Archivo de la etiqueta: Crítica

Crítica de Caballero Luna Episodio 2 (Disney+)

A pesar del carisma de Oscar Isaac, el segundo episodio de Caballero Luna en Disney+ presenta una preocupante falta de personalidad, o lo que es peor, un énfasis en los elementos equivocados para que la serie de Marvel Studios funcione.

PUNTUACIÓN: 6/10

Episodio 2: Invoca el traje.

Steven se ve arrastrado a una guerra entre dioses justo cuando aparece una misteriosa aliada.

Para este segundo episodio,  Jeremy Slater el creador y escritor principal deja paso a Michael Kastelein en el guión, escritor que ya trabajó en Falcon y el Soldado de Invierno. Por su parte, Mohamed Diab, director de cuatro de los seis episodios de esta serie, da un paso al lado para que Justin Benson y Aaron Moorhead dirijan este episodio y también el cuarto. Este segundo episodio tiene una duración de 53 minutos, 46 sin los títulos de crédito.

A los protagonistas Oscar Isaac (Steven Grant / Marc Spector / Caballero Luna), Ethan Hawke (Arthur Harrow) y F. Murray Abraham (voz de Khonshu) se les une en este episodio May Calamawy interpretando a Layla El-Faouly, una arqueóloga y aventurera muy unida la pasado de Spector.

Empezando por los elementos positivos, Oscar Isaac se confirma como lo mejor de la serie con mucha diferencia. Su interpretación de Steven Grant / Marc Spector es alucinante y te hace sentir en todo momento que son dos personas diferentes. No es sólo la voz y los diferentes acentos que incorpora a cada interpretación, es que la fuerza de la mirada es muy diferente en cada caso y tanto Steven como Marc tienen una expresividad y movimientos corporales super diferentes, recordando la interpretación de Christopher Reeves de Clark Kent / Superman. Si solo valorara Caballero Luna por la actuación de Isaac, la nota sólo podría ser sobresaliente.

En lo relativo al guión, la escena que Isaac comparte con Ethan Hawke es otro de los momentos álgidos del episodio, al mostrar la gran diferencia entre las filosofías de Khonshu y Ammit, la diosa egipcia a la que adora Arthur Harrow. Y es que una cosa es castigar al que comete un delito que plantea Khonshu, y otra querer castigar a la humanidad ANTES que hagan algo malo en previsión de pecados futuros, que es el plan de Ammit y no puede ser más loco y terrible. “Marco la linea en matar a niños” es una gran frase de Steven que resalta quien es el malo de la función, incluso a pesar de no tener claro si realmente Khonshu puede ser calificado de “bueno”.

Los breves momentos del Caballero Luna por los tejados de Londres nos regala unos planos bestiales que son 100% comiqueros. Uno en concreto con un primerísimo plano del héroe en pleno salto me recordó muchísimo a David Finch, cuyo estilo de dibujo hacía que el Caballero Luna llenara la viñeta, y me ha parecido super chulo. Aunque luego comentaré con mayor amplitud, la aparición del traje de Mr. White creado por Warren Ellis y Michael Lark, que fue luego refinado por Declan Shalvey, fue otro momentazo visual del episodio.

Pero no todo fue bueno, lamentablemente. La semana pasada, comentaba sobre el primer episodio que me había transmitido un feeling televisivo, no cinematográfico como en otras producciones de Marvel Studios. Y esta sensación se ha visto aumentada con el visionado de este episodio. Empezando porque visualmente las escenas no pueden ser más planas y carentes de personalidad, de forma que más que una serie de Marvel parece en muchos momentos una de The CW que no acaba de estar al nivel de las expectativas.

La semana pasada hubo una escena muy chula en el pasillo de casa de Steven cuando se van apagando las luces y entre medio se ven atisbos de Kohnshu apareciendo y desapareciendo entre las sombras. Ese momento daba un feeling perturbador que estaba bien. Lo malo es que en este segundo episodio la serie se copia a si misma y vuelve a mostrar lo mismo de la misma manera, de forma que lo perturbador y original ha quedado como monótono y repetitivo.

Otro elemento que no me ha cuadrado es la escena de acción. Hacer que sólo Steve / Marc pueda ver al chacal convocado por Harrow cuyas acciones si tienen efectos en el mundo físico podía sonar bien en el papel, pero visualmente como escena de acción no funciona y queda super cutre, aparte de la sensación que están ahorrando pasta en los efectos especiales y en el movimiento del chacal creado con CGI. No se si era una buena o mala idea, pero desde luego si está mal ejecutada. A todo esto, que en todo el episodio de Caballero Luna haya una única escena de acción, cosa que también pasó la semana pasada, también nos acerca peligrosamente al feeling cutre de las series The CW (dicho sin intentar faltar al respeto a unos profesionales que en muchos casos sacan oro del exiguo presupuesto del que disponen). Me quedo perplejo pensando en unos creativos de Marvel que no entienden que la acción es consustancial al género de superhéroes y si no está bien rodada la serie va a fallar.

Dentro que la doble interpretación de Oscar Isaac está genial, me fastidia que en algunos momentos el guión haga que la lucha de personalidades se plantee como momentos cómicos, que no es que no funcionen (y no lo hacen), sino que roban a varias escenas tensas toda la fuerza que tenían hasta ese momento. Entiendo que una serie de Disney+ tiene que gustar a un espectro amplio de espectadores, niños y adultos de todas las edades, pero crear una serie visualmente genérica con un humor familiar también genérico no creo que sea la forma de hacer que la serie enganche, la verdad.

Yendo más allá, no estoy conectando nada con el planteamiento de la serie de mostrar los problemas mentales de Steven / Marc de personalidades múltiples como una “buddy-movie” de dos personas de personalidades opuestas que tienen que aprender a trabajar juntos y que discuten entre ellos sobre cual es el mejor plan de acción en cada momento. Y el caso es que no tengo claro como lo hubiera hecho yo o si había otra opción mejor, pero aceptando que la historia que los creativos de Marvel han planteado no tiene que ser igual a los comics, espero que no me dejen con la sensación que no han contado la mejor historia posible del Caballero Luna.

Por cierto, comentaba que me había gustado ver el traje de Mr. White en el episodio, algo que por otra parte ya se había anticipado desde los propios posters de la serie. Sin embargo, presentarlo como resultado de un gag sin gracia y comprobar que a priori no va a tener ninguna importancia en la historia no puede fastidiarme más, hasta el punto que me parece una falta de respeto hacia Warren Ellis que aparte del elemento visual lo presentó como una evolución en las personalidades de Marc Spector. Para hacer esto, realmente mejor hubiera sido que no mostraran el traje y lo hubieran dejado para cuando tuvieran algo interesante que contar sobre el traje y los motivos de la evolución en el Caballero Luna. Y encima resulta que sobre todo la máscara no funciona tampoco en imagen real, lo cual hizo que la escena en su conjunto, sumado a la mediocre escena de acción, no pudiera ser peor.

El comic de Caballero Luna ha tenido a grandes artistas que han transmitido su calidad y personalidad al personalidad. Desde Bill Sienkiewicz a más recientemente David Finch, Declan Shalvey o Greg Smallwood, Moon Knight se ha beneficiado en numerosos momentos de un estupendo apartado artístico que ha conseguido que el personaje sea muy querido por una parte del fandom. Y no se trata que yo quiera que la serie de Disney+ copie la estética de Sienkiewicz (aunque si se han inspirado en Finch en la escena en los tejados), ya que su expresionismo tiene difícil cabida en imagen real en una serie para todos los públicos. Pero si me gustaría que la serie de Disney+ si tuviera algún tipo de identidad visual, la que fuera. Cosa que de momento no he encontrado.

A pesar de todo lo que acabo de comentar, este segundo episodio me ha resultado relativamente entretenido y sigo confiando que la serie pueda mejorar empezando la semana que viene, a partir de la llegada de los protagonistas a Egipto donde espero que abracen el lado más fantástico y “loco” del lore del personaje, que es por donde creo que pueden dejarnos con mejor sabor de boca. La serie está planteada como una historia única contada en seis capítulos, y en ese sentido los problemas narrativos no creo que vayan a arreglarse, pero si toda la narrativa se plantea para construir un buen climax final, espero que puedan dejarnos a los espectadores con buen sabor de boca.

Por cierto, y a modo de conclusión, me hago una pregunta que también me surgió la semana pasada: ¿Donde está Jake Lockley? Puedo entender que Marvel Studios piense que sacar la tercera personalidad del Caballero Luna en este origen del personaje sea demasiado y pueda marear al espectador, pero no descartaría que su aparición fuera una de las sorpresas que se guarda la serie en la manga de cara a los próximos episodios. Espero que sea así, la verdad.

Comparto el teaser trailer de este episodio:

A pesar de lo indicado, sigo confiando que Caballero Luna remonte y nos deje un buen sabor de boca, aunque las sensaciones no hayan sido buenas en este episodio.

PUNTUACIÓN: 6/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de La Burbuja de Judd Apatow (Netflix)

Si habitualmente tenemos sobrecarga de contenidos interesantes, este pasado fin de semana Netflix programó a la vez dos películas muy diferentes de dos importantes creadores americanos: Apolo 10 1/2 de Richard Linklater y esta La Burbuja, comedia ambientada en el mundo del cine escrita y dirigida por Judd Apatow.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

Un grupo de actores y actrices atrapados en un hotel a causa de una pandemia intenta terminar de rodar una película.

Judd Mann Apatow (Queens, Nueva York, 1967) es un realizador y comediante estadounidense. Es el fundador de Apatow Productions, a través de la cual produjo y desarrolló la serie de televisión Freaks and Geeks, Undeclared, Girls, Love, and Crashing y dirigió las películas The 40-Old-Old Virgin (2005), Knocked Up (2007), Funny People (2009), This Is 40 (2012), Trainwreck (2015), May It Last: A Portrait of the Avett Brothers (2017) y The Zen Diaries of Garry Shandling (2018).

El trabajo de Apatow ha ganado numerosos premios, entre ellos el Primetime Emmy Award, el Creative Arts Emmy Award, 1​ Hollywood Comedy Award y el AFI Award for Bridesmaids (2011). 2​ 3​ Sus películas también han sido nominadas para los Premios Grammy, Premios PGA, Premios Golden Globe y Premios de la Academia. Estas son algunas de las películas que ha producido The Cable Guy (1996), Anchorman: The Legend of Ron Burgundy (2004), Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby (2006), Superbad (2007), Forgetting Sarah Marshall (2008), Step Brothers (2008), Pineapple Express (2008), Get Him to the Greek (2010), Bridesmaids (2011), Wanderlust (2012), The Five-Year Engagement (2012), Begin Again (2013), Anchorman 2: The Legend Continues (2013), Popstar: Never Stop Never Stopping (2016), The Big Sick (2017) y Juliet, Naked (2018).

Para La Burbuja, Apatow dirige, produce y escribe el guión junto a Pam Brady. La película de 126 minutos distribuida por Netflix cuenta con fotografía de Ben Smithard, montaje de Dan Schalk y Thomas y música de Michael Andrews y Andrew Bird.

El principal valor de La Burbuja es su enorme reparto coral de actores super conocidos. Karen Gillan interpreta a Carol Cobb, una actriz desaliñada que interpreta a la Dra. Lacey Nightingale en la franquicia de Bestias del Acantilado. Iris Apatow es Krystal Kris, una superestrella de TikTok que se une al reparto de Bestias del Acantilado 6 como el personaje Vivian Joy. Pedro Pascal es Dieter Bravo, un actor veterano y serio que interpreta a un nuevo personaje llamado Gio en Bestias del Acantilado 6 mientras lidia con una adicción al sexo y a las drogas duras, mientras que David Duchovny hace de Dustin Mulray, el adicto al trabajo protagonista de la franquicia Bestias del Acantilado que interpreta al personaje Dr. Hal Packard, que es además el ex-esposo de Lauren Van Chance (Leslie Mann), otra actriz del reparto.

Fred Armisen interpreta a Darren Eigan, un antiguo director de cine independiente contratado para dirigir Bestias del Acantilado 6. Keegan-Michael Key es Sean Knox, un actor que interpreta al personaje de Bestias del Acantilado, Colt Rockwell, y que se promociona a sí mismo como gurú del bienestar cuando no está en la cámara. Kate McKinnon hace de Paula, la ejecutiva del estudio que supervisa la franquicia de Bestias del Acantilado. Guz Khan es Howie Frangopolous, un actor que interpreta a Jarrar, el personaje de alivio cómico de la franquicia Bestias del Acantilado, mientras que Peter Serafinowicz interpreta a Gavin, el productor ejecutivo de la franquicia Cliff Beasts que tiene que hacer todo lo que esté en su mano para que la película se ruede y pueda estrenarse.

Fuera del reparto de la película tenemos a Vir Das como Ronjon, el propietario del hotel que acoge al reparto y al equipo de Bestias del Acantilado 6, y a Maria Bakalova como Anika, una empleada de hotel a la que Dieter quiere seducir. Además, la película cuenta con varios cameos de actores super conocidos como Benedict Cumberbatch, John Lithgow, Daisy Ridley, John Cena o James McAvoy.

La Burbuja entra en el subgénero del «cine dentro de cine», al mostrarnos desde una vertiente cómica el rodaje de un blockbuster palomitero durante los convulsos meses del COVID. Sobre todo en el arranque de la película hay momentos bastante divertidos relativos a los 15 días de confinamiento que los actores tuvieron que sufrir antes de estar liberados de virus y poder así entrar en «La Burbuja» que da nombre a la película. En este sentido, da la sensación que Apatow está riéndose de algo que realmente sucedió en alguna producción, y aparte de Misión Imposible 7 de Tom Cruise, no tengo claro qué otras películas se rodaron en esos días. M:I seguro, pero creo que no fue la única. Y aquí se nota que hay un factor «reírnos a costa de» que al menos a mi se me ha escapado. ¿Se está riendo de Cruise y la dureza con que trató a miembros del staff que no cumplieron con las reglas de seguridad (un video que se hizo viral en su momento)? Es posible.

Karen Gillan me encanta y vuelve a mostrar una estupenda vis cómica en esta película, hasta el punto que si muchas cosas funcionan es gracias a la empatía que ella genera. Para mi, es de largo lo mejor de toda la película.

La Burbuja tiene alguna situación graciosa, es especial con algunas situaciones Kafkianas referentes a la seguridad del rodaje que sin embargo no evitó que hubiera un contagio de Covid que provoca un nuevo confinamiento. De nuevo ¿esto pasó en M:I 7? No lo recuerdo. Hay algunos gags que tienen gracia, como la inclusión forzosa de un actor asiático que muere en la primera escena y desaparece de la producción, al igual que otros elementos de humor negro como que la jefa del estudio esté muy preocupada con todo pero se encuentre en un lugar diferente del mundo de vacaciones cada vez que habla con los responsables de la película. O la existencia de un topo que le cuenta a los productores intimidades de los actores, algo que supongo ha existido siempre en Hollywood. Más que del rodaje, hay detalles de humor negro a costa del funcionamiento del sistema que muestran a un Apatow un poco quemado con el stablishment de Hollywood.

Sin embargo, La Burbuja me parece una película completamente fallida. Empezando porque estamos ante la típica película (como ya pasó con Don´t look up, también de Netflix), en la que los actores se divierten más rodándola de lo que disfrutamos los espectadores viéndoles. Comentaba que Karen Gillan me gusta y la veo muy graciosa. Pero David Duchovny o Pedro Pascal parece que estén sufriendo bromas a su costa, o al menos ¿de la imagen que el show-business tiene de ellos? Creando situaciones que no tienen nunca ninguna gracia. De hecho, diría que el reparto está super desaprovechado en situaciones sin gracia que hace que queden penosos.

Aparte, Apatow parece que debió pensar que era gracioso ver una escena de la película con los efectos especiales terminados y luego ver cómo se está rodando en realidad, usando pantalla verde y extras que hacen las veces de los animales. El problema es que esto ya NO es divertido la primera vez, menos aún el resto de veces en que acuden a este mismo gag sin gracia. Pero no es el único ejemplo de redundancia, ya que tiene cierta gracia que una protagonista no sea actriz sino que sea una famosa de Tik-Tok, lo cual es una buena crítica a cómo funciona la industria del cine en la actualidad. Y ver el primer tik-tok en el que el reparto baila un número musical de esta chica está curioso. Sin embargo, la segunda vez que volvemos a ver lo mismo volvemos a tener un momento redundante que deja de tener gracia si es que llegó a tenerla en primer lugar.

Y por encima de todo tenemos un gran problema de base, porque están haciendo broma a costa de las medidas sanitarias de confinamiento frente al Covid, lo cual es un tema muy serio que no creo que vaya a encajar demasiado bien con el público. Y por supuesto puede hacerse humor sobre ello, pero las situaciones planteadas por Apatow no son graciosas para empezar, siendo en su mayoría gags que parecen bromas privadas que solo los profesionales que estén en el ajo y conozcan la historia real que parodian pueden apreciar y disfrutar.

El resto de espectadores tenemos que aguantar las larguísimas dos horas de duración que se hacen super largas. De hecho, ni siquiera algún cameo puntual permite un momento de alegría, ya que de nuevo están planteados casi para apelar al ego de estos actores, al mostrarnos cómo saben reírse de si mismos más que otra cosa.

Como veis, no he conectado casi con nada de lo que nos propone Apatow, el único alivio es que vi esta película en casa gracias a mi suscripción a Netflix. Si hubiera pagado para verla en el cine probablemente hubiera terminado bastante enfadado por haber gastado mi dinero en esto. Precisamente por eso prefiero quedarme en casa y no ver Morbius, al igual que no he visto Venom 1 y 2.

Comparto el trailer de la película:

Teniendo elementos interesantes, La burbuja es el último ejemplo de película más divertida para los profesionales que la rodaron que para los espectadores que la vemos cuando se estrena. Menos mal que su estreno fue en casa y no fui al cine para verla, la verdad.

PUNTUACIÓN: 5.5/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Batman: El Detective de Tom Taylor y Andy Kubert (DC Comics – Ecc Ediciones)

Esta semana ECC Ediciones ha puesto a la venta el sexto y último número de Batman: El detective, la serie de Tom Taylor con dibujo de Andy Kubert, con entintado de Sandra Hope y color de Brad Anderson, por lo que es buen momento de compartir mis impresiones del comic ahora que pude leerlo en su totalidad.

PUNTUACIÓN: 7/10

Nueva miniserie! ¡Nuevos villanos! ¡Nuevos aliados! ¡Una emocionante aventura del Caballero Oscuro narrada por los creadores superestrella Tom Taylor y Andy Kubert! Una terrible tragedia ocurrida en el Reino Unido pone en alerta al Caballero Oscuro. ¡Batman viaja al otro lado del Atlántico para investigar! Lejos de Gotham City, el Caballero Oscuro se enfrentará con la ayuda de nuevos aliados a un complicado caso y a adversarios nunca vistos.

Estoy disfrutando cosa fina la actual etapa de Nightwing de Tom Taylor, y en general todos sus trabajos para DC Comics recientes me están resultando super chulos. Así que cuando se anunció que iba a hacer su primera miniserie de Batman en solitario, no tenía duda que iba a pillar este comic. Y dentro que está comic está bien y todo está correctamente ejecutado, ahora que he podido leerlo en su totalidad lamento tener que decir que Taylor no ha conseguido crear una historia todo lo potente que yo esperaba.

DC Comics da a Taylor total libertad para crear su historia, así que el primer elemento llamativo de este comic fue comprobar que estábamos ante una historia fuera de continuidad protagonizada por un Batman veterano rozando la madurez. Cansado y herido tras décadas de lucha aparentemente sin fruto en un mundo que sigue lleno de peligros y en el que Bruce Wayne parece estar más sólo que nunca. La caracterización de este Batman en espíritu la encontré muy cercana al comienzo de The Dark Knight Returns de Frank Miller, lo cual no puede ser malo para empezar.

Dentro que la historia está fuera de continuidad, me gusta mucho de El Detective (y resalta lo listo que es Taylor), cómo aprovecha numerosos elementos de la rica historia de Batman para construir sobre ellos su historia y conseguir que a pesar de ser diferente en cierto sentido, los lectores podamos sentir la suficiente empatía hacia este Batman un poco quemado. Empezando por la figura de Henri Ducard, el ladrón francés que enseñó su oficio a un joven Bruce Wayne, al que vimos sin ir más lejos en el Batman y Robin de Peter Tomasi y Patrick Gleason. Y recuperando además un concepto del Batman Inc. de Grant Morrison, al estar en un mundo en el que Batman cuenta con numerosos aliados por todo el mundo dentro de las fuerzas del orden y de los héroes enmascarados internacionales. Esto hace que aunque Taylor nos presente a unas nuevas Knight y Squire británicas, recordemos al primer Caballero de Morrison, con lo que la sensación de legado tan normal en DC está más que conseguido.

Me gusta que Taylor saque a Batman de su zona de confort en Gotham al plantear una historia internacional viajando por varias capitales europeas. Y sobre todo, me gusta la idea central de Taylor que todas las acciones tienen consecuencias, incluida la decisión de Batman de NO MATAR, haciendo que en cierto sentido las acciones de sus archienemigos sean responsabilidad suya. En este sentido, la figura de Equilibrio, la villana que busca venganza por un trauma de su pasado del que culpa a Batman por una asociación de ideas enloquecida, presenta una idea original para un villano de Batman, cosa que agradezco mucho. Lástima que aparte de ser un concepto interesante y estar todo correctamente planteado y resuelto, Taylor no acabe de acertar con la historia ni sobre todo con la villana, su plan y la sensación de amenaza de ella y de sus esbirros.

Andy Kubert con entintado de Sandra Hope a partir del segundo número y color de Brad Anderson me parece que también están correctos, pero tampoco me han enamorado. Es una opinión muy personal, pero me gusta mucho más el dibujo de su hermano Adam y sus atractivas composiciones de páginas. Y queda mal que lo diga, pero nunca he encajado con sus personajes encorvados con chepa y sus figuras que siempre parecen las mismas, tanto hombres como especialmente las mujeres. Sacar a Batman de los callejones oscuros de Gotham narrativamente puede permitirnos leer una historia que se aleje de los caminos miles de veces transitados, pero a Kubert le sienta fatal, porque el interior de un hospital o un avión o la campiña inglesa no son espacios en los que Kubert pueda lucirse como en comics suyos previos como el Superman: Up in the Sky junto a Tom King.

El hecho de no acabar de acertar Taylor con el antagonista de Batman en esta historia y que el estilo de Kubert no sea santo de mi devoción han impedido que disfrute de este comic como me hubiera gustado, pero tengo que decir que la lectura mes a mes ha sido super entretenida, con unos cliffhangers y sorpresas estupendos que me muestran a un Taylor con buenas ideas que no ha perdido el toque.

Dentro del enorme exceso de oferta que ECC Ediciones edita todos los meses de Batman, este El Detective no será un comic memorable ni uno que posiblemente recordemos dentro de 15 años, pero si ha cumplido de sobra el objetivo de entretenimento con un protagonista con el que he conectado.

Comparto las primeras páginas del comic:

Batman: El Detective no va a pasar a la posteridad como el mejor trabajo de Tom Taylor, pero leído mes a mes ha supuesto un más que correcto entretenimiento que ha saciado mi sed del Hombre Murciélago en este momento en que no compro sus series regulares.

PUNTUACIÓN: 7/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Beyond the hallowed sky, de Ken MacLeod

Warren Ellis recomendó en su newsletter Beyond the hallowed sky, la última novela de Ken MacLeod, escritor de ciencia ficción escocés, así que me dije a mi mismo: ¿Por qué no probarlo? Gracias al buen precio del libro en el kindle, me he animado a leerla y me he encontrado una estupenda novela de ciencia ficción ambientada en un posible futuro cercano en el que la humanidad está empezando a dar sus primeros pasos fuera del sistema solar.

PUNTUACIÓN: 8/10

La leyenda de la ciencia ficción Ken MacLeod comienza una nueva trilogía de space opera imaginando a la humanidad en el precipicio del descubrimiento: la invención del viaje más rápido que la luz abre un universo de nuevas posibilidades, y nuevos peligros.

Cuando una brillante científica recibe una carta sobre los viajes más rápidos que la luz, no sabe qué creer. Las ecuaciones funcionan, pero su artículo es desacreditado, y pronto las críticas son más que científicas. Exiliada por el establishment, recibe una oferta para construir su nave estelar de una fuente insólita. Pero en las alturas de Venus y en un planeta de otra estrella, ya se está descubriendo un secreto que sacudirá a la humanidad hasta sus cimientos.

Descubra esta nueva e innovadora space opera del multipremiado autor Ken MacLeod.

Ken MacLeod nació en la isla de Lewis y ahora vive en Gourock, Escocia. Tiene un posgrado en biomecánica y trabajó durante algunos años en el sector de la informática. Desde 1997 es escritor a tiempo completo. Es autor de diecisiete novelas, desde The Star Fraction (1995) hasta The Corporation Wars (2018), y de numerosos artículos y relatos. Ha ganado tres premios BSFA y tres premios Prometheus, y ha sido preseleccionado para los premios Clarke y Hugo.

Ha sido escritor residente en el Foro de Política e Investigación Genómica del ESRC en la Universidad de Edimburgo, y escritor residente en el curso de escritura creativa de la Universidad Napier de Edimburgo. El blog de Ken MacLeod es The Early Days of a Better Nation.

Beyond the hallowed sky es una estupenda historia de ciencia ficción espacial centrada en la expansión de la raza humana por la galaxia gracias al descubrimiento de la forma de viajar más rápido que la luz. Como decía en mi introducción no conocía de nada a Ken MacLeod hasta que leí la recomendación de Warren Ellis.

Me he encontrado con una historia muy interesante con cuatro protagonistas que llevan a cabo tres líneas argumentales diferentes a lo largo de las 356 páginas de la novela. Por un lado tenemos a Lakshmi Novak, una científica recibe una carta sobre como viajar más rápido que la luz aparentemente escrita por ella misma. Tras ser contactada por el experto en la construcción de buques John Grant, pondrán en marcha la construcción en secreto de un prototipo que puede cambiar el equilibrio de poder entre los diferentes poderes mundiales. Por su parte, Emma Hazeldene explora un planeta lejano donde las rocas no se comportan como tales, mientras que Marcus Owen, un agregado cultural del British Council en la colonia humana de Venus, llega con un encargo muy concreto y las órdenes de no detenerse ante nada para conseguirlo.

Como en toda buena narrativa, me ha gustado mucho que las tres historias aparentemente inconexas acaben conectadas de forma sorprendente en el climax de la novela. Y junto a elementos de ciencia ficción pura como es la Paradoja de Fermi (si existieran aliens con capacidad de viajar por el espacio ya deberiamos haberlos encontrado -o realmente, ellos nos habrían encontrado a nosotros-), la novela toca elementos de geopolítica de rabiosa actualidad como son los problemas derivados del separatismo, la lucha por la hegemonía de las superpotencias de formas a menudo ocultas, así como los resultados de catástrofes ecológicas que crean olas de refugiados que buscan un futuro mejor.

Como hice con Empire of Silence de Christopher Rucchio, he leído esta novela en inglés, y reconozco que algunos conceptos de ciencia ficción y de la construcción del vehículo se me han hecho un poco áridos, aparte que algunos protagonistas son escoceses (no hace falta decir nada). En este sentido, la narración en primera persona de Rucchio de los sentimientos de su protagonista me resultó mucho más fácil de leer, pero la verdad es que la historia de MacLeod me ha resultado interesantísima y ha compensado la complejidad de su historia.

Si tengo que ponerle un pero, Warren Ellis comentaba que aunque esta novela era el comienzo de una serie, se podía leer de forma autónoma. y satisfactoria. Sin embargo, en mi opinión la novela no es autoclusiva, aunque haya una parte de la historia que sí empieza y acaba. Al contrario, la parte principal queda totalmente colgada y desde luego no deja con sensación de lectura satisfactoria al quedar a mitad. En todo caso, hay conceptos de ciencia ficción tan chulos, y las incógnitas abiertas me interesan tanto que no tengo duda que leeré las próximas novelas de MacLeod. Pero en este caso me hubiera gustado leer algo realmente autoconclusivo. Entiendo que esto es problema mío, no de la novela en si, por lo que me obligaré a escoger con más cuidado mis próximas novelas de ciencia ficción.

En todo caso, repetir que me ha gustado mucho Beyond the hallowed sky y que me acabo de convertir en un fan de la obra de MacLeod. De hecho, me estoy planteando continuar con su trilogía The Corporate Wars, que también fue alabada por Ellis.

PUNTUACIÓN: 8/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!

Crítica de Apolo 10 1/2: una infancia espacial de Richard Linklater (Netflix)

Netflix ha estrenado una de esas película que hacen que merezca la pena pagar la suscripción de Netflix gracias a la gran variedad de contenidos que comparte. Hoy hablo de Apollo 10 1/2: una infancia espacial del director Richard Linklater realizada con la técnica de la rotoscopia.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Una aventura de la era espacial ambientada en el contexto de la misión lunar Apolo de 1969 e inspirada en la infancia del director Richard Linklater.

Richard Stuart Linklater (Houston, Texas, 1960) es un director de cine y guionista estadounidense, conocido principalmente por las películas Slacker, Dazed and Confused, Escuela de rock, Boyhood (por la cual ganó todos los premios habidos y por haber) y la serie Antes (Antes del amanecer, Antes del atardecer y Antes del anochecer) con Ethan Hawke y Julie Delpy.

Linklater llevaba desde 2004 con la idea de hacer una película a partir de sus experiencias infantiles durante el verano de 1969 en el que el hombre llegó a la Luna. Aunque inicialmente planteó la historia en imagen real, se dio cuenta que la animación con la técnica de la rotoscopia que ya había utilizado en Waking Life (2001) y A Scanner Darkly (2006) era perfecta para aportar a la historia una cualidad de cuento infantil que quería transmitir. La película se rodó en los estudios Troublemaker de Robert Rodríguez en Austin Texas a principios de 2020, empezando a partir de ese momento el trabajo de montaje y animación. Linklater dirige, escribe y produce esta película de 98 minutos que contó con fotografía de Shane F. Kelly y montaje de Sandra Adair.

Milo Coy es Stanley, el niño protagonista, mientras que Jack Black interpreta la voz del Stanley adulto que hace de narrador de la historia. Lee Eddy es la Mamá, mientras que Bill Wise hace de Papá. Las hermanas mayores de Stanley son Natalie L’Amoreaux (Vicky) y Jessica Brynn Cohen (Jana).

Me parece curiosísimo ver como Linklater parece ser el único director importante que cree en las posibilidades expresivas y narrativas de la animación con rotoscopia. De hecho, fue también en Netflix donde pudimos disfrutar en 2019 de Undone, una serie creada también con este estilo de animación a partir de rodar primero a los actores para luego animarles a ellos y al espacio donde se encuentran.

Y lo cierto es que este Apolo 10 1/2 resulta una película super curiosa, al estar planteada como una crónica de cómo el propio director y toda su generación vivieron el sueño de ver llegar al hombre a la luna, en un viaje a la nostalgia de un mundo que para un niño que creció en los suburbios era mucho mejor a como era en realidad (o al menos, en otras partes del mundo). En este sentido, la animación sirve para dar la clave de la historia, al mostrar que los recuerdos de un niño se mezclan con elementos imaginarios para crear unas vivencias que el narrador cree que pasaron así aunque intuye que probablemente no fuera así.

La rotoscopia tiene un importante elemento expresivo y narrativo, ya que en muchos momentos tenemos elementos históricos que Stanley conocía por la televisión que son apenas manchas abocetadas, indicando que siendo hechos reales, no tenían una importancia real para ese niño y probablemente casi ni los recuerde. Sin embargo, numerosos momentos relativas al despegue del Apollo XI y su llegada a la Luna casi parecen imágenes reales mostradas con todo tipo de detalles, resaltando lo que para el protagonista era (es) realmente importante.

Al tratarse de una historia de niñez en un mundo que para él era perfecto, la vida en el suburbio es super colorida y llena de vida y aventuras, y la animación funciona de maravilla para dar ese plus de fantasía que sólo los niños ven en el mundo real. Una parte muy importante en la película la tienen las canciones de la época que Stanley escuchaba con sus 5 hermanos mayores, así como la descripción de los programas de televisión a los que estaban enganchados y que significaban una parte importante del ocio familiar.

Aunque soy algo más joven y no viví la llegada del hombre a la Luna, si hay situaciones como cuando van a la playa y van 8 niños en la parte de atrás de una furgoneta o cuando los niños juegan con los vecinos en la calle, con las que me sentí super identificado y entiendo que forman parte de la memoria de toda una generación, que seguro ayudará a que los espectadores veteranos conectemos con la historia.

Dicho esto, en general me pasa con el cine de Linklater que su estilo de slice-of-life no es algo con lo que realmente conecte, aunque reconozco que no he encontrado ningún problema en esta película. Como comentaba antes, a esto hay que sumarle el exceso de familiaridad al haber visto innumerables películas y series ambientadas en este periodo histórico. Sin embargo, en este caso, y dentro de ser todo situaciones super anecdóticas, el plus de la animación y de tener la misión a la Luna ha conseguido que me interesara y me mantuviera enganchado para descubrir las diferentes decisiones creativas a la hora de ejecutar cada momento histórico.

Apolo 10 1/2 no creo que vaya a ser la película favorita de nadie, pero creo que es un ejercicio de nostalgia muy interesante y muy bien ejecutado, con una duración de 98 minutos que me ha resultado perfecta.

Comparto el trailer de este película:

Apolo 10 1/2: una infancia espacial es una buena película que te deja con buen sabor de boca ante una recreación de una pasado y una infancia que seguro fue mejor que el mundo actual. Quizá el último momento en que el público americano se permitió soñar que un futuro mejor basado en la ciencia era posible.

PUNTUACIÓN: 7.5/10

Gracias por leer este post. Espero tus comentarios. Y si te gustó el artículo, te invito a que lo compartas en redes sociales y que te suscribas para que te lleguen las notificaciones de las próximas publicaciones.

¡Saludos a todos!