie está intentando ser muchas cosas a la vez sin acabar de triunfar en ninguna. Y tengo claro que puede ser normal que una historia con un protagonista con problemas mentales no acabe de mostrar una identidad concreta, pero espero que sepan unir todos los aspectos de Marc / Steven / Caballero Luna en los dos episodios restantes.

Pero hay que reconocer también que la serie seguiría siendo una «bien sin más» si no fuera por el enorme giro del episodio, cuando tras morir Marc en la tumba de Alejandro Magno asesinado por Harrow, Marc se despierta en un centro psiquiátrico, donde parece que todo lo que hemos visto hasta ahora podría no ser más que un delirio esquizofrénico. El giro, que entiendo acabará demostrándose que se trata del interior de la mente fracturada de Marc, Steven y la tercera personalidad encerrada en el segundo sarcófago, ¿más una cuarta representada por Harrow en la figura del psiquiatra? ¿O se trata de Khonshu?, me ha volado la cabeza y me parece el momento más brillante de la serie hasta ahora.

Me encanta escuchar a los directores Justin Benson y Aaron Moorhead referirse a este momento y comentar que su principal fuente de inspiración fue el comic de Jeff Lemire y Greg Smallwood, dentro que las historias son muy diferentes entre si. Este enorme giro tiene muchas posibilidades de conseguir que le serie consiga dejarnos con un gran sabor de boca al representar de una forma diferente e interesante el problema de las personalidades múltiples de una forma mucho mejor que la de la «buddy-movie» con dos personalidades discutiendo todo el rato que hemos visto hasta ahora, algo con lo que no he conectado nada en absoluto.

Me gustaría pensar que la semana que viene nos mostrará el origen de Marc y los motivos de su trastorno mental. Consiguiendo al final reconciliar sus personalidades para trabajar juntos de cara al climax final de la serie del sexto episodio. Obviamente puedo equivocarme, pero al menos me alegro de que mi apreciación las semanas anteriores que Caballero Luna tenía un amplio margen de mejora se ha demostrado correcto. De hecho, espero que el próximo episodio sea aún mejor que este.

Comparto el teaser trailer de este episodio:

https://twitter.com/MarvelStudios/status/1516824013833703432?s=20&t=fbL831ZVRC0K-PhodU3RGw

El final de Caballero Luna de esta semana me ha volado la cabeza y me ha dejado con ganas de más. Esperemos que la semana que viene mantenga este nuevo impulso e interés que ha adquirido la serie.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Die Vol. 3 de Kieron Gillen y Stephanie Hans (Panini)

He vuelto al mundo de Die, el comic de fantasía creado por Kieron Gillen y Stephania Hans inspirado en el mundo de los juegos de rol. Comento mis impresiones del tercer volumen.

PUNTUACIÓN: 7/10

En 1991, seis adolescentes desaparecieron en un juego de rol de fantasía. Solo volvieron cinco. En 2018, cinco adultos se ven arrastrados de vuelta al juego, para descubrir que el sexto quiere que terminen la partida…

En el mundo de DIE, el juego es real y el tablero amenaza con cubrirse de sangre. ¿Quién es la reina y quiénes son sus peones? ¿Quien juega para ganar? ¿Quién ha olvidado para qué está jugando? ¿Y qué harán cuando se les recuerde lo que está en juego? El gran éxito de fantasía oscura aclamado por la crítica se vuelve épico en su tercer volumen.

Kieron Gillen (Once and future, Journey into Mistery, Star Wars) y Stephanie Hans (The Wicked+The Divine, Batwoman) nos transportan a un universo de fantasía y emociones humanas, en el que las únicas opciones son jugar o morir.

Este volumen recopila nos números 11 a 15 USA, publicados por Image Comics.

Compré en 2020 los volúmenes uno y dos de Die, y aunque me gustó la recreación que Gillen y Hans hacían del mundo de los juegos de rol, tampoco es que me volara la cabeza por varios motivos, empezando porque no soy jugador. Es por esto que no compré el tercer volumen el año pasado cuando Panini lo publicó en España. Sin embargo, la noticia de la publicación del cuarto y último volumen que cierra la historia me ha animado a ponerme de nuevo con este comic en previsión de la compra inminente del último tomo.

Y en este tercer volumen me he encontrado más de lo mismo para bien y para mal. Empezando por lo bueno, Gillen sigue desarrollando su historia con la precisión de un relojero suizo. La sorpresa de este tomo sobre la creación del mundo de Die, que confirma algo que ya fue sugerido en el tomo anterior, lleva la historia a un nuevo nivel de cara al climax final que tendrá lugar en el próximo tomo. Aunque Die sigue con la tónica de centrar cada grapa en uno de los cinco protagonistas vivos, Gillen plantea este comic como una lectura de tomo, de forma que los números 11 a 15 contenidos en este volumen se sienten como un arco con inicio y final dentro de la historia general.

Gillen está planteando Die además de para jugar con los arquetipos de los juegos de rol, en muchos casos para darles la vuelta, para rendir homenaje a los que él considera que son los padres (aunque sea a nivel de inspiración) de los juegos de rol. Si en el primer tomo Tolkien nos sorprendió con su presencia y en el segundo conocimos la historia de la familia Brönte, en este tercer tomo hay un nuevo invitado que me voló la cabeza. Este padre de la ciencia ficción moderna cuyo nombre no revelaré por si alguien no ha leído este tomo, es utilizado por Gillen para lanzarnos un pegote expositivo que le permita explicar la realidad (y el giro) de mundo de 20 caras donde los protagonistas viven sus aventuras. Y aunque en parte la sorpresa de la propia identidad del personaje y su conexión con los juegos de rol molan, realmente este tercer número sufre por el exceso expositivo y porque se nota que la función del personaje es precisamente esa.

En lo relativo a los protagonistas, hay que reconocer que Gillen se esfuerza en convertirles en seres complejos con defectos y problemas a los que deben sobreponerse si quieren volver a la Tierra. La complejidad de sus caracterizaciones me parecen dignas de elogio y me parece genial que alguno de ellos se comporten como el villano de la función, pero debo de reconocer que a pesar de todo no he logrado empatizar con ninguno, lo cual al final acaba siendo un problema. En este sentido, siento que al no haber sido jugador de rol me estoy perdiendo una parte fundamental del subtexto del arquetipo que representan, cosa que también me da una sensación decepcionante, al no triunfar los personajes como esperaba dentro de la experiencia lectora.

Stephanie Hans me parece una ilustradora increíble y sus imágenes me transmiten una tremenda expresividad, sobre todo con la utilización del color en cada escena. Pero ahora que me he leído los tres volúmenes de un tirón, parece como si estuviera sufriendo una involución mientras dibuja (pinta) Die, porque me da la sensación que cuenta cada vez peor la historia, con una nula fluidez narrativa a todos los niveles, entre viñetas y en si entre las diferentes páginas. No tengo claro si fue por los plazos de entrega o si hay un motivo concreto, pero la cosa va a peor con cada número. Y es una pena, porque como ilustradora ya digo que me parece brillante, pero esto resalta lo difícil que es contar una historia y cómo no es suficiente con dibujar bonito o saber crear momentos icónicos para ser una buena dibujante de comics.

Me está quedando una reseña negativa en esta última parte, pero existiendo estos elementos menos buenos, la verdad es que tengo ganas de conocer el final de la historia y si todos los protagonistas van a poder regresar a nuestro mundo. En breve compraré el cuarto volumen y os comentaré que tal estuvo el final.

¡Ah, por cierto! Comentar además que aunque es lo menos importante, me ha sabido mal que en este tercer tomo no hubieran los textos de Gillen en los que explicaba y daba contexto a diferentes elementos del comic. Entiendo que si no están es porque Gillen dejó de publicarlos en la versión USA, lo cual es una pena porque me parecían muy interesantes. En este sentido, las entrevistas a creativos del mundo del rol que si están incluidas en este tomo no podían interesarme menos, aunque sí me gusta la explicación de Hans sobre la paleta de color que utiliza en cada página y que le ayuda a crear el tono emocional que estima más conveniente.

Comparto las primeras páginas de este volumen:

Die se dirige al final y no ha dejado de ofrecer sorpresas y giros interesantes que me dejan con ganas de saber cómo termina la historia, incluso a pesar de un dibujo con el que cada vez conecto menos.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Crítica de Calls (Apple TV)

Aprovechando mi suscripción este mes de Apple TV, he disfrutado mucho con la sorpresa que me ha dado Calls, colección de cortometrajes creados por Fede Álvarez adaptando una serie francesa del mismo nombre.

PUNTUACIÓN: 8/10

«Calls» es una adaptación estadounidense, en inglés, de la serie francesa de cortos «Calls», creada por Timothée Hochet. (FILMAFFINITY)

«Calls» se desarrolla mediante una serie de llamadas de teléfono, aparentemente cotidianas e inconexas, pero que rápidamente se irán volviendo inquietantes, a medida que los personajes se van enfrentando a experiencias aterradoras. La serie en su versión americana ha sido creada por Fede Alvárez, adaptando la serie francesa del mismo nombre creada por Timothée Hochet. No sorprende por tanto que esta versión en inglés sea una coproducción entre Apple TV+ y la cadena francesa Canal+.

Federico «Fede» Álvarez (Montevideo, 9 de febrero de 1978) es un director de cine y guionista uruguayo. Es conocido principalmente por haber dirigido el reboot de Posesión infernal y el thriller No respires. Álvarez dirigió The Girl in the Spider’s Web, un reinicio de la serie en inglés The Girl with the Dragon Tattoo, basada en la novela del mismo nombre escrita por el sueco Stieg Larsson. En 2019, Álvarez dirigió, junto a Doug Liman, los reshoots de la película de 2021 Chaos Walking, que añadieron 15 millones de dólares adicionales al presupuesto de la película. Unos reshoots que no salvaron la película, por cierto.

Álvarez dirige los nueve cortometrajes de los que se compone esta serie y escribe en solitario cuatro, mientras que otros tres están co-guionizados por él. Sólo el segundo episodio, escrito por Nick Cuse, y el cuarto de Aidan Fitzgerald & Noah Gardner no cuentan con Álvarez en labores de escritura. Estos 9 episodios, que rondan entre los 15 a los 22 minutos de duración, son los siguientes:

Episodio 1: El final
«Hay alguien afuera. / ¿Qué? / Está en el patio trasero…tengo miedo.» Con voces de: Nicholas Braun, Lily Collins, Karen Gillan, Nika Futterman

Episodio 2: El principio
«¿Qué día? / El día en que te jodiste la vida, Mark.» Con voces de: Aaron Taylor – Johnson, Riley Keough, Ben Schwartz, Jennifer Tilly.

Episodio 3: Pedro, el que vive enfrente
«Resumiendo, me pidió que fuera a su casa a recoger una bolsa / ¿Quién va y te pide eso?» Con voces de: Mark Duplass, Judy Greer, Pedro Pascal.

Episodio 4: Todo está en tu mente
«Esto va a sonarte raro, pero mis brazos se están estirando, cada vez son más largos….» Con voces de: Rosario Dawson, Laura Harrier, Gilbert Owuor

Episodio 5: Yo, yo mismo y Darlene
«Le acabo de disparar. Estoy llamando a la policía para entregarme, si quieres mandarlos aquí, esperaré.» Con voces de: Paul Walter Hauser, Edi Patterson, Paola Núñez.

Episodio 6: Fue el Universo
«La última vez que te vi, me dijiste que me querías desde octavo curso y que siempre ibas a hacerlo.» Con voces de: Nick Jonas, Danny Huston, Shane Paul McGhie, Tessa De Nicola, Tiana Camacho

Episodio 7: Mamá
«…Y entonces conectarás con alguien en el futuro. / O en el pasado, mejor si es en el pasado.» Con voces de: Joey King, Jaeden Martell, Jenica Bergere

Episodio 8: ¿Hay algún científico en el avión?
«Capitán…nuestro vuelo, este vuelo, está en todas las noticias. Dicen que nos hemos estrellado cerca de Phoenix.» Con voces de: Aubrey Plaza, Clancy Brown.

Episodio 9: La chica de los años bisiestos
«Por favor, pon tus problemas familiares a un lado, ¿vale? El destino del mundo depende de ello.» Con voces de: Aubrey Plaza, Stephen Lang, Clancy Brown, Danny Pudi.

Calls me ha parecido una pasada empezando por su premisa de ESCUCHAR conversaciones telefónicas sin ver a los actores ni las acciones que nos están contando. El formato de cortometrajes de entre 15-20 minutos me parece perfecto para este tipo de historias a mitad de camino entre la ciencia ficción y el terror, que buscan (y consiguen) crear una sensación perturbadora en el espectador.

Y la verdad es que algunos episodios realizan un ejercicio de tensión que me ha parecido alucinante, con un reparto de voces estupendo que consiguen aportar el plus de dramatismo y emoción que necesita un concepto como este en el que no ves a los actores realizar su trabajo.

Visualmente Calls tienen un plus también muy chulo en la forma en que muestran las llamadas de teléfono y las conexiones que se van formando durante las mismas. Un problema que puede tener un concepto de este tipo es que los cortos acaben resultando repetitivos, y la verdad es que no me llevé jamás esa impresión gracias a la variedad de imágenes, protagonistas y situaciones, junto a que reconozco que vi la serie a razón de un episodio por día. De hecho, he disfrutado mucho, mucho esta serie, con episodios como el octavo o el noveno que me han parecido realmente brillantes.

Más allá de recomendaros la serie, si estáis suscritos a Apple TV es de visionado obligado, no quiero comentar más elementos, porque creo que ya cualquier cosa que diga va a entrar en territorio de spoilers, y estamos ante una serie que merece ser descubierta con cuanta menos información mejor. Si has llegado hasta aquí, no lo dudes y anímate a ver esta serie.

Comparto el trailer de esta serie:

Calls ha sido una sorpresa importante y un concepto super entretenido. 100% recomendable.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Patrulla-X: El Juicio de Magneto de Leah Williams, Lucas Werneck y Edgar Delgado (Marvel Comics – Panini)

Este mes de abril ha terminado la publicación de la miniserie Patrulla-X: El Juicio de Magneto de Leah Williams, Lucas Werneck y Edgar Delgado que tomó el testigo de la finalizada serie de X-Factor. Comento mis impresiones de este comic, y en general de algunos de los problemas de la franquicia mutante.

PUNTUACIÓN: 5/10

¡La historia que golpeará los cimientos de Krakoa! Un terrible asesinato. Una sorprendente revelación. Un juicio que dividirá a la nación mutante. Leah Williams y Lucas Werneck te traen la saga que amenazará el Reinado de X y pesará sobre el mundo de los mutantes. La verdad está oculta, el peligro está lejos de terminar y el juicio ha comenzado.

Patrulla-X: El Juicio de Magneto es una miniserie de 5 números que ha terminado de publicarse al mismo tiempo que Inferno. Y junto al final de Jonathan Hickman en la franquicia mutante, este comic muestra el enorme problema de fondo que sobrevuela al mundo de Krakoa y que tras esta miniserie se va a convertir en un despropósito aún mayor.

El apartado artístico de Lucas Werneck y Edgar Delgado es de largo lo mejor de este comic. Werneck me ha sorprendido positivamente, siendo un artista de la nueva hornada que se distingue por una línea clara de dibujo y por una buena capacidad narrativa. Junto al color de Delgado han conseguido que el comic sea facilísimo de leer con muchos momentos espectaculares, así que si sólo valoráramos el comic por su dibujo, la nota sería de notable.

No tengo claro si el problema de este comic es el guión de Leah Williams, o si en realidad ella tan sólo ha ejecutado un mandato editorial que le ha venido sobrevenido y lo ha ejecutado lo mejor que ha podido. Que no ha sido algo especialmente bueno. Pero en términos generales, la historia es un despropósito, empezando por un comic llamado «El juicio de Magneto» en el cual no se celebra ninguna vista contra el Señor del Magnetismo. Y obviamente el problema no es romper las expectativas, siempre que lo que ofrezcas a continuación sea mejor. Y la historia de Williams es una locura tras otra, dicho en el mal sentido.

Esta historia inicialmente tendría que haberse publicado dentro del a serie de Factor X, pero sus bajas ventas y el convencimiento que poner un «X-Men» en portada haría que aumentaran las ventas aceleró el final de Factor X para abrir hueco a esta historia. Hay un elemento menor en la misma y es hacer aparecer a Los Vengadores para dar a este comic una mayor sensación de EVENTO, como puede comprobarse en la portada del segundo número, cuando luego literalmente no hacen nada importante que justifique su presencia, aparte de estar ahí. Esto ya digo que me resulta un elemento menor y desde luego lo menos importante de un comic construido desde el «porque sí» constante que rompe la suspensión de credulidad de todas las peores formas posibles.

Si en el final de Inferno se nota que el mandato editorial era quitar a Moira de la ecuación mutante como fuera, en teoría para dar mayor libertad a los creativos para hacer lo que les interese, se veía a la legua que este comic estaba planteado para borrar la aberración que supuso hacer que Wanda y Pietro Maximoff NO fueran mutantes debido a la lucha por los derechos cinematográficos entre Marvel Studios y Fox. Ahora que Disney compró Fox, el problema no existe, por lo que había que crear una historia que devolviera a Wanda el statu-quo anterior. Y ese es parte del problema, porque de todas las soluciones, han optado por una que devuelve la cualidad mutante de Wanda Maximoff (Bruja Escarlata), pero no a su hermano Pietro (Mercurio), lo cual resulta realmente ridículo.

El juicio de Magneto está planteado como un «whodunit», a partir del final sorpresa de X-Factor en la gala Fuego Infernal, en el que se encontró el cadáver de Wanda. En este comic se inicia una investigación en la que todos los indicios apuntan a Magneto, lo que pondrá en marcha una montaña rusa de giros y sorpresas casi en cada número que tengo que reconocer hacen que la lectura sea super movida ante todo lo que está pasando.

Lo malo es que las sorpresas no son del todo positivas. Un primer problema es que si Wanda siempre fue un Deus-Ex-Machina viviente, dado que sus poderes de alteración de la realidad (o magia del Caos, según se ha dicho en determinadas etapas) la permitían hacer cualquier cosa, tras el final de este comic han llevado este poder hasta cotas ridículas. Obviamente Wanda no iba a permanecer muerta, eso estaba descontado de inicio, pero la sorpresa, que acaba no siendo tanta, de la identidad de su asesino (o asesina) y de lo que realmente ha pasado se convierten en algunos de los elementos más tontos que he leído en mucho tiempo dentro de Marvel Comics.

Y no es sólo la forma en que es resucitada, o más bien tendría que decirse ¿auto-resucitada?, es que la historia parece planteada para borrar los efectos de Wanda y su «no more mutants» en House of M, como si en este mundo feminista actual no puede admitirse que un personaje femenino no sea perfecta y haya cometido actos cuestionables en su pasado. Ya comentaba sobre Inferno lo mucho que me disgusta la posibilidad de las resurrecciones de mutantes en Krakoa que al final eliminan la posibilidad de cualquier impacto o repercusión a nada de lo que pasa.

Pero que gracias a Wanda ahora sea posible resucitar a cualquier mutante de cualquier momento temporal se tenga un back-up de su memoria o no, es una de las peores ideas de una franquicia que se está luciendo últimamente. Algo representado en un John Proudstar (Ave de Trueno) fallecido en 1975 cuya resurrección nadie pidió y resulta ser un personaje que redundante teniendo en cuenta que su hermano James (Warpath) es básicamente el mismo personaje con los mismo poderes. El final de este comic cambiando el status-quo del personaje convirtiendo a Wanda de alguna manera en la salvadora de la nación mutante tras haber sido durante años casi su destructora me parece una mala idea que no mejora lo que ya había, que aportaba un nivel de tensión dramática que estaba muy bien.

Hay una parte de este Juicio de Magneto que entiendo que no es responsabilidad de Leah Williams sino de los editores que proponen esta idea o, en todo caso, aprueban lo que envía la escritora. Y en este caso entiendo que el porcentaje de responsabilidad del editor es bastante importante. Pero una vez la escritora acepta escribir esta historia, puede plantear una historia correcta que use bien la historia de los personajes, o plantear una locura tras otra pensando que los lectores nos vamos a quedar tan sorprendidos por los giros que no nos vamos a plantear si lo que nos están contando tiene sentido. Lamentablemente, el juicio de Magneto forma parte de este segundo tipo de historias, lo cual provoca que la lectura no haya podido ser más floja y decepcionante.

Es por esto que el Consejo Mutante prohíbe la resurrección de Wanda para que justo a continuación Rachel Summers y los demás se salten esta prohibición como si nada. Para que después se demuestre que Wanda no necesitaba a los mutantes para resucitar por su cuenta, inventándose una amenaza de super Kaijus que no pinta nada aparte de rellenar páginas y provocar unas peleas que que resultan más que fallidas. Y el problema es que toda esta miniserie es así.

Leah Williams es junto a Tini Howard una de las peores escritores de la franquicia mutante actual. Tenía cierta esperanza que esta miniserie me reconciliara con la escritora de Marvel, pero lamento tener que decir que no ha sido el caso, e intentaré mantenerme lo más alejado de sus comics como me sea posible, dado que obviamente escribe comics que no son para mi,

Comparto las primeras páginas del comic:

A pesar de su estupendo dibujo, Patrulla-X: El Juicio de Magneto ha sido un despropósito. No sólo por la forma en que han contado todo, sino por las implicaciones que este comic va a tener para la franquicia mutante.

PUNTUACIÓN: 5/10

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