Crítica de Loki Episodio 1 (Disney+)

¡LOKI, el Dios del Engaño ya está aquí! La tercera serie de televisión de Marvel Studios para Disney+ se ha estrenado este miércoles y voy a repetir el seguimiento que realicé a Bruja Escarlata y Visión y Falcon y el Soldado de Invierno, analizando semanalmente cada capítulo. Y de momento, tenemos un episodio de presentación modélico en lo referido a la construcción psicológica del personaje interpretado por el espectacular Tom Hiddleston.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Episodio 1: Glorioso propósito.

Tras robar el Teseracto en Vengadores Endgame, Loki acaba en la Agencia de Variación Temporal.

Tras el final de Vengadores Endgame, una de las series más anticipadas por los fans era precisamente este LOKI, debido al carisma arrollador de Tom Hiddleston. Tras su muerte en Infinity War, descubrir que su versión de 2012 (tras el final de la primera Vengadores) de alguna manera había sobrevivido, no sabemos durante cuanto tiempo, prometía diversión y aventuras a raudales. Para esta serie de seis episodios, Marvel Studios ha contratado a Michael Waldron como creador y escritor en jefe del proyecto, y a Kate Herron como directora.

Waldron es un alumno aventajado de Dan Harmon, ya que su primer trabajo profesional fue en el staff de escritores de Community. También trabajó en HarmonQuest y la serie Heels del canal Starz, además de escribir varios guiones para Rick & Morty. Marvel no cabe duda que ha visto calidad en él, porque además de hacerle creador de esta serie, le contrató para escribir el guión de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura. Teniendo en cuenta el título de esta segunda película del Doctor Extraño, dirigida por Sam Raimi y que se estrenará en 2022, no hay duda que va a ser continuación directa de esta serie.

Kate Herron es una directora, escritora y productora centrada hasta ahora en comedias dirigidas para mujeres. Su principal crédito hasta la fecha es Sex Education, aunque también dirigió Five By Five, un drama de cinco episodios protagonizado por Idris Elba para BBC Three.

Entrando en el casting, volver a tener a Tom Hiddleston como Loki ya es motivo suficiente para ver esta serie, aunque fuera para verle jugar al ping-pong. Casi a modo de coprotagonista tenemos a un sorprendente Owen Wilson como Mobius M. Mobius, un agente de la AVT que se especializa en las investigaciones de criminales temporales particularmente peligrosos. Hiddleston y Wilson han mostrado una química estupenda en este arranque de la serie e invitan completamente al optimismo ante las aventuras que van a compartir.

Junto a ellos, tenemos a Gugu Mbatha-Raw como Ravonna Renslayer, una juez de la AVT que se encargará del caso de Loki, y a Wunmi Mosaku como la Cazadora B-15 de la AVT que detuvo a Loki tras escapar con el Teseracto en Vengadores Endgame.

El primer episodio de Loki me ha parecido modélico. Me ha gustado mucho que Waldron emplee este arranque para explicarnos qué es la Agencia de Variación Temporal (AVT a partir de ahora) y cual es su cometido, y sobre todo para realizar un alucinante análisis psicológico de Loki alejado de los chistes y de la aventura ligera que se podría esperar viendo el trailer o teniendo en cuenta sus apariciones previas en las películas de Marvel Studios. En este sentido, narrativamente repiten el esquema visto en Falcon y el Soldado de Invierno de explicarnos de inicio porqué debemos preocuparnos por el protagonista, para luego entrar a contarnos la aventura en si que protagonizará.

Tom Hiddleston es un actorazo alucinante. El carisma y la presencia que tiene en pantalla está a nivel de los grandes iconos del cine actual, y este primer episodio le permite deslumbrarnos con el amplísimo rango de emociones que transmite en pantalla. En especial el dolor por la pérdida de sus padres, algo que él no ha vivido aún pero que descubrirá que está predestinado que suceda, y la tristeza y la paz de espíritu tras aceptar algo que creo que inconscientemente ya sabía, que no es tan importante como afirma ante los demás, y su destino NO es reinar sobre súbditos inferiores como buscaba en la primera película de Vengadores.

Junto a Hiddleston, me alucina la química que Owen Wilson tiene con él, consiguiendo que los espectadores asistamos hipnotizados a varias escenas entre ambos que realmente son diálogos de plano-contraplano normalitos, pero que ambos consiguen llenar con su carisma y personalidad.

La serie nos ha devuelto la faceta trágica y Shakespeariana de Loki que vimos en primer lugar en Thor de Kenneth Brannagh (película que curiosamente no es mencionada en el episodio). En esa primera película de Thor, Loki era un hijo con un complejo de inferioridad frente a su hermano que pone en marcha un plan para buscar la aprobación de su padre Odin, para que vea que él también es digno de ser Rey. Si unimos esto a la realidad que la AVT le muestra a Loki sobre que no existe el libre albedrío y su destino ya está marcado previamente y es inevitable, tenemos un futuro por delante muy sombrío para el Dios del Engaño. ¡Tanto como que muere a manos de Thanos en Vengadores Infinity War!! Y ante eso parece que no hay vuelta atrás…

El diseño de producción me ha gustado también, creando un mundo de la AVT que tiene un toque retro e irreal a la vez. Me da la sensación que la mayoría de sets se han creado digitalmente usando el DOME desarrollado para The Mandalorian, pero tampoco estoy seguro de ello. En todo caso, la cualidad de mostrar un ambiente que se siente anormal y en el que las leyes fundamentales no acaban de regir como deberían lo han clavado.

Que no se me olvide una mención especial a la música de Natalie Holt, que me ha parecido una pasada, transmitiendo lirismo, tristeza y misterio con una banda sonora que tiene también un feeling atemporal. Reconozco que no conocía a esta compositora, pero voy a estar muy atento a sus próximos trabajos.

A partir de ahora entramos en territorio de spoilers y de especulaciones.

El episodio me ha gustado mucho por todo lo que nos ha contado. Pero me gusta casi más cuando pensamos en lo que no nos han contado, pero queda implícito y puede ser el verdadero motor de la serie. Y es que hemos descubierto que NO existe el Multiverso. O al menos, de momento aún no. Precisamente la función de la AVT es luchar para impedir que se produzcan sucesos que provoquen divergencias de la línea temporal que pudieran provocar la creación de líneas temporales alternativas que son la fuente del Multiverso.

De esta manera, queda claro que Steve Rogers al final de Vengadores Engame NO viajó a una línea temporal alternativa para vivir feliz con Peggy Carter como llegó a especularse en su momento, sino que viajó al 1945 original que llevó a la creación del MCU años después. Por si quedaba alguna duda, se confirma de nuevo que Wandavision ni siquiera roza nada que tenga que ver con un hipotético multiverso como también se especuló durante las semanas de emisión. Y sin embargo, ¿cómo se explica entonces la realidad de 2014 de la que partió Thanos hacia delante en el tiempo en Endgame? Eso es un motivo de divergencia temporal de libro, una realidad temporal alternativa en la que Thanos y su ejército desaparecieron, y que entiendo que de alguna manera tendrá que ser mencionado durante la serie.

De hecho, dado que la serie explica explícitamente que los Time Keepers unificaron todas las realidades en una única línea temporal tras casi quedar destruida tras una guerra entre realidades alternativas (¿estamos ante al anticipación de unas futuras Secret Wars?), surge la duda de si estos “Dioses” son buenos o malos, y si realmente están controlando con fines oscuros la realidad evitando que se expanda en su faceta natural que sería el Multiverso. Teniendo en cuenta el estreno en 2022 de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura, guionizado por Waldron igual que esta serie, parece claro que o estamos ante el mayor troleo de la historia de cine (incluso más que el que sufrimos en Wandavision), o el Multiverso que ahora NO existe al final de este serie sí será una realidad.

Puestos hacer apuestas sobre la que va a ser la verdadera historia de Loki, creo que la serie no va a ir tanto de detener al asesino de agentes de la AVT para lo que Mobius ha seleccionado a Loki, sino que todo va a girar en que los protagonistas descubran que debe existir un multiverso y por tando tienen enfrentarse a los que hasta ahora son los benignos Time Keepers. Desde luego, esta historia a priori me resulta mucho más interesante.

Y a todo esto, obviamente no se como terminará la serie, pero queda claro que un Loki debe volver a 2012 para ser detenido y llevado a Asgard, para que nuestra línea temporal no desaparezca. Obviamente, ese es otro elemento básico para la conclusión de la historia que tiene que pasar si o si. Aunque como digo, tiene que ser un Loki, pero ¿cuál de todos? ¿De qué momento temporal?

Loki ha conseguido captar toda mi atención con este primer episodio piloto. Puestos a ponerle un pero, o a comentar algo menos bueno, debo reconocer que todo me ha gustado, pero realmente nada me ha volado la cabeza. Las piezas están en el tablero de forma correcta, ahora toca acertar con el desarrollo y confirmar las buenas sensaciones iniciales con sorpresas impactantes y revelaciones que cambien para siempre el MCU, que espero se produzcan en los próximos episodios. Espero y confío que nos dejen con el mismo buen sabor de boca que Wandavision y no con la decepción de Falcon y el Soldado de Invierno. Para saberlo, habrá que esperar 5 semanas para salir de dudas.

Comparto el trailer de LOKI:

Si eres fan de Marvel, de los comics y de las películas, no te puedes perder la serie de LOKI recién estrenada.

Puntuación: 7,5/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Xtremo de Daniel Benmayor (Netflix)

Recientemente descubrí que Netflix había producido una película española de acción y artes marciales y mi alegría no podía ser mayor. El resultado: Xtremo de Daniel Benmayor, protagonizada por el especialista en artes marciales Teo García.

PUNTUACIÓN: 4/10

Dos años después de que su hermano Lucero traicionara a la familia, matando a su padre y dejándolo casi muerto, Max está listo para ejecutar su venganza. Su plan, cuidadosamente planeado, se adelanta cuando los hombres de Lucero regresan a la ciudad.

Hablar de Xtremo es hablar de un sueño hecho realidad. Y es que Teo García, experto en artes marciales y gran fan del cine de acción de los años 70, 80 y 90 siempre tuvo el sueño de hacer una película en España que pudiera mirar de tú a tú a las producciones americanas. «Yo tenía el sueño de hacer una película de acción en España. Era prácticamente imposible pero los sueños se cumplen y hoy tenemos para el cine español Xtremo, así que espero que la disfrutéis como nosotros hemos disfrutado haciéndola.«

Tras rodar un primer teaser casero, contactó con Oscar Jaenada, al que convenció para unirse a su proyecto imposible. Juntos rodaron un corto de 15 minutos que se presentó en Sitges 2006. Tras años moviendo el proyecto y frente al consenso que un película de acción de esas características era más factible de hacerse en inglés y en Estados Unidos, García contactó con Vicente Canales y Showrunner Films, que a su vez supieron vender el proyecto a Netflix y Juan Vaine, que dieron luz verde a esta película y aceptaron costear su producción.

Para la película, los productores contrataron a Daniel Benmayor, un director y productor español que previo a Xtremo había dirigido Paintball (2009), Bruc. El desafío (2010), Algo concreto (2013) y Tracers (2015). A partir de una idea original de Teo García y Genaro Rodríguez, el guión definitivo de la película viene de la mano de Iván Ledesma. Xtremo fue rodada en Barcelona durante siete semanas a finales de 2019 y cuenta con fotografía de Juanmi Azpiroz, montaje de Peter Amundson y música de Lucas Vidal.

Junto al mencionado Teo García como Max, la película cuenta con Óscar Jaenada como Lucero, el malvado hermanastro de Max y jefe mafioso, Óscar Casas (hermano de Mario) como Leo, un adolescente que trapichea con drogas y se hará amigo de Max, Andrea Duro como María, hermanastra de Lucero y Max, Sergio Peris-Mencheta como Finito, un asesino sanguinario a sueldo de Lucero, y por último Alberto Jo Lee como Chul Moo, experto en artes marciales guardaespaldas de Lucero.

Empezando con los elementos positivos, hay que aplaudir que se haya dado luz ver a una película de acción y artes marciales de gran presupuesto en España. O al menos, con un presupuesto importante. Esto en sí mismo creo que es un gran logro y le deseo la mayor de las suertes a Xtremo en su recorrido comercial en Netflix, para que con suerte Netflix y otras productoras se animen a hacer más películas de acción en nuestro país, un género que hasta hace nada era un género tabú en España.

Como comentaba antes, Xtremo es una película en la que se nota que Netflix ha invertido mucho dinero, algo que se ve y se siente en todos los valores de producción, sus localizaciones en exteriores de Barcelona, no tener la película confinada en 3 almacenes interiores donde sucede toda la acción, y en general en la calidad de las imágenes que en ningún momento transmite una sensación “cutre” como pasa en muchas películas de serie B. Es motivo de alegría cuando un equipo humano cuenta con todos los recursos necesarios para llevar a la realidad un proyecto soñado durante tanto tiempo.

Y en este sentido, la propia historia personal de Teo García y ver como su sueño de toda una vida se ha hecho realidad me parece algo super chulo, y me alegro muchísimo por él. Por su fe en el proyecto y por no abandonar tras tantos años en los que parecía un sueño imposible. Que esto haya pasado en España con una película de artes marciales realmente es una pasada.

Entrando en la película en si, me han gustado bastante tres de las escenas de acción de combates cuerpo a cuerpo, que confirman que se puede hacer buen cine de acción en España si se cuenta con un presupuesto adecuado. También hubieron momentos puntuales en otras coreografías de acción con detalles chulos que merecen destacarse.

En general, Xtremo creo que es una película que gustará a los fanáticos del cine de artes marciales y me gusta que sea tan honesta y que tenga tan claro el tipo de entretenimiento que ofrece, planteando una historia de acción de forma seria alejada del humor y sin el tono irónico o macarra que tan acostumbrados nos tiene el cine español cuando se trata de mostrar cine de género.

Llegados a este punto, y alegrándome como digo que esta película se haya hecho y deseando que tenga mucho éxito y sirva de lanzamiento de más películas de acción Made in Spain, no sabéis lo mucho que me fastidiar tener que explicar lo mala que es y la decepción que ha supuesto su visionado.

Voy a intentar razonar mi punto de vista de la forma más respetuosa posible, porque como digo me alegro por la historia personal de Teo García, y lo que ello supone para cientos ¿miles? de fans del cine de acción y artes marciales en España. Pero la realidad es que, reconociendo que sin García no habría película, él no da la talla como protagonista de una película de estas características. Incluso descontando que no es buen actor, algo comprensible y entendible y que tampoco es un elemento fundamental en este tipo de historias, me parece que quedando claro que tiene los conocimientos en artes marciales necesarios, no tiene el carisma ni la presencia que un action-hero debe tener. Y lamentablemente esto lastra la mayoría de escenas porque García no acaba de quedar bien en pantalla enfrentado a oponentes mucho más grandes que él. Y es una pena, y se que es un elemento tremendamente subjetivo, pero a mi no me funciona.

Otro problema fundamental es que en lo relativo a las escenas de acción, Xtremo está terriblemente mal rodada, y además de mal rodada, peor montada. Siendo como es García fan del cine de artes marciales se me hace incomprensible ver escenas de acción en las que por ejemplo proyecciones que deberían ser mostradas en un único plano, en el 99% de las escenas el montaje atroz fuerza tres y cuarto cortes que quedan cutre y destacan que no han sabido rodar la escena como se debería. Puestos a imitar el cine de acción bueno, ¿por qué no imitar a Gareth Edwards, por poner un nombre actual? No, se fueron a lo peor del cine montonero de acción, al Pitof de Catwoman con miles de cortes en todas las escenas para tapar lo mala que era Halle Berry en la película.

Los fans del cine de acción lo que queremos es The Raid o John Wick, largas coreografías en las que si es posible todo sucede en un único plano y en las que se ve perfectamente lo que hacen los luchadores. Con el desastroso montaje de Xtremo en la mayoría de los casos no se ve bien lo que pasa, ni sabemos donde están los personajes y cómo se mueven en el espacio, siendo la mayoría de escenas una decepción tremenda. Y eso en las peleas hombre a hombre, en los tiroteos la sensación es aún peor, con unas nulas coreografías y unos personajes que aparecen y desaparecen de escena. Como digo, hay ¿tres? escenas de acción buenas en Xtremo, la inicial en casa de Max, la pelea entre él y Chul Moo o la pelea final con katanas, pero el resto me muestran a un director y a un montador que realmente no deben ser fans del cine de artes marciales y entregan unos trabajos montoneros siendo generosos. Y si lo son, desde luego no saben trasladarlo a su labor profesional.

La historia original de Teo García y Genaro Rodríguez sobre un típica historia de venganza tras una traición no inventa nada, pero bien realizada podía dar un entretenimiento más que correcto. Sin embargo, el guión de Iván Ledesma también me parece muy malo. No sólo en la historia en si y los hechos que desencadenan que la acción pase de A a B y luego a C, sino especialmente con unos diálogos terribles que son de juzgado de guardia.

Sobre el reparto, Oscar Jaenada y Sergio Peris-Mencheta se nota que se lo han pasado genial y plantean sus personajes como un over-the-top que me encaja con el 99% de los villanos de serie B, por lo que entiendo que realizan un buen trabajo y cumplen con lo que se espera de ellos. En especial Jaenada, con un look yakuza que me mola mucho y con un carisma que él si transmite cuando aparece en pantalla.

Eso en lo positivo, porque reconozco que todo lo relacionado con el personaje interpretado por Óscar Casas (hermano de Mario) me parece terrible. Recordando lo que comentaba antes de Netflix y la necesidad de buscar que la película sea vista por la mayor cantidad de gente posible, puedo entender su fichaje para captar al público más joven, pero la interpretación de Casas no me ha gustado nada, partiendo que lo que el guión hace hacer al personaje es de juzgado de guardia, ya que aparte de ser un pegote que frena la acción principal, tiene un rollo poligonero chungo impostado que queda fatal.

Andrea Duro hace lo que puede con el papel de hija a la que le matan al padre y busca venganza, confinada al estereotipo actual de mujer inteligente y dura que puede vencer a cualquiera. Lo malo es que realmente ella no transmite eso en pantalla en ningún momento porque se nota que no controla de verdad las artes marciales. No quiero entrar en lo embarazoso de su momento ducha, pero si destacar que debido a la obligación que ella protagonice el climax final junto a Max, la escena que se supone clave de la película está rodada con teleobjetivo desde la otra parte de la sala para que no se vea lo evidente, que ella no sabe luchar. Un climax que probablemente sea la peor escena de la película y que provocó un bajón en el visionado.

Este detalle relacionado al climax pone de relevancia un elemento triste. Y es que parece que o bien el director y productores no saben del género que están tratándolo, o sabiéndolo les da igual que una escena (varias) queden cutres pudiéndolas hacer bien. Y en este caso no es un tema de dinero, sino de habilidad o de interés en hacer el mejor producto posible. Y esto si que es imperdonable.

He leído a gente opinar como positivo que la película busca emular el espíritu de las películas de la Canon de los 80, películas con las que García y otros miembros del equipo crecieron. Yo también. Y no se si es el caso pero, recuerdo que la Canon hizo las películas que pudo con presupuestos absurdamente bajos, lo cual no es el caso de Xtremo, que desde luego podía y debía aspirar a algo mejor. Y puestos a imitar cosas, ¿en serio me dices que copias lo malo y lo cutre involuntario a propósito pudiendo contar lo mismo mejor con una sensibilidad del siglo XXI? Ostras, si es el caso, me parece que se están tirando piedras en su propio tejado y no están quedando demasiado bien. Como decía antes, que alguien plantee copiar cine de artes marciales y en lugar de mirar The Raid se ponga el ejemplo de El Guerrero Americano me parece flipante. A no ser, claro, que esa sea la excusa a posteriori que plantean tras escuchar algunas críticas.

Eso me recuerda una de las escenas más tontas y fallidas de la película, una pelea en los baños de una discoteca en la que Max utiliza a un jefecillo mafioso de protección y punching-ball frente a dos esbirros que no dejan de golpearle mientras Max les machaca. Entiendo que es una escena que busca imitar las clásicas y maravillosas coreografías de Jackie Chan, y por ese lado me parece guay. Pero al final la escena NO funciona aparte de por lo mal rodada que está (no quiero repetirme en ese aspecto), porque las películas de Chan estaban planteadas desde la COMEDIA de acción, y eso que en una aventura ligera funcionaba, cuando lo intentas trasladar a una historia SERIA como Xtremo va a quedar como un huevo y una castaña que. Y más allá del homenaje, alguien debería ser lo suficientemente conocedor del género como para saber qué cosas pueden encajar en la película y qué cosas mejor dejar fuera o buscar otra forma mejor de contarlo por muy guay que piensen que puede quedar en el papel.

Que quede claro que aplaudo el esfuerzo y el amor de Teo García por sacar adelante este proyecto y poner las artes marciales en el mapa del cine español, es una pena que Showrunner Films no haya sabido estar a la altura y la ejecución de la película haya dejado tanto que desear.

Me gustaría a pesar de todo mirar el vaso medio lleno y desear que Xtremo sea un éxito y podamos ver más cine de artes marciales hecho en España. Lo único eso si, puestos a pedir pediría que le dejaran el trabajo a otros profesionales más hábiles y que conozcan mejor el género, que sean capaces de ofrecernos un mejor producto final.

Comparto el trailer de la película:

Le deseo éxito a Xtremo, y ojalá se hagan más películas de artes marciales en España, pero no puedo más que considerar la película como una ocasión perdida y una decepción.

PUNTUACIÓN: 4/10

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Crítica de El Inmortal Hulk 31, Guardianes de la Galaxia 11 y SWORD 3 de Al Ewing y vv.aa. (Marvel Comics – Panini)

Como todos los meses, publico mis impresiones de los comics de Al Ewing en Marvel Comics: El Inmortal Hulk, Guardianes de la Galaxia y la recientemente incorporada SWORD, en este mes de Junio que puede considerarse de transición ante lo que está por venir.

EL INMORTAL HULK 31, de Al Ewing, Joe Bennett, Adam Gorham, Alex Lins y Rachael Stott

En el último día del año, nuestros personajes hacen balance. Jackie McGee, la reportera que descubrió la verdad sobre El Inmortal Hulk; Eugene Judd, el integrante de Alpha Flight más conocido como Puck, que participa en su persecución… y Samuel Sterns, El Líder. Ahora sus planes han llevado a un gran triunfo, pero no es suficiente.

Este número contiene The Immortal Hulk 42 USA.

Cuando ves que un comic Marvel está dibujado por varios artistas, la cosa no puede estar más clara, estamos ante un número de transición en el que Al Ewing opta por colocar las fichas de cara al climax final que está cada vez más cercano. Joe Bennet sólo dibuja dos páginas en este número, pero merecen la pena, al traer de vuelta a unos villanos clásicos del Gigante Esmeralda que en manos de Bennet el mes que viene nos puede dar unos momentazos increíbles.

Junto a esto, tenemos una secuencia del Líder y Bruce Banner en el Lugar Verde, de Gamma Flight enfrentándose a su nuevo jefe ¿Henry Peter Gyrich!?, y Jackie McGee mientras intenta decidir qué hacer con su vida y cómo ayudar a Banner. Dentro del baile de dibujantes, al menos Marvel opta con buen criterio por hacer que cada escena esté dibujada en su totalidad por uno de los dibujantes, de forma que aunque canta tener a cuatro dibujantes en apenas 20 páginas, el resultado final no es tan cantoso como podría ser.

Destacar un mes mas la maravillosa portada de Alex Ross, una obra de arte en si misma, y un cliffhanger final que me deja los dientes largos anticipando el enfrentamiento del mes que viene. 42 números USA ya publicados, quedan 8 para el final.

PUNTUCIÓN: 7/10

GUARDIANES DE LA GALAXIA 11, de Al Ewing, Juann Cabal y Federico Blee

11. «Aquí nos defenderemos.»

¡Los dioses han vuelto! Los dioses olímpicos están retornando a nuestra realidad, y se han tomado su exilio a manos de Peter Quill como algo personal. Para detenerlos, los Guardianes vuelven al lugar donde se unieron como equipo… ¡Hasta los tiempos de la Guerra de la Aniquilación!

Leí el climax de la Saga Aniquilación el mes pasado, y me alegra haberlo hecho, porque Al Ewing conecta su etapa precisamente con esos comics de forma maravillosa, al trasladar los héroes el que será enfrentamiento definitivo contra los dioses Olímpicos Oscuros a Daedalus 5, el planeta destruido por Annihilus cuando poseía el poder de Galactus. En dicha saga fue cuando se conocieron Nava, Starlord y Gamora, y tiene sentido que tras la resurrección de Starlord, sea aquí donde se enfrenten al enemigo definitivo. Ewing está centrado en recuperar a Nova como el gran héroe galáctico que conocimos precisamente en la Saga de aniquilación, y las relaciones emocionales que teje entre Gamora, Starlord y él me parece una chulada, sin olvidarse de los problemas en el matrimonio formado por Phylla-Vell y Dragón Lunar.

Dentro que este número nos prepara para el climax final el mes que viene, el carisma que Juann Cabal, con color de Federico Blee, aporta a estas páginas me parece una maravilla. Los personajes transmiten toda su personalidad y carisma con unas expresiones faciales estupendas, con una estructura de página que enfatiza la épica que nos espera. También el color se confirma como un elemento fundamental de esta etapa, ayudando en todo momento a la narrativa de la página.

Los Guardianes de la Galaxia de Ewing y Cabal me parecen una chulada, y estoy seguro que el climax del mes que viene que cerrará esta primera temporada va a estar a la altura. ¡Qué ganas de leerlo!!

PUNTUCIÓN: 7.5/10

SWORD 3, de Al Ewing, Valerio Schiti, Ray-Anthony Height, Bernard Chang, Nico León y Marte Gracia.

Cruce con Rey de Negro. Knull ha conquistado la Tierra. Los mutantes de más alto nivel han sido eliminados. El Protocolo V se ha activado. Pero el espacio es muy grande. Ocurren muchas cosas al mismo tiempo. Un viaje a lo largo del Universo llevará a SWORD a enfrentarse con su más mortífero enemigo.

Dos números. Eso es lo que ha aguantado Valerio Schiti como dibujante completo de este comic. Es un bajón total encontrarme que en tan sólo tres números Marvel ya ha tenido que colocar a varios dibujantes que le echen una mano. Schiti sólo dibuja 5 páginas que son bestiales, y el resto de artistas seleccionados no están mal, las cosas como son. Y el color de Marte Gracia consigue unificar las páginas para que tengan todas el mismo feeling, pero para mi el baile de dibujantes es el gran problema de los comics Marvel en la actualidad.

Este tie-in de Rey Negro es también un número de transición en el que Eden Fesi (Distribuidor) cobra todo el protagonismo mientras va realizando misiones por todo el universo intentando descubrir algo que ayude a la lucha de la Tierra contra Knull. La parte de caracterización del comic está bien, pero me gusta sobre todo las conexiones que Ewing teje con sus otros comics, por un lado Inmortal Hulk y la nueva dirección de Gamma Flight, y por otro con los Guardianes de la Galaxia y algunos de las razas que conocimos hace unos meses. Esta sensación de universo interrelacionado en los grandes y pequeños detalles fue una de las cosas que hizo que me enamorara de los comics Marvel de niño, y Ewing está creando una tapiz que apunta que va a estar increíble que le va a permitir crear historias super chulas, con el próximo añadido de Veneno a partir de noviembre.

Es curioso que narrativamente el final de este comic con el retorno de Distribuidor a la Tierra nos deje justo en el mismo punto en el que nos dejó el final del número dos. De forma que si, estamos en un tie-in de Rey de Negro, pero la historia de este comic ha tenido una conexión bastante lateral con el evento de Donny Cates, que parece que Ewing ha aprovechado para poner en marcha sus propias historias.

Reconozco que a pesar del bajón del baile de dibujantes, SWORD 3 es un buen comic y me ha dejado con ganas de ver cómo termina este arco el mes que viene. De momento, El Ewing sigue on-fire en sus comics Marvel.

PUNTUACIÓN: 7/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de The Damned Vol. 2: Ilícito, de Cullen Bunn y Brian Hurtt (Oni Press)

Si el mes pasado traía el arranque de The Damned, el siguiente comic del equipo de The Sixth Gun formado por Cullen Bunn al guión, Brian Hurtt al dibujo con color de Bill Crabtree, hoy toma comentar mis impresiones del segundo, “Ill-gotten” (Ilícito).

PUNTUACIÓN: 6,5/10

En un mundo ambientado en la época de la prohibición donde entidades demoníacas mueven los hilos que hacen bailar a las familias del crimen, Eddie es un mortal con dos cosas que funcionan para él. Primero que nada, no puede morir. Bueno, puede y lo hace, con bastante frecuencia, pero no se queda así por mucho tiempo. En segundo lugar, Eddie dirige Gehenna Room, un club nocturno con una estricta política de «no se permiten demonios». Pero las bendiciones y las maldiciones no se ven tan diferentes en estos días. Cuando uno de los viejos amigos de Eddie aparece buscando refugio, Eddie sabe que le espera una traición. Eso significa caminar una vez más en la línea entre la salvación y la condenación. Recopila la historia de 5 números Ill-Gotten (Ilícito) de The Damned.

Cullen Bunn es el escritor de cómics como The Sixth Gun, Helheilm, The Tooth para Oni Press. También ha escrito títulos como Harrow County (Dark Horse), Uncanny X-Men y Deadpool and the Mercs for Money (Marvel). Cullen afirma haber trabajado como especialista en autopsias de extraterrestres, payaso de rodeo, gerente de lucha libre profesional y Sasquatch Wrangler. Ha luchado por su vida contra los pumas y ha actuado en el escenario como el Hipnotizador más joven del mundo. Cómprale una copa alguna vez y te lo contará todo.

Brian Hurtt es un artista / escritor que ha pasado la mayor parte de su carrera trabajando en proyectos colaborativos propiedad de creadores. Su primera colaboración de este tipo fue en 2006 cuando Brian se asoció con el escritor Cullen Bunn para crear el clásico de culto de la era de la Prohibición, Monster-Noir, The Damned. Unos años más tarde, los dos se unieron nuevamente para crear The Sixth Gun, una fantasía sobrenatural épica y extraña del oeste. Brian también contribuye al popular webcomic Table Titans, en el que es el escritor y artista de las historias; Susurros de dragones y Camino a las brasas. Brian vive y trabaja en St. Louis, Missouri.

The Damned es una mezcla muy loca entre el género de gangsters y las aventuras sobrenaturales. Esta combinación de géneros es una de las señas de identidad de la pareja Cullen Bunn / Brian Hurtt, que tan buen resultado les dió en The Sixth Gun. Cuando reseñé el primer volumen de este comic, editado en 2017, comenté que me había gustado bastante y precisamente esa mezcla fue lo primero que me atrajo del comic y consiguió engancharme. En lo referido a este segundo volumen “Ill-gotten” (ilícito) no puedo mantener el mismo entusiamo.

Lamentablemente, The Damned ha perdido punch en este segundo volumen, que fue publicado en Estados Unidos en abril de 2018. Aunque todo está bien, me ha faltado un climax más potente o una evolución interesante en Eddie, el protagonista que vendió su alma a un demonio. Y es una pena, porque se nota que Bunn ha pensado mucho en este mundo y ha construido una historia compleja con personajes humanos y demonios con múltiples relaciones y una historia compartida que de momento permanece oculta para los lectores.

Sin embargo, hay una cierta sensación de inevitabilidad que en este caso se traduce en que parece que todo se ve venir por adelantado, sin llegar a haber ninguna revelación impactante ni sorprendente en este volumen, que termina con cierta sensación de bluff y sin que el cliffhanger consiga dejarme con ganas de leer el siguiente volumen.

Me sorprende además lo poco que empatizamos con Eddie, el protagonista, algo que diría que es totalmente intencionado por parte de Bunn, al jugar con un personaje amoral que realmente sólo tiene sus propios intereses en el foco de todo lo que hace. Aunque se deja entrever un drama familiar que debió ser lo que provocó que vendiera su alma, no acaba de ser suficiente para que nos lleguemos a preocupar por su destino a lo largo de este segundo volumen. Y el caso es que no es que la lectura esté mal, de hecho me parece bastante chula y son elementos interesantes, pero no he conseguido conectar con esta historia. O la historia no ha conectado conmigo, quien sabe.

El que mantiene un nivel estupendo es Brian Hurtt en los lápices y Bill Crabtree en el color. La narrativa de Hurtt es excelente como siempre, al igual que la perfecta caracterización de época en edificios, trajes o vehículos. Visualmente, a esta historia de gangsters sobrenaturales le funciona de maravilla la paleta de colores apagados de Crabtree, que aporta un feeling retro que es perfecto para el tono que necesita la historia. Hurtt tiene un cierto toque cartoon en algunos diseños, en especial de los demonios, que resultan casi mundanos y no acaban de resultar temibles ni asquerosos, lo cual me parece una elección creativa curiosa, que resalta que The Damned no es un comic de terror, sino más bien de aventuras sobrenaturales.

En todo caso, dado que de momento The Damned solo ha publicado tres volúmenes, confirmo que aunque no me ha flipado este volumen, ya tenemos comprado el siguiente apra ver coomo Bunn y Hurtt terminan la historia. Espero que con vistas a un relanzamiento en el futuro.

Comparto algunas páginas del primer número para que las valoréis por vosotros mismos:

The Damned es un comic que sobre todo gustará a los fans del género de gansters a los que no les importe un giro diferente. A ver qué tal el tercer y de momento último volumen, espero que me dejen con un buen sabor de boca.

PUNTUACIÓN: 6,5/10

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Crítica de Mutafukaz de Shôjirô Nishimi y Guillaume Renard (Prime Video)

Gracias a una recomendación tuitera de @TUCHpodcast de descubierto Mutafukaz, película de animación de 2018 disponible en Prime Video dirigida por Shôjirô Nishimi y Guillaume Renard que me ha parecido una chulada absoluta.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

Tras un accidente de moto, Angelino, un bala perdida en medio de Dark Meat City, comienza a experimentar violentos dolores de cabeza y extrañas alucinaciones. Al menos eso es lo que él cree, pues quizá sus imaginaciones tienen algo de verdad: unos hombres de negro le persiguen, y Angelino terminará descubriendo algo terrible sobre su propia esencia. (FILMAFFINITY)

Mutafukaz es una película de animación para adultos que combina elementos de noir, fantasía oscura y ciencia ficción, basada en el de cómic Mutafukaz de Guillaume «Run» Renard y el cortometraje Mutafukaz: Operation Blackhead del Team Chman. La película fue una coproducción franco-japonesa entre Ankama Animations y Studio 4°C y está dirigida por Shōjirō Nishimi y Guillaume «Run» Renard, creador del comic que además escribe el guión. Mutafukaz tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy de 2017, estrenándose en Francia y Japón en 2018. La película cuenta con música de The Toxic Avenger y Guillaume Houzé.

Guillaume «Run» Renard en un grafista e ilustrador apasionado por la ciencia ficción, la cultura Z y la cultura popular latinoamericana, que ha triunfado como guionista de cómic en su propio sello, Ankama. Fue durante cinco años director artístico de la célebre agencia multimedia Teamchman, donde fue un precursor de contenidos por Internet y trabajó en proyectos publicitarios para grandes marcas (Warner Music, Swatch, Adidas…). En 2002 su cortometraje Mutafukaz opération blackhead, anuncio del cómic del mismo título, dio la vuelta al mundo y obtuvo una nominación en el Sundance Film Festival de Salt Lake City. Desde 2006, RUN trabaja en la editorial francesa Ankama, donde ha publicado el primer tomo de Mutafukaz. En el año 2008 lanzó el sello Label 619, donde reunió a los peores crápulas del cómic, como Florent Maudoux o Guillaume Singelin. Su última obra es The Grocery, en 2015.

Mutafukaz me ha encantado. La película tiene una animación bestial con una arquitectura llena de personalidad, basada en cierta forma en unos Los Angeles que se han ido al infierno con reminiscencias a Otomo, y con unas escenas de acción super frenéticas e impactantes. La animación unida con una música repleta de ritmos urbanos crea escenas chulísimas, y me gusta que incluso jueguen con el color y el blanco y negro, rompiendo el tono para bien en algunos momentos puntuales, consiguiendo un apartado visual excelente.

El movimiento de Angelino, el protagonista, por los barrios bajos de Dark Meat City ofrece un listado de lugares comunes del noir y la ciencia ficción a mostrarnos a un huérfano perdedor perseguido en un barrio hostil por poderosos con conexiones con un pasado que había olvidado y que volverá a golpearle con fuerza. Es curioso que dentro de una animación y unos personajes y diseños de secundarios bastante realistas, Angelino y sus amigos Vinz y Willy tienen un diseño super cartoon que choca con las escenas de ultraviolencia que vamos a vivir en una ambientación casi como si estuviéramos en South Central de L.A. Me parece un elemento curioso y, dentro que sigo sin tener claro si me han funcionado estos diseños, sí veo claro que son elementos irreales que ayuda a dar a la historia un toque sobrenatural imprescindible para que la historia funcione.

Con 90 minutos de duración, Mutafukaz tiene la duración perfecta para darnos el chute de adrenalina deseado y no caer en escenas redundantes que no aporten a la historia principal. Sin embargo, entiendo que hay un importante worldbuilding detrás de muchos personajes secundarios como los luchadores de Lucha Libre que estoy seguro que han salido rde forma recurrente en el comic y están planteados para dar mucho juego de cara a una posible continuación.

Dentro que la animación de nuevo tengo que decir que me ha flipado, tengo que reconocer que el guión me parece funcional sin más. Como comentaba antes, la historia a pesar de la gran personalidad y la fantástica ambientación de la animación, está en todo momento circulando por los lugares comunes del noir y la sci-fi, con situaciones que sientes que ya has visto en numerosas películas y comics previos en los que personajes escapan de un pasado desconocido y una organización secreta super poderosa.

No he visto en lo relativo al guión elementos especialmente novedosos, pero reconozco que la animación es tan flipante y sus escenas de acción tan potentes que me compensan de sobra este elemento más correcto, y me declaro super fan del creador RUN y me quedo con ganas de leer más obras suyas.

Comparto el trailer de la película:

Mutafukaz me ha encantado, si te gusta la animación para adultos la película se convierte en un must-see obligatorio.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

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Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros