Crítica de Escuadrón Suicida 1-11 de Tom Taylor y Bruno Redondo (DC Comics – ECC Ediciones)

Esta semana se estrena por fin The Suicide Squadron del genial James Gunn. Es por ello el momento perfecto para recomendar el último gran comic de esta cabecera a cargo de los fan-favourite Tom Taylor y los artistas españoles Bruno Redondo y Daniel Sempere, que ECC Ediciones terminó de publicar en España hace unos pocos meses.

PUNTUACIÓN: 8/10

¡Nueva serie mensual! Los responsables de la etapa más celebrada de Injustice, el escritor Tom Taylor y el dibujante español Bruno Redondo, presentan la encarnación más salvaje de la Fuerza Especial X. El infierno se desata cuando Harley Quinn, Deadshot y el resto del Escuadrón descubren que han sido traicionados por el mismísimo gobierno estadounidense. ¿En quién pueden confiar ahora los villanos? Los líderes en la sombra y los protagonistas han cambiado, pero el objetivo sigue siendo el mismo: ¡sobrevivir!

Tom Taylor parece una mina de oro para DC Comics. A pesar de la decepción de Seven Secrets en Boom, sigo disfrutando de su DCSos y Nightwing, pero hoy quiero centrarme en su historia de 11 números para Escuadrón Suicida, un arco cerrado planteado desde el comienzo con un final claro que significó la plataforma de lanzamiento de una nueva generación de héroes: Osita, Guiño, Aerie y Jog como principales y Tilacina, Gatita Caos y Mortífero Seis como personajes secundarios del grupo.

Junto a Taylor tenemos en el dibujo al dibujante español Bruno Redondo, que dibuja a lápiz y tinta. El artista nacido en Alcázar de San Juan y afincado en Barcelona, que empezó a colaborar con Taylor en Injustice, ha pegado un salto de calidad bestial en los últimos años, algo que se hace palpable en estas páginas y en su actual encargo Nightwing. Su estilo se caracteriza por un lápiz fino centrado en la narrativa y en la caracterización, consiguiendo que la acción se vea de la forma más dinámica posible y que le cojas cariño a los personajes.

Redondo dibuja ocho de los once números, y en este caso tenemos mucha suerte, o los editores de DC acertaron de pleno, porque los tres fill-ins están dibujados por el barcelonés Daniel Sempere, otro excelente dibujante que consigue que no notemos la ausencia gracias a su estupenda narrativa. Con Sempere tenemos a Juan Albarrán en las tintas, y Adriano Lucas en el color de toda la serie, lo que también ayuda a dar una mayor uniformidad al conjunto

Estos once números son una montaña rusa estupenda en la que nunca sabes lo que va a suceder a continuación. Frente al nuevo grupo de personajes, Harley Quinn y Deadshot son los principales personajes que se mantienen de anteriores alineaciones del Escuadrón Suicida. Una cosa muy chula que queda establecida desde el primer número es que excepto quizá Harley Quinn, cualquiera del resto puede morir en cualquier momento. Que la esperanza de vida en esta actividad no es muy grande queda claro en todos los números.

Taylor consigue que pasen muchas cosas en cada grapa con una o dos sorpresas y/o puntazos por número, siendo lo contrario al decompressing storytelling (¿he oído Bendis?). Y es muy listo, porque dentro que este en un comic centrado en la aventura y la acción, consigue añadir las gotas justas de caracterización en los personajes para que cuando llegue el golpe, la muerte te impacte porque has llegado a cogerle cariño. Taylor se confirma en cada encargo en un maestro en lo relativo a la narrativa periódica que ofrecen los comics.

Otro elemento a favor es que puedes empezar a leer este comic de cero sin necesidad de tener bagaje previo con esta cabecera de Escuadrón Suicida, o con los personajes individuales, ya que Taylor ofrece la información justa para engancharte sin problemas. De hecho, la caracterización de Osita, Guiño y Aerie me parece modélica, dejándonos con ganas de leer más de estas heroinas de nueva creación.

En lo relativo a la amenaza, Taylor plantea su historia como una crítica hacia la explotación que los Estados Unidos, y en concreto el conglomerado industrial-militar, plantea hacia países del tercer mundo con recursos naturales a los que buscan esquilmar a cualquier precio, poniendo y quitando gobiernos para controlarles. Este es un tema recurrente desde los años 70 en todos los medios, y creo que Taylor equilibra bien la aventura pura con la denuncia, quedando un comic super entretenido de leer que deja al lector con una satisfacción total.

Por mencionar un pero hacia Taylor, como digo pasan muchas cosas en estos 11 números y hay un montón de giros en la narración, pero quizá algunas de las sorpresas, principalmente todo lo relacionado a la identidad del villano en la sombra, son un tanto gratuitas y tramposas. De igual modo, la forma en que resuelve el último cliffhanger del final del número 10 es otra trampa de guión de libro, que se perdona por lo entretenido que es todo, pero que no deja de estar ahí, a la vista de todos.

Por otro lado, dentro que este Escuadrón Suicida me ha gustado mucho y que dentro de la propia naturaleza del comic está que mueran la mayoría de personajes, se me plantea la duda con una muerte de un personaje principal de la serie. Si alguien importante muere, el impacto es mayor, eso está claro. Pero ¿realmente era necesario que muriera? Diría que Taylor sabía de inicio que ese personaje tenía que morir al final, contando con el beneplácito editorial, y por eso hay un número casi entero dedicado a él y a su familia previamente con el objetivo de amplificar la pérdida. En todo caso, dentro que está más que justificado, me deja cierta sensación de que no era realmente necesaria y se planteó para transmitir que el comic era «importante» y su compra imprescindible.

Esto último no es una crítica real, más bien la confirmación que me da pena que ESE personaje haya muerto, a priori sin posibilidad de resurrección, al tratarse de un humano normal y corriente. Descanse en paz.

Comparto las primeras páginas del comic:

Escuadrón Suicida de Tom Taylor y Bruno Redondo es la enésima confirmación que no hay malos personajes sino malos autores que no saben sacarles partido. Y Taylor, Redondo y Sempere son muy buenos.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Kingdom: La historia de Ashin (Netflix)

Kingdom fue una de las series sorpresa de Netflix durante sus dos temporadas gracias a su interesante premisa mezclando el género de zombies con el drama histórico. El estreno de Kingdom: La historia de Ashin, película especial centrado en un personaje menor da a entender que aún queda mucha tela que cortar en esta historia.

PUNTUACIÓN: 7/10

Un misterioso descubrimiento aviva la sed de venganza de una mujer que ha perdido a toda su familia. Episodio especial de Kingdom, centrado en el personaje de Ashin, que apareció brevemente al final de la segunda temporada. (FILMAFFINITY)

Kim Seong-hoon dirige el spin-of de su serie histórica de zombies Kingdom. Esta película está a su vez escrita por Kim Eun-hee, guionista de la serie, lo que asegura la perfecta conexión entre la serie, esta película, y la que espero sea la futura tercera temporada de la serie.

El reparto está compuesto por Jun Ji-hyun, Park Byeong-eun, Gyo-Hwan Koo, Kim Roe-ha, Jeong Seok-won, Kim Shi-A, Beom-Taek Kwon, Su-ji Jeon.

Kingdom transcurre durante la Dinastía Joseon (1392-1897). Ashin, nuestra protagonista, fue presentada al final de la segunda temporada como la mano detrás de la infección Zombie que asoló Corea. Es esta película conoceremos su origen desde niña como parte de una tribu Yurchen (los antiguos manchúes) que vive en una aldea dentro de la frontera norte de Joseon. Debido al racismo de la época, ni son considerados parte del pueblo de Joseon, aunque el padre de Ashin es un fiel servidor del reino, ni sus hermanos Yurchen les tienen en ninguna estima, al sentir que les han abandonado. Es por esto que la tragedia que ponga en marcha la venganza de Ashin se siente casi inevitable.

Kingdom sorprendió en su momento por un sobresaliente diseño de producción que nos metía de lleno en el drama histórico, al realizar un alucinante recreación del pasado de Corea. La historia de Ashin continúa con esta línea y nos trae una producción modélica en todos los aspectos.

Además de mostrar los motivos que justifican el ansia de venganza de Ashin, una cosa que me gusta de esta película es que explica qué provoca la infección zombie. Esto es una novedad importante dentro del género, en el que en general el virus aparece porque sí, o ha sido creado en un laboratorio y liberado. Que esta película dé las respuestas me parece un plus que me justifica el visionado. Además de poder ver a varios animales zombificados atacando todo lo que pillen por delante, claro.

Quizá el problema de este spin-of es que intenta abarcar demasiado, teniendo muchos elementos que vistos individualmente están muy chulos, pero que puestos en conjunto en una película de 100 minutos no acaban de casar bien y acaban dando una sensación deslavazada, como de partes con una conexión endeble. Y es que tenemos geo política con la posible invasión Yurchen, traiciones al pueblo de Ashin, la explicación del origen de los zombies, una historia de venganza y dos infecciones zombies, una de animales y otra de humanos. Muchos frentes abiertos para muy poco tiempo, de forma que me deja con cierta sensación que todas estas partes hubieran merecido un mayor desarrollo.

En todo caso, hay como digo un montón de momentazos durante la película (aunque quizá varios CGIs sobre todo de los animales queden un pelín flojos), y hay que aplaudir la valentía de los autores al plantear una película tan ambiciosa como es esta Historia de Ashin. Una película super entretenida que merece un visionado.

Comparto el trailer de la película:

Kingdom: La historia de Ashin me ha parecido un estupendo complemento para el mundo de Kingdom, que se muestra imprescindible ante lo que está por venir. Imprescindible para los fans del género de zombies.

PUNTUACIÓN: 7/10

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Universo Sandman: El sueño vol. 3, de Simon Spurrier y Bilquis Evely (ECC Ediciones)

El tercer volumen de Universo Sandman: El Sueño publicado hace unos meses por ECC Ediciones dentro de su sello Black Label cierra de forma perfecta la historia creada por Simon Spurrier y Bilquis Evely. Un comic maravilloso que encantará a todos los fans del Sandman de Neil Gaiman.

PUNTUACIÓN: 8/10

El material de los sueños.

En el Reino de los Sueños, más allá de las puertas de Cuerno y de marfil, la inteligencia artificial conocida como Wan se ha apoderado del trono y se ha convertido en el gobernante supremo del reino. Solo hay un problema: Wan está bastante loco, y su mente matemática contiene el poder para arrasar toda la vida del Sueño.

Abel conoce el secreto de Wan, pero ¿puede hacer algo al respecto?

Dora debe jugar con un demonio que ha descubierto la verdad sobre ella… ¿Qué ocurrirá cuando ella se enfrente cara a cara con el hombre que intentó deshacerla?

Lucien, el bibliotecario, no quiere nada más que morir y unirse a los cimientos del Sueño… ¿Por qué sigue vivo?

Rose Walker fue un vórtice de sueños… ¿Podría tener la clave para detener los locos planes de Wan?

Las respuestas a estas preguntas y más se encuentran dentro de El Sueño: Un movimiento mágico, la alucinante expansión del inmortal Universo Sandman, del célebre autor Neil Gaiman, a cargo del aclamado guionista Simon Spurrier y un equipo de ensueño de grandes artistas, entre los que se incluye a Bilquis Evely, Marguerite Sauvage, Dani y Matías Bergara. Recopila los números del 13 al 20 de la serie original USA.

Me ha gustado mucho este comic El Sueño, y no me importaría que Spurrier y Evely retomaran esta serie en el futuro cuando encuentren la historia perfecta. En este tercer volumen tenemos un brillante cierre a todas las tramas abiertas hasta ahora (si quieres sabes mis impresiones de los volúmenes previos, puedes leer aquí mis reseñas de los tomos uno y dos), de forma que la lectura de estos 20 números USA ha sido super satisfactoria.

Spurrier se ha confirmado como el escritor perfecto para capturar el espíritu del Sandman original de Neil Gaiman. Por un lado tenemos la parte de personajes buscando encontrar su verdadera naturaleza, un argumento recurrente en su obra previa que domina como nadie. Pero para esta conclusión de El Sueño plantea una metáfora brillante sobre la importancia de los sueños y la fantasía en nuestras vidas. En este mundo actual dominado por la practicidad y lo funcional ante todo, está genial que un comic nos recuerde que no somos autómatas programados para trabajar sino que seres con sueños y esperanzas que hay que alimentar y que nos nutren para que nuestra vida sea más satisfactoria.

Dora, Caín y Abel, Lucien y el resto del Sueño obtienen un final satisfactorio que me ha resultado emocionante. Los grandes personajes son los que dejan posos y se convierten casi en parte de mi familia. Dora ha adquirido esa categoría y me encanta las diferentes facetas y las ganas de vivir que transmite al final de la historia. Otro detalle muy chulo de este El Sueño ha sido la forma en que Spurrier ha construido y conectado su historia con toda la historia previa, consiguiendo una sensación de continuación orgánica que me parece un acierto total.

Y si el guión me ha gustado, el apartado artístico vuelve a brillar a gran nivel. Excepto los dos comics dibujados por Abigail Larson en el segundo volumen, hemos podido disfrutar de unos artistas estupendos llenos de personalidad. Junto a la maravillosa Bilquis Evely, un prodigio de inventiva, personalidad y atención al detalle, en este volumen que recopila 8 números USA encontramos a Dani, Matías Bergara y Marguerite Sauvage.

El comic dibujado por Dani es quizá el menos bueno del tomo dentro que me gustó bastante, con varios hallazgos visuales y mucha personalidad. A continuación, el genial Matías Bergara (Coda, junto a Spurrier) nos ofrece su despliegue artístico en un número ambientado en el Infierno con una apuesta con un incierto y original final. Y por último, Marguerite Sauvage dibuja dos números con su habitual calidad. Dentro que es una pena no tener a Evely dibujando todo el comic, creo que los artistas elegidos han aportado un interesante granito de arena en la narración de esta historia fantástica.

El Sueño ha sido un comic perfecto que ha recuperado de forma modélica el espíritu de Neil Gaiman. Ojalá más comics como este.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Tiempo de M. Night Shyamalan

Una película de M. Night Shyamalan es siempre una montaña rusa inesperada de tensión. Tiempo, su última película recién estrenada, nos ofrece eso mismo y mucho más gracias a su original premisa.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Durante unas vacaciones en un paraíso tropical, una familia empieza a percibir que en la recóndita playa elegida para relajarse unas horas suceden algunas anomalías temporales…

Inspirado en la novela gráfica Sandcastle de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters (aunque sólo en la premisa básica), M. Night Shyamalan escribe y dirige la que es su decimo cuarta película en 30 años, lo que marca una carrera envidiable. La película ha costado tan sólo 30 millones de producir, principalmente debido a la propia localización donde sucede la historia, lo que invita a pensar que va a volver a resultar rentable para los productores

Para Tiempo, Shyamalan ha contado con fotografía de Mike Gioulakis, música de Trevor Gureckis y montaje de Brett M. Reed. Debido a la propia premisa, la película está rodada íntegramente en la República Dominicana, siendo la primera película en la que Shyamalan no rueda en Filadelfia. A destacar además que la película se rodó a partir de Septiembre de 2020, terminando en noviembre, lo que marca una de las primeras películas producida tras el COVID.

La familia Cappa protagonista está interpretada por Gael García Bernal y Vicky Krieps como los padres Guy y Prisca. Alexa Swinton, Thomasin McKenzie y Embeth Davidtz interpretan a la hija mayor Maddox que al comienzo de la película tiene 11 años mientras que Luca Faustino Rodriguez, Alex Wolff y Emun Elliott interpretan a Trent, el hijo pequeño de 6.

Junto a los integrantes de la familia Cappa, el reparto de veraneantes atrapados en la playa se completa con Rufus Sewell, Chrystal, Nikki Amuka-Bird, Ken Leung,Eliza Scanlen, Kyle Bailey y Mikaya Fisher. Además, como siempre Shyamalan se guarda un papel secundario en la película.

Tiempo me ha gustado mucho, la verdad. Shyamalan como siempre se erige en un maestro a la hora de planificar una historia sencilla pero muy original con sorpresas y mucha tensión a lo largo de sus 100 minutos de duración. A pesar de rodar prácticamente en una única localización, Shyamalan realiza un trabajo de cámara espectacular que saca el máximo partido del espacio aumentando en muchos momentos la sensación de paranoia que van sintiendo las víctimas de esta playa, además de ayudar a mostrar el paso del tiempo de forma brillante.

Tiempo es una película de trama más que de personajes, pero me gusta cómo consigue hacer que empaticemos, aunque sea un poco, con casi todos los veraneantes. Además, de forma muy inteligente nos muestra como el paso del tiempo afecta a la mente además de a los cuerpos, haciendo que esta situación afecte de forma diferente a cada persona que allí se encuentra. En este sentido, ningún actor del reparto me ha enamorado pero sí creo que realizan un buen trabajo y cumplen con lo que Shyamalan necesitaba de ellos.

En cierto sentido, me recuerda a películas tipo Cube en la que no hay un antagonista al que enfrentarse porque es el espacio en el que se encuentran el que supone el desafío insalvable. Esto, narrativamente, me parece un plus para la película, aunque al mismo tiempo entiendo que haga que pueda haber espectadores que no conecten con la premisa de base, algo vital para poder entrar en la película y disfrutarla.

Como pasa en mucha parte de la filmografía de Shyamalan, la propia premisa encierra una truco que permita finalizar la historia. NO estoy hablando de los tan traídos agujeros de guión, Tiempo NO los tiene, pero si que mencionar una vez un elemento en un diálogo que se supone intrascendente al comienzo de la película que acaba resultando la clave en la resolución sin haber aparecido antes en pantalla es eso, un truco, una pequeña trampa. En todo caso, reconociendo esto, realmente durante el visionado no me supuso ningún problema la forma como finaliza su historia.

Por otro lado, aunque hay cierta pseudo ciencia durante la película, realmente Shyamalan no quiere explicar nada, sólo mostrar lo que sufren un grupo de gente enfrentado a esta situación. Por ello, el final es csi también secundario, lo que en cierto sentido esto recuerda a un episodio de En los límites de la realidad. Esta sensación de ¿intrascendencia? puede que no encaje a según que tipo de espectadores. En mi caso, entré de lleno en la historia y me ha ofrecido un estupendo entretenimiento que he disfrutado mucho.

Comparto el trailer de la película, que casi os recomiendo que NO veáis:

Tiempo ha sido una película super entretenida. Solo por eso ya merece la pena, a veces no hace falta más.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

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Crítica de Velvet de Ed Brubaker y Steve Epting (Image Comics – Panini)

Tras revisionar la obra completa de Ed Brubaker y Sean Phillips, comienzo el mes de agosto recuperando Velvet, la colaboración de Brubaker con Steve Epting (Capitán América, The Marvel Projects) publicado en Image Comics, que buscaba recuperar el espíritu y el carisma de las clásicas historias de espías ambientadas en la guerra fría.

PUNTUACIÓN: 8,5/10

De los creadores más vendidos de CAPTAIN AMERICA: THE WINTER SOLDIER Ed brubaker y Steve Epting llega VELVET, una nueva y atractiva versión del género de espías de la guerra fría. El mejor espía del mundo ha sido asesinado y todas las pruebas apuntan hacia Velvet Templeton, la secretaria personal del director de la Agencia. Pero Velvet tiene un secreto oculto… ¡Porque ella también es la mujer viva más peligrosa que existe!

Velvet fue una serie de 15 números USA, publicados entre octubre de 2013 y julio de 2016. Para esta primera gran historia de Velvet Templeton, Brubaker y Epting, plantearon tres arcos argumentales de cinco números cada uno: Antes del gran final, La vida secreta de los muertos y El hombre que robó el mundo, que fueron publicados en España por Panini. Frente a la regularidad de los comics de Brubaker con Phillips de esa época, Velvet tuvo numerosos problemas de regularidad, ya que tras el estreno de Capitán América: Soldado de Invierno, Brubaker fue fichado por HBO en calidad de Supervising Producer dentro del writer´s room de Westworld. Ante el aumento de su carga de trabajo, Velvet y Steve Epting teminaron “pagando el pato” sufriendo unos fallos de periodicidad al que no estábamos acostumbrados en los comics de Brubaker hasta ese momento.

Brubaker comenta que su amor hacia el género de espías hizo que siempre quisiera realizar una historia ambientada en la guerra fría, protagonizada por un super espía a lo 007 al que quería darle un giro que hiciera que su historia no fuera una sucesión de tópicos del género. De hecho, el tono que imprimió a su Capitán América refleja su intento de crear estas historias dentro del Universo Marvel. Pero claro, dentro que estamos ante una de las grandes etapas del personaje, como historia de espías realmente sólo rascaba la superficie de sus aspiraciones.

La idea de Velvet Templeton, la secretaria que secretamente era más capaz que lo agentes de campo que sólo la veían como una presa a la que conquistar, estuvo rondando en su cabeza durante años en diferentes versiones, hasta que una conversación con Steve Epting en la que el artista expresaba su interés en colaborar en una historia de este tipo, unido al salto que Brubaker hizo a Image y el interés de la editorial por publicar todo aquello que Brubaker les presentara, precipitó el desarrollo de lo que acabó siendo este primer arco de Velvet, que podría resumirse en modo pitch «¿Y si Moneypenny fuera mejor que James Bond?»

Velvet Templeton es un gran personaje. No sólo por lo compleja psicológicamente que es y todo el drama que carga a su espalda. Además, se convierte en la protagonista perfecta para contar un tipo de historia que se siente clásica, pero que contiene numerosos elementos que son super actuales, por ejemplo la posibilidad de una organización secreta que mueva los hilos políticos y económicos en todo el mundo bajo la excusa que «buscan lo mejor para nosotros». Hay un elemento descreído y cínico en la historia en las antípodas del ejercicio de nostalgia por un tiempo pasado que no necesariamente fue mejor.

Este primer arco de Velvet es una historia completa con principio y final cerrado y satisfactorio. Dentro de esto, Brubaker plantea su escritura de forma que pasan un montón de cosas importantes en cada grapa que justifican su compra mes a mes (lo que hice yo), pero a la vez cada uno de los tres arcos de la serie culminan a su vez una etapa en la historia, haciéndola avanzar y generando giros que nos dejaban con ganas de más. Además, ahora que lo releí para escribir la reseña, la lectura fue un suspiro estupendo y funciona también como lectura cerrada.

En este sentido, Brubaker triunfa en todos los aspectos con una historia en la que claramente ha volcado todas sus inquietudes y lo que le gustaría ver en una historia de espías, empezando por algún que otro gadget que Velvet va a utilizar a lo largo de la historia, que no puede ser más bondiano.

Steve Epting es un autentico seguro de vida, y en Velvet realiza un dibujo sencillamente espectacular. Su recreación del mundo de 1973 es maravillosa, desde los vehículos, la ropa y en general todos los escenarios alrededor del mundo en los que se mueve la historia. Además, sabe imprimir una personalidad estupenda a cada uno de los personajes. El estilo de Epting es casi foto realista, y todo desde las caras hasta la dinámica gestual ayuda a transmitir la personalidad de los personajes.

Frente a la tiranía de las chicas jóvenes en el mundo del entretenimiento, Velvet es una mujer que ha superado los 40 años y a punto estará de llegar a los 50, que claramente es mostrada con esa edad en el comic, transmitiendo en la página Epting toda su veteranía, experiencia y dolor por una vida que no salió como ella esperaba. Como elemento curioso, el mechón canoso de Velvet casi parece un homenaje a la Condesa Valentina de Fontaine, la novia de Nick Furia en sus celebrados comics de los años 70 de Jim Steranko y otros artistas.

La colaboración de Elizabeth Breitweiser en el color es espectacular. Además del perfecto dibujo, el color ayuda a trasladarnos al momento cumbre del espionaje internacional en los años 70. Los callejones oscuros, las mesas del casino o los despachos de organizaciones secretas, todo en el comic te mete de lleno y cumple con lo que esperas de una historia de este género. Y es curioso que Velvet es un comic actual publicado hace apenas 5 años, sin embargo todo transmite un feeling atemporal que hace que dentro de 10 años podamos seguir leyendo y disfrutando esta historia.

Y ya no es sólo el dibujo o el color planteado como herramienta narrativa, es que Epting y Breitweiser transmiten el estilo, el flow y la tensión que se supone que una historia de espías clásica debería ofrecer al lector, como si hubieran elegido utilizar los mejores elementos del género a su disposición, ofreciendo una experiencia lectora perfecta.

Dentro que el comic me ha gustado mucho, un elemento menos bueno es que Brubaker parece que está tan centrado en utilizar los tópicos del género que en todo momento hay cierta sensación de familiaridad en lo que estamos leyendo, incluso a pesar de lo original que supone la protagonista, de forma que el giro final y la identidad del villano en la sombra realmente parece telegrafiado desde el minuto uno.

Si tengo que ponerle un pero, es que Brubaker prometió que esta era la primera historia de muchas de Velvet, y sin embargo pasado este tiempo parece difícil que vayan a publicar una continuación. No tengo claro si el comic no se vendió tanto como los autores esperaban o si los retrasos de Brubaker molestaran a Epting hasta el punto de no interesarle una nueva colaboración, teniendo en cuenta que un guionista puede trabajar simultáneamente en varios proyectos a la vez, pero un dibujante sólo puede dibujar un comic al mes, y si él no aceptó encargos durante unos meses para dibujar el comic y luego Brubaker tarda más de la cuenta, en lugar de por ejemplo 6 meses, igual estuvo casi un año sin la fuente de ingresos de los comics de Marvel que entiendo que iría alternando.

De hecho, en 2016 parecía que Velvet tenía el viento a favor, ya que se anunció que Brubaker y Epting habían vendido los derechos del comic a uno de los grandes estudios de Hollywood. Sin embargo, tras estos cinco años el proyecto parece encontrarse en vía muerta aparcado en un cajón. Y es una pena, porque la historia podía dar para una gran película o serie, aunque parece que el género de espías ha perdido su importancia tras Jason Bourne. Más si cabe al hablar de una historia de época.

Comparto lar primeras páginas del comic:

Velvet es un gran comic que gustará a todo tipo de lectores, no únicamente a fans de 007, realizado por unos autores en estado de gracia. Os lo recomiendo sin duda.

PUNTUACIÓN: 8.5/10

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¡Saludos a todos!

Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros