Me gustan los comics de Simon Spurrier, sus historias plantan temas que siempre me dan un plus de variedad. Por ello me animé a comprar The Rush, su comic en Vault Comics que cuenta con dibujo de Nathan Gooden y color de Addison Duke, una historia de época ambientada en la Fiebre del Oro en el Yukón que mezcla el terror sobrenatural con el drama de una mujer que busca a su hijo perdido.
PUNTUACIÓN: 7/10
THE RUSH. This Hungry Earth Reddens Under Snowclad Hills.
No es oro todo lo que reluce. Todo lo que tiene hambre no es santo. Todo lo que vive no está vivo. Horror histórico que hiela hasta los huesos, THE RUSH es para los fans de The Terror de Dan Simmons con un toque de la Fiebre del Oro al noroeste del Yukon. Responde a la llamada del norte salvaje y sal en estampida hacia el Klondike…
1899, Territorio del Yukón. Una frontera helada, ensangrentada y magullada por la última gran fiebre del oro. Pero en los páramos sin ley del norte, algo susurra en los cerebros de los hombres, atrayéndolos a un valle asolado, donde gigantescas huellas de araña marcan la nieve y armas imposibles rugen en la noche. A Brokehoof, donde el oro y la sangre se extraen por igual. Ahora, tropezando hacia sus bosques embrujados, llega una mujer atenazada no por la codicia, sino por la furia gruñona de una madre en busca de su hijo…
De Si Spurrier (Way of X, Hellblazer) y Nathan C. Gooden (Barbaric, Dark One) llega THE RUSH, una oscura y lírica incursión en el horror y la locura del salvaje Yukón. Junto a ambos autores, tenemos a Addison Duke (color) y Hassan Otsmane-Elhaou (rotulación).
Este volumen de 192 páginas editado por Vault Comics recopila toda la serie, pensada para fans de The Terror, Fortitude, Coda y Moonshine.
Simon Spurrier es uno de los escritores británicos más interesantes del actual panorama mainstream. Aparte de su estupenda etapa en X-Men Legacy protagonizada por Legion y del maravilloso comic Universo Sandman: El sueño para DC, ha escrito en el ámbito independiente comics super chulos como The Spire, Two-Gun Gorilla, Weavers , Cry, Havoc , Angelic , además de Coda, y Step by bloody step junto al artista Matías Bergara, en los que ha mostrado su versatilidad dentro de la ciencia ficción, la fantasía o el noir. Con The Rush, Spurrier ampliga su gama al conectar su historia al terror, algo inusual hasta ahora.
Nathan C. Gooden es director artístico de Vault Comics. Nathan estudió animación en el Pratt Institute de Brooklyn y trabajó en producción cinematográfica antes de cofundar Vault Comics. Entre los trabajos anteriores de Nathan se encuentran Dark One (Vault), Barbaric (Vault), Zojaqan (Vault) y Killbox (de American Gothic Press).
The Rush es un comic que combina un drama de época ambientado en la Fiebre del Oro en el Yukón que mezcla el terror sobrenatural con el viaje de una mujer que busca a su hijo perdido. La sensación de desolación en los espacios helados y cómo la gente allí pierde la cabeza por la búsqueda del oro me parece que está perfectamente conseguida, siendo este uno de los principales elementos del comic. Que además haya gente alrededor de estas personas buscando aprovecharse de ellas para quedarse con todas sus riquezas es también un elemento que seguro pasó en el mundo real, un mundo dominado por la codicia en el que la ley del más fuerte solía ser la única que existía.
El comic está planteado casi como si fuera una novela epistolar, al ser las cartas que la madre escribe reflejando sus sentimientos ante lo que está sucediendo el hilo conductor de la historia. Este tipo de narrativa no es habitual en el mundo del comic, y me da dado una estructura narrativa diferente que me ha gustado. Por ponerle un pero, la rotulación de Hassan Otsmane-Elhaou no me ha acabado de gustar, al hacer complicado leer el comic en algunos momentos debido a las fuentes elegidas. A esto hay que sumarle el uso de Spurrier de inglés antiguo, lo que hacía complicado entender algunas expresiones.
Sin embargo, la historia de Spurrier me ha gustado, ofreciendo una historia completa en seis capítulos con un final potente y satisfactorio. Quizá me falte una mayor explicación del elemento sobrenatural, más allá de «está aquí». Pero su historia tiene un ritmo excelente y plantea interesantes cliffhangers y sorpresas a lo largo de toda la narración, al ser la duda de lo que le pasó al hijo de la protagonista el hilo conductor de la historia, casi como si estuviéramos ante una historia noir. Tengo que decir que me quedo contento con su trabajo, seguiré comprando sus comics.
El apartado artístico formado por Nathan Gooden y color de Addison Duke también me parece que está bastante bien. El color de Duke refuerza la sensación desolada del mundo helado del Yukón donde se desarrolla la historia, golpeado con toques de rojo intenso cuando asistimos a algunas de las muchas muertes que tiene la historia.
El dibujo de Gooden, que se encarga también del entintado, consigue trasladar la historia de Spurrier a imágenes de forma más que correcta. Por ponerle un pero, me da la sensación que las caras de los protagonistas son siempre las mismas, como si siempre utilizara el mismo plano para dibujarlas. Pero en general creo que hace un buen trabajo. Por comentar también lo positivo, me gusta cómo dibuja el elemento sobrenatural transmitiendo a la página la sensación terrorífica que sentían las personas que se encuentran ante uno de estos series y cómo saben que van a morir. No pienso que Gooden sea un figura del dibujo, pero si creo que añade lo que necesitaba una historia como esta necesitaba.
The Rush creo que es un buen comic que saciará la sed de los lectores que busquen algo diferente que se salga del pijameo mainstream. Por comics como este merece la pena estar al tanto de las propuesta de editoriales pequeñas como Vault Comics.
Comparto las primeras páginas de este comic:
La mezcla de drama histórico, historia de terror sobrenatural e investigación de unos crímenes funciona muy bien en The Rush, un comic que ha saciado mi sed de lecturas diferentes.
PUNTUACIÓN: 7/10
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La antología de cortometrajes Star Wars Visions es un autentico regalo que nos trae joyas de la animación, como pude comprobar tras ver la segunda temporada recién estrenada en Disney+.
PUNTUACIÓN: 8/10
«Star Wars: Visions» va más allá de cualquier forma de animación y sirve como un marco más amplio para las expresiones de celebración de la narración de Star Wars. El volumen 2 mostrará ese potencial cuando los cortometrajes emprendan una gira mundial, celebrando la increíble animación que tiene lugar en distintos países y culturas, a través del mito de Star Wars.
La serie creada por Lucasfilm ha estrenado una segunda temporada formada por 9 cortometrajes de estilos de animación y temáticas variadas. Por este motivo, como hice con la reseña de la primera temporada, haré un breve comentario de cada episodio, dentro que ya anticipo que independientemente de la calidad de cada episodio individual, y el nivel es muy alto. Lo que más me gusta de Star Wars Visions es precisamente poder ver esta gran variedad de historias ambientadas en el mundo de Star Wars.
SITH (EL GIRI)
Una exaprendiz Sith ve su pacífica vida amenazada.
El estudio español El Giri nos regala el mejor episodio de esta temporada. El cortometraje está escrito y dirigido por Rodrigo Blaas, y cuenta con las voces de Úrsula Corberó y Luis Tosar para contar la historia de una Sith que intenta encontrar el equilibrio entre la luz de la Fuerza y la oscuridad de los Sith, usando el simbolismo del lienzo en blanco y la imaginación del artista. La animación es una maravilla y entra en la categoría de OBRA DE ARTE, ofreciendo imágenes de gran belleza y con una potencia dramática y expresiva espectacular. El chulísimo mensaje del corto va unido a unas escenas de acción bestiales que hacen que el visionado sea super satisfactorio. Por cierto, en cierto sentido diría que este mensaje de unir luz y oscuridad diría que contradice el lore creado por George Lucas sobre el bien y el mal en Star Wars, pero el episodio es tan bello y la conclusión tan perfecta, que no seré yo el que lo critique.
Diría que Sith es el cortometraje que más me ha gustado, no ya de esta temporada, sino de toda la serie Visions. Sólo por él se justifica la existencia de esta antología, que sirve para reforzar la idea que no existe una única forma de contar historias con animación, elevando una historia de entretenimiento a una obra artística que me ha volado la cabeza.
LA CUEVA DE LOS CHILLIDOS (CARTOON SALOON)
Una joven sale de aventura con sus amigos y descubre la oscura llamada de una cueva legendaria.
El estudio irlandés Cartoon Saloon realiza este corto dirigido por Paul Young y con guion de Will Collins y Jason Tammemägi. El único problema de este corto es que viene justo después de Sith, que es una maravilla. Y en la comparación pierde sin duda. Sin embargo, el corto visto individualmente está super chulo. Aunque la animación puede considerarse “tradicional”, también consigue emocionar unos toques de terror en espacio cerrado y unos niños que tienen que luchar contra sus mayores miedos, con un mensaje de dejar ir el pasado para empezar una nueva fase del viaje. La historia tiene además un giro final muy interesante sobre la identidad de la voz que le hablaba a la niña, que añade el plus de originalidad a un corto que también me ha gustado mucho.
EN LAS ESTRELLAS (PUNKROBOT)
Dos hermanas, las últimas de su pueblo, intentan sobrevivir cuando el Imperio las descubre.
El estudio chileno Punkrobot realiza este corto con guion y dirección de Gabriel Osorio con una animación stop-motion maravillosa con una historia con toques de ecologismo frente a industrialización salvaje y unas jóvenes que tienen que intentan reconciliar el legado y la cultura de su planeta con la lucha en el presente contra el Imperio. Con este corto, llevamos tres éxitos monumentales, ya que la historia de estas hermanas que sobre todo la mayor tiene que aceptar su herencia y legado para poder sobrevivir me parece super emocionante. Además, la animación encaja con el tono y el mensaje creando una obra perfecta.
YO SOY TU MADRE (AARDMAN)
Anni, una joven piloto que se avergüenza de su madre, debe unirse a ella en una alocada carrera
El mítico estudio Aardman realiza este corto escrito y dirigido por Magdalena Osinska. El título alude a la mítica frase de Darth Vader a Luke, pero en realidad tenemos una historia ligera pero super divertida marca de la casa Aardman. La animación de “monigotes” funciona perfectamente en el a priori mundo serio de Star Wars, y nos ofrece una historia que me ha encantado. Porque no todo tiene que ser dramático o impactante.
VIAJE A LA CABEZA OSCURA (STUDIO MIR)
Una mecánica optimista y un jedi desilusionado se unen para intentar cambiar el curso de la guerra.
Este estudio coreano ha contado con Hyeong Geun Park como director y Cgung Se Rang como guionista de este cortometraje. Igual por tratarse de animación tradicional o por volver a repetir el tema que la luz y la oscuridad están conectadas y no puede existir una sin la otra, he conectado menos con este corto. En todo caso, la historia de estos dos héroes de mentalidades opuestas que formarán un vínculo para sobrevivir me parece que está bien ejecutado.
LA BAILARINA ESPÍA (STUDIO LA CACHETTE)
La bailarina de un cabaret frecuentado por el Imperio corre peligro cuando se descubre su identidad.
El estudio francés de animación ha realizado este corto escrito y dirigido por Julien Chheng. Este corto tiene un estilo de animación que me recuerda a las series de los años 80, con un toque retro en el diseño de personajes que casi me recuerda a un álbum infantil. Y esto es curioso, porque luego la historia es bastante dura, al tener a una madre que lucha contra el Imperio tras ver su pueblo arrasado y su hijo secuestrado. La historia tiene un giro super bueno, y la animación de ella bailando como si fuera un miembro del Cirque du Soleil ofrece momentos chulísimos, incluso cuando la animación retro igual para mi no es la mejor elección posible. En todo caso caso, una historia muy interesante que te deja con ganas de más, lo mejor que se puede decir en estos casos.
LOS BANDIDOS DE GOLAK (88 PICTURES)
Perseguidos por el Imperio, un chico y su hermana sensible a la Fuerza se refugian en un dhaba.
Ishan Shukia sirige y escribe la historia realizada por este estudio de India de dos hermanos que huyen del Imperio buscando refugio. Como positivo tenemos una historia que conecta con la cultura de India, mostrando la variedad casi infinita de planetas e historias que pueden contarse dentro del marco de Star Wars. Sin embargo, la animación me parece más floja que los cortos anteriores, con unas caras «feas» con las que no conecto, y la historia se siente un poco trillada y ya vista una vvez quitamos el envoltorio cultural.
EL HOYO (D´ART SHTAJIO & LUCASFILM JAPAN)
Un joven prisionero, obligar a buscar cristales de Kyber para el Imperio, planea la huida.
Cortometraje escrito por LeAndre Thomas y dirigido por Thomas y Justin Ridge. Este es otro corto que no me ha hecho demasiada gracia, empezando por un mensaje de que el pueblo debe unirse para vencer al Imperio que en la forma en que está ejecutado resulta ridículo. Todo en general en la historia resulta ridículo, empezando por la creación de una ciudad a partir de la creación de la mina / hoyo de donde se extrae los cristales Kyber, para luego tener un pueblo ¿Que no sabe que hay esclavos extrayéndolo? No, la verdad es que la historia no me ha gustado, y creo que este es el peor corto de esta serie antológica.
LA CANCIÓN DE AAU (TRIGGERFISH)
Una niña que desea cantar debe callarse porque su voz puede causar una gran calamidad en las minas.
El estudio sudafricano Triggerfish ha creado este cortometraje escrito y dirigido por Nadia Darries y Daniel Clarke. La idea que el Kyber puede ser corrompible no se si me parece una genialidad o una ridiculez, porque siempre he pensado que los cristales son una herramienta, no una fuente de poder de la Fuerza en si mismo, aunque se usen para construir las espadas de luz. Unido a esto, resulta curioso que dentro de todo el espectro de historias que se puedan contar, este corto repite la idea general de una sociedad que vive de extraer Kyber del corto El Hoyo, aunque luego la ejecución y las historias sean muy diferentes.
En este corto tenemos a una niña con una habilidad única que tendrá que quitarse el miedo (de su padre más que suyo, en realidad) para explotar todo su potencial para el bien. El corto en cuanto a idea me parece correcto, lo malo es que la animación stop-motion y e diseño de los personajes no ayuda a que nos creamos que este moñeco canta de la forma en que lo hace, se pierde toda la capacidad emotiva que la historia sí tenia. En todo quitando los diseños de personajes, la verdad es que los fondos y el diseño de este mundo me perecen una pasada, por ese lado la verdad es que la animación está muy muy chula.
En resumen, posiblemente los tres primeros cortos (Sith, La cueva de los chillidos y En las estrellas) han sido los que más me han gustado de largo. Y los tres últimos (Los bandidos de Golak, El hoyo y La canción de Aau) los menos buenos. Dicho esto, creo que es genial que Lucasfilm apueste por este formato de obras creadas por estudios de todo el mundo, que nos dan una mirada diferente y llena de personalidad al mundo de Star Wars. Ojalá que esta serie tenga una buena audiencia y justifique la producción de una tercera temporada.
Comparto el trailer de esta serie:
Star Wars Visions me parece una idea maravillosa. Y tener estos cortos creados por estudios de todo el mundo es una genialidad que espero tenga continuidad. Una serie de obligado visionado para todos los amantes de la animación.
PUNTUACIÓN: 8/10
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Tenía muchas ganas de ver Guardianes de la Galaxia vol. 3, la última película de James Gunn en Marvel Studios antes de su marcha a presidir DC Studios. Y la verdad es que no ha decepcionado, ofreciendo un final super emocionante al viaje de estos personajes.
PUNTUACIÓN: 8.5/10
La querida banda de los Guardianes se instala en Knowhere. Pero sus vidas no tardan en verse alteradas por los ecos del turbulento pasado de Rocket. Peter Quill, aún conmocionado por la pérdida de Gamora, debe reunir a su equipo en una peligrosa misión para salvar la vida de Rocket, una misión que, si no se completa con éxito, podría muy posiblemente conducir al final de los Guardianes tal y como los conocemos.
James Gunn escribe y dirige la tercera y última película de los Guardianes de la Galaxia, que se estrena 6 años después del estreno de su volumen 2. La película de 150 minutos de duración ha tenido una larga y complicada producción provocada por el despido de Gunn por parte de Disney en julio de 2018 y su posterior readmisión meses más tarde, cuando ya se había comprometido con Warner para hacer The Suicide Squad. Tras los problemas y retrasos derivados del COVID, por fin podemos disfrutar del final del camino para Gunn en Marvel Studios, al hacer aceptado el puesto de CEO de DC Studios.
En el reparto tenemos el retorno de un montón de caras conocidas: Chris Pratt como Peter Quill / Star-Lord, Zoe Saldaña como Gamora, Dave Bautista como Drax el Destructor, Karen Gillan como Nébula, Pom Klementieff como Mantis, Bradley Cooper y Vin Diesel como las voces de Rocket y Groot, Sean Gunn como Kraglin Obfonteri y Elizabeth Debicki como Ayesha, Suma Sacerdotisa y líder del pueblo Soberano al que conocimos en el volumen 2. Las nuevas incorporaciones son Chukwudi Iwuji como el Alto Evolucionador, Will Poulter como Adam Warlock, y Maria Bakalova como la voz de Cosmo, el perro cosmonauta ruso.
La película ha contado con un enorme presupuesto de 250 millones de dólares. Haciendo la cuenta del x2.5 sobre el presupuesto, necesita recaudar 625 millones en todo el mundo para cubrir los costes de producción. Recordar que la primera película recaudó 773 millones, mientras que el volumen 2 consiguió 869 millones. Para terminar con datos de producción, comentar que la película tiene fotografía de Henry Braham, edición de Fred Raskin y Greg D’Auria, y música de John Murphy.
Para James Gunn, lo importante en Guardianes de la Galaxia siempre han sido los personajes. Es normal por tanto que en este volumen 3 de sus aventuras tengamos una historia que no va tanto del mcguffin de turno, sino de los héroes y sus interacciones, de como se comportan para llegar hasta llegar a su objetivo y cómo este viaje les cambia y afianza su sentimiento de familia disfuncional. Una de las cosas que me han volado la cabeza es que el corazón de esta película se construye alrededor de Rocket, al conocer su terrorífico origen y como fue creado por el villano de la película, el Alto Evolucionador. Un personaje creado totalmente por CGI es el corazón, el centro emocional de todo, y consigue que las lágrimas broten de nuestros ojos en varios momentos claves de la película. Esto confirma la realidad que tantos y tantos gafapastas, espectadores pero también profesionales del mundo del cine, no entienden. Que el problema no son los efectos especiales o las pantallas verdes, sino el uso que se hace de ellas. Y James Gunn pone tanto corazón y tanta emotividad, en el buen sentido del término, que sólo queda levantarse y aplaudir por el viaje que hemos vivido con ellos.
El Alto Evolucionador me ha parecido un gran villano que aporta un elemento super perturbador a la historia, sobre todo en la parte del flashback en la que conocemos el origen de Rocket. Su experimentación y cómo transforma adorables animales es grotescos cyborgs con implantes metálicos ofrece unas escenas de body-horror que no esperaba en un blockbuster familiar de estas características, dándonos unos momentos dolorosos de ver. Y, de nuevo, que esto se haga con personajes CGI que nos transiten tanto me parece una pasada. El elemento clave de un villano que cree estar mejorando a la humanidad mediante experimentación genética pero en realidad no lo hace por motivos altruistas sino porque odia como son las cosas en realidad, me parece un elemento muy interesante que puede servir además de metáfora sobre personas y actitudes muy actuales en nuestra sociedad. En este sentido, que la Contra-Tierra sea una especie de mundo idealizado sacado de los años 80, también sería un comentario sobre la idealización de un pasado que igual nunca fue tan perfecto cómo se quiere recordar ahora.
Como decía, el centro de todo son los personajes, y cuando unos héroes consiguen hacernos reir y llorar casi en la misma escena, es que algo ha hecho muy muy bien James Gunn. Dentro que todos están bestiales, me tengo que quitar el sombrero ante Chris Pratt, que consigue sacar adelante brillantemente un viaje super doloroso mientras Peter Quill aprende que la Gamora que amó se fue y no va a volver, y que en lugar de perder una amante igual puede ganar una amiga. Pratt tiene momentos de patetismo, momentos de mucho dolor, otros graciosos y sobre todo, la clave de levantarse a pesar de todo para ayudar a su amigo Rocket cueste lo que cueste. Y todos los saca adelante de forma brillante. En los últimos tiempos hemos asistido a una campaña de descrédito contra él vergonzosa, pero Pratt muestra en pantalla que ES una gran estrella con un carisma y una presencia que se sale de la escala. Muy bien por él.
Pero no sólo es Pratt, claro, porque el resto del grupo es increíble. Dentro de esta familia disfuncional, las mejor paradas son Karen Gillan y Pom Klementieff, que como comentaba nos dan siempre una risa y un momento que resalta que siguen teniendo dolor en su corazón. Nébula está empezando a aprender a ser feliz, algo que jamás pensó que conocería, y Mantis dentro de su superficialidad aparente resulta que sabe leer el dolor que se esconde debajo de cada uno de sus compañeros. Empezando por supuesto por un Drax, que como todos alterna unos diálogos super buenos marca de la casa Gunn con un momento dramático de los que tocan el corazón de los espectadores.
En este sentido, quizá la peor parada de este volumen 3 es Gamora y Zoe Saldaña, al ser este personaje el que está más desconectado de los demás y que no consigue emocionarnos como sí lo hacen todos. En parte, esto reafirma el hecho que esta Gamora NO es la que conocimos en las películas anteriores, pero me parece el eslabón débil de un tapiz de relaciones entre los personajes que me parece brillante. Y si nos ponemos puntillosos, podría criticarse la versión de Warlock que nos presenta Gunn, interpretado por Will Poulter. Sin embargo, este ser evolucionado recién nacido de una crisálida evolutiva que tiene el cuerpo super poderoso de un adulto pero ninguna experiencia con el mundo real no se alejaría demasiado de la primera versión del personaje que vimos en la páginas de Thor, que era un ser con la mente de un niño que no sabe interactuar con el mundo a su alrededor. Creo que este Warlock cumple bien con lo que la historia de Gunn pedía de él, aunque tengo que reconocer que el que desaparezca casi completamente de la segunda mitad de la película es una pena. En todo caso, el momento en que le explican que todo el mundo merece una segunda oportunidad me parece una escena super emocionante y un gran resumen a lo que significa esta familia disfuncional que se ha ganado mi corazón.
Había intentado llegar a la película lo más libre de spoilers posible, pero fue inevitable leer algún comentario sobre que la duración de la película era excesiva y que se hacía un poco larga. Nada más lejos de la realidad. Soy el primero que me he quejado de la moda actual de alargar muchas películas por encima de las dos horas y media, pero al final si se conecta con lo que nos cuentan y con el sufrimiento y evolución de los personajes, las duración no solo no es un problema sino que es imprescindible para tejer las relaciones y construir el climax. Volviendo a los personajes, que incluso Kraglin y Cosmo tengan momentazos emotivos y con el uso de sus poderes como el resto, me parece una pasada que habla muy bien de Gunn como creador de personajes con corazón. No, no me ha parecido nada larga la película.
Guardianes de la Galaxia tiene una selección de canciones abrumadora. El momentazo con Beastie Boys me ha parecido increíble, pero los hay a patadas. Por ejemplo, el comienzo con Rocket tarareando Creep de Radiohead, que nos marca desde el primer fotograma el tono de dolor pero también de alegría que se abre para los personajes. Otra cosa que me vuela la cabeza de esta película es que puede decirse que hay poca acción, pero nunca la echas de menos porque el centro emocional como digo son los personajes. Que esto suceda en un blockbuster palomitero como es esta película es otro detalle que me parece alucinante, y es todo gracias a un Gunn que me parece brillante. Y ojo, que puede haber poca acción, pero la que tenemos está rodada de forma alucinante. El primer combate contra Warlock tiene una fuerza y una sensación de amenaza bestial, mientras que la huida de Orgoscopio, sede de la compañía Orgocorp del Alto Evolucionador, está llena de momentos super imaginativos. Además, el climax final con el combate del grupo en un largo plano secuencia en el que vemos como todos pelean y se ayudan entre sí para eliminar a sus enemigos me parece una genialidad visualmente apabullante.
Otro elemento a destacar es la creación de mundos super imaginativos por parte de Gunn. El planeta Orgoscopio es diferente a todo lo visto en la ciencia-ficción reciente (o no), lo que añade el plus de sensación de maravilla que debería tener la ciencia ficción y que a menudo se olvida, planteando por falta de originalidad o presupuesto mundos genéricos con tecnología startrekizada. El brillante diseño de producción sirve para añadir el plus de personalidad a una película que ya se siente única de principio a fin. Gunn ha comentado en varias ocasiones que cuando Marvel Studios le pidió su idea de película para los primeros Guardianes, él no quería crear una película que pareciera Star Wars, sino una que hiciera sentir a los espectadores lo que la primera Star Wars nos hizo sentir, con personajes estrambóticos con corazón que vivían en una galaxia extraña pero cercana que el público querría conocer. El éxito es total.
Buscando algún elemento menos bueno a una película que como veis me ha gustado mucho, como decía por un lado tendriamos a Gamora, no estando mal, ojo. A esto añadiría que las partes más aterradoras del Alto Evolucionador están en el flashback del origen de Rocket, no teniendo demasiado que hacer en la parte del presente. Sin embargo, esto conecta con la parte que comentaba sobre que lo importante para Gunn no es la aventura o la pelea con el villano sino el crecimiento de los personajes, y por eso es un elemento que no supone ningún problema. Por cierto, que no lo he comentado, pero Chukwudi Iwuji me parece que está muy bien en su papel de villano que cree que está haciendo lo correcto, aunque lo correcto para él sea destruir un planeta lleno de seres vivos porque no son «perfectos». El toque de villano perturbado salido de La isla del doctor Moreau queda super bien en la película.
Aparte de todo, obviamente James Gunn plantea la película sabiendo que es el final de su trilogía dentro de Marvel Studios. La forma en que conecta las tres películas a lo largo de los 150 minutos de duración me parece genial, consiguiendo la sensación de haber vivido una larga historia río en la que todos han cambiado, mejorado y aprendido a ser felices como una gran familia disfuncional. Como final de trilogía nos regala un final perfecto, porque estos personajes merecían un final feliz. Aunque eso no incluya el típico «consigue a la chica». Siendo un momento a lo mejor agridulce para Quill, para los personajes igual lo que tenemos es mejor.
Este final super satisfactorio nos muestra que el cambio ha sido una constante en el grupo, que empezó con Nébula como villana y termina siendo uno de los puntales emocionales. Además, los detallitos sacados de los comics me alegraron también el corazón, como ese Warlock ahora ya si en modo héroe o la presentación de Phylla-Vell (aunque sea diferente al comic) me dejan con la mejor de las sensaciones. No se que nos deparará el futuro para estos Guardianes de la Galaxia, pero me daría pena que Marvel no los aprovechara, porque el potencial es infinito. Hay actrices como Zoe Saldaña que han comentado que para ella esta es la última película en Marvel. Y respetando esto, Gunn igual ha planteado un final para Gamora que encajaría con estos deseos. Sin embargo, yo quiero ver más Nébula, más Rocket y Groot, y desde luego, más de Adam Warlock. Esperemos que su historia no termine aquí.
La película recaudó 120 millones el primer día de estreno (incluyendo el preestreno del jueves), y parece que el boca a boca es bueno, algo que no sucedió con Quantumanía. Está por ver si Guardianes de la Galaxia vol. 3 conseguirá igualar la taquilla de la segunda parte (870M), pero mientras sea rentable para Marvel el éxito será más que suficiente. Para ello sería suficiente conseguir 700 millones de taquilla, cifra incluso inferior a la de la primera primera película. Hay muchas webs que viven de estas estadísticas y las comparaciones de unas películas con otras, pero teniendo un final tan satisfactorio para la historia de estos personajes (espero que por el momento), con que Marvel obtenga beneficios con esta película, aunque no igualen los de las anteriores, yo contento.
Por cierto, mientras despedimos a James Gunn de Marvel Studios, esta película y el corazón y el cariño que ha mostrado para estos personajes me confirma que es la persona indicada para escribir y dirigir la próxima película de Superman. Un Gunn que no lo he comentado pero consigue un equilibrio perfecto entre momentos super dramáticos, con Rocket pero no sólo, con un humor que me funciona prácticamente siempre construido a partir de unos diálogos brillantes jugando con la personalidad de cada personaje. Reconozco que el hecho que en El Escuadrón Suicida a veces se riera DE algunos personajes y no «con» ellos hizo que no estuviera del todo convencido, pero tras ver esta película, las dudas han desaparecido. Up, up and away!!
Comparto el trailer de la película:
Cuando un final es tan emocionante, no queda más que levantarse a aplaudir lo que James Gunn ha regalado a los fans. Guardianes de la Galaxia vol. 3 ya es historia de Marvel Studios, y ¡qué viaje!
PUNTUACIÓN: 8.5/10
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Tras el final de la mítica Invencible, Robert Kirkman y Ryan Ottley vuelven a reunirse para Rick Grimes 2000, comic con tintas de Cliff Rathburn y color de Dave McCaig publicado por ECC Ediciones que originalmente formaba parte de la antología Skybound X, creada con motivo del décimo aniversario del sello creado por Kirkman en Image Comics.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Más allá de The Walking Dead (Los muertos vivientes)…
Rick Grimes era un agente de policía en un pequeño pueblo. Luego, el mundo cayó en manos de los muertos vivientes. Pero los muertos solo fueron el principio… y aquí empieza una nueva historia de terror alienígena.
El guionista superestrella Robert Kirkman y el dibujante superestrella Ryan Ottley nos presentan la historia más salvaje de The Walking Dead. Este tomo recopila toda la historia de Rick Grimes 2000 que apareció originalmente en las páginas de Skybound X, así como una galería de portadas.
ECC Ediciones ha publicado este número especial en una edición en cartoné de 64 páginas.
Robert Kirkman (Kentucky 1978) es uno de los nombres más populares y exitosos de mundo del comic mainstream americano. Es el creador de The Walking Dead con Tony Moore, que fue sustituido por Charlie Adlard tras abandonar la serie tras tan sólo 6 números, y de Invencible junto a Cory Walker, que fue sustituido por Ryan Ottley a partir de su número 8.
Su primer trabajo en el mundo del cómic fue la parodia de superhéroes Battle Pope, creada en el año 2000 junto al artista Tony Moore. Tras este comic, Kirkman y Cory Walker fueron contratados por Erik Larsen para realizar una miniserie de SuperPatriot ya dentro de Image Comics. Mientras trabajaba en ese libro, Kirkman y E. J. Su crearon en 2002 Tech Jacket, de la que se publicaron siete números. A principios de 2003 Kirkman y Moore crearon Invencible, y unos meses más tarde se estrenó The Walking Dead, comic que se convirtió en uno de los mayores éxitos del comic independiente sobre todo a partir del estreno de la popular adaptación televisiva.
Aunque trabajó en Marvel durante unos pocos años en comics como Irredeemable Ant-Man, Ultimate Spiderman Team-Up y Marvel Zombies, además del comic de creación propia The Destroyer, en seguida decidió centrarse en el mundo de los comics de creación propia. Desde 2008 es uno de los cinco socios de Image Comics, el único de los cinco que no fue uno de sus cofundadores y que es únicamente guionista. Ese mismo año su Manifiesto en favor del comic independiente en el que pedía a los autores que se centraran en estos comics abandonando el trabajo de encargo en Marvel o DC generó mucha polémica y levantó algunas ampollas sobre todo en Marvel.
En 2008 creó junto a Todd McFarlane Haunt, que contó con dibujo de Greg Capullo y Ryan Ottley. En 2010, Kirkman fundó la empresa de entretenimiento Skybound Entertainment para desarrollar propiedades en todo tipo de medios, incluidos cómics, televisión y cine. La empresa también gestiona la licencia de The Walking Dead e Invencible. Dentro del sello Skybound Kirkman ha creado Outcast con Paul Azaceta, Oblivion Song con Lorenzo de Felici, Die! Die! Die! con Chris Burnham y Fire Power con Chris Samnee. Junto a Lorenzo de Felici está a punto de estrenar Void Rivals, su nueva serie regular que se estrena el próximo mes de Junio. Además, en 2020, recibió un premio especial («Fauve d’honneur») en el Festival Internacional del Cómic de Angulema por sus logros en el mundo del comic.
Ryan Ottley (Portland, 1975) es un dibujante conocido sobre todo por su trabajo en Invencible y Amazing Spider-Man. Tras trabajar entre otros trabajos en una empresa de suministros farmacéuticos, Ottley decidió centrarse en el mundo del comic, y con 29 años empezó a trabajar en Invencible a partir del número 8 en 2004, colección que dibujó durante 14 años, dibujando 127 de los 144 números.
Tras terminar Invencible, en 2018 ficha por Marvel Comics relanzando el volumen de The Amazing Spider-Man con el escritor Nick Spencer. Ottley realizó el arte de 20 números de la serie. En 2021, Ottley fue anunciado como el artista del relanzamiento de Hulk formando equipo con el escritor Donny Cates. Tras la salida de Cates como escritor de Hulk, Ottley se haría cargo como escritor para el resto de la serie, a partir del número 11. Tras terminar esta etapa en Hulk, Ottley ha comentado que vuelve al mundo de los comics de creación propia.
Sobre el nacimiento de The Walking Dead en 2003, Kirkman ha contado en numerosas ocasiones que Image Comics estuvo a punto de rechazar su propuesta porque consideraban que el concepto de ambientar el comic en un apocalipsis zombi no era suficiente para atraer a los lectores, y necesitaba un gancho aún más potente. Esto provocó que el entonces novato Kirkman se inventa una rocambolesca historia similar a la de «Plan 9 from outer space», según la cual los zombis estaban en realidad animados por una raza alienígena que se disponía a invadir la Tierra para quedarse con el planeta y sus recursos naturales. Sin embargo, Kirkman no tenía intención de utilizar ese argumento en ningún momento. Durante la publicación del comic, Kirkman también usó esta broma ante algunas cartas de lectores que opinaban que el concepto en 50 números no iba dar más de si, sugiriendo que habían grandes cambios en el horizonte.
En 2021, dos años después del final de The Walking Dead y aprovechando el décimo aniversario del sello Skybound, Kirkman publicó cinco números antológicos bajo el nombre Skybound X en el que se publicaban historias cortas de los diferentes comics que ha publicado este sello, no sólo de Kirkman sino de un montón de autores variados y colecciones como Ultramega, Redneck, Birthright y Manifest Destiny entre otros. Y es en estos 5 números donde se publicó este comic de 48 páginas, Rick Grimes 2000, que ECC Ediciones publicó el año pasado en un tomo en cartoné de tapa dura y 64 páginas, en el que recupera esta idea loquísima.
Rick Grimes 2000 es un comic super over-the-top que no se toma muy en serio a si mismo y que tiene una clara vocación de entretenimiento. Y me lo he pasado genial leyéndolo. Ver a los protagonistas de The Walking Dead transformados en unos héroes y villanos cyborgs con habilidades mejoradas que combaten entre ellos y contra zombies y alienígenas super poderosos casi salidos de Invencible ha sido una gozada total.
El dibujo de Ryan Ottley con tintas de Cliff Rathburn y color de Dave McCaig es una pasada. Por un lado, es genial verle dibujar zombies, aunque son un elemento muy secundario en la historia. Pero es que Ottley añade además un feel superheróico que le va perfecto a la historia super gore y exagerada que plantea Kirkman. El comic de 48 páginas está contada en 5 grapas de 12, 8, 8, 8 y 12 páginas. Aparte de explicar el mundo en que sucede la historia, Kirkman plantea un montón de acción y cliffhangers potentes, alternando Ottley grandes splash-pages con páginas super abarrotadas de viñetas para poder hacer avanzar la historia, consiguiendo un resultado brillante.
Otro elemento muy destacable de Rick Grimes 2000 es que Kirkman le regala a Ottley un montón de easter-eggs que resultan super chulos de dibujar y de ver en una página de un comic. Empezando por el uso de espadas laser de Star Wars como puede verse en la portada, monopatines voladores de Regreso al Futuro 2, o los tentáculos de Doctor Octopus. No se si recordando las pullas de Kirkman hacia Marvel, también resulta llamativo que el villano Negan lleve un traje que recuerda cromáticamente al de Spiderman, usando un aerodeslizador que es casi calcado del de Duende Verde. La coctelera que agita Ottley no tendría que funcionar, pero sin duda lo hace, con el añadido de una violencia super gore con por ejemplo cabezas estallando de forma explícita que es la guinda a un comic que es pura diversión.
Es cierto que Rick Grimes 2000 es un comic gamberro super bestia con una única vocación de entretenimiento over-the-top. Y funciona sin vergüenza ninguna como comic de acción gore sin más. Dentro de lo exagerado y superficial de una historia que no puede ser profunda desde la propia elección de un formato de 48 páginas que obliga a ir a tope desde la primera páginas sin un segundo de respiro, la verdad es que Kirkman también plantea varios elementos bastante meta sobre algunos aspectos del entretenimiento mainstream actual. Empezando por añadir el «2000» a un comic publicado en 2021, lo que sugiere una crítica a la ola de nostalgia que domina una gran parte del entretenimiento, que parece obligar a volver a las mismas historias y personajes una y otra vez. Esto se uniría a tener a Rick como protagonista de esta historia, cuando en The Walking Dead murió al final del comic, resaltando que las grandes franquicias obligan a reinicios y reboots que mantengan vivas a sus principales personajes.
Kirkman también plantea un comentario, no se si crítica, a la moda que dominó el mundo del comic en las décadas de los 90 y 2000 con personajes hiper musculados con grandes pistolones que me recordaron a Cable o los personajes de Extreme Studios de Rob Liefeld. Esto también es otro elemento que conecta al 2000 del título. Ojo, que estos son detalles para muy cafeteros. Si eres un lector veteranos como yo consiguen que estuviera sonriendo durante toda la lectura, pero si eres un lector no habitual te encontrarás con cosas super exageradas que añaden diversión y un tono de no tomarse muy en serio a si mismo.
Por comentar algo menos bueno, como comentaba antes el formato de 48 páginas obliga a un desarrollo y un final bastante apresurados que me dejaron con ganas de que esta historia hubiera podido respirar un poco más. En todo caso, que un comic te deje con ganas de más no puede ser mejor, y la verdad es que Kirkman y Ottley entregan un comic super chulo que transmite que ellos se lo han pasado igual de bien creándolo como nosotros leyéndolo.
Por último, no puedo dejar de comentar el palo que ECC Ediciones nos ha dado a los lectores con esta edición. Y tengo claro que tras publicarse en la antología Skybound X, Image publicó Rick Grimes 2000 en un tomo en tapa dura, pero pagar 12 €uros (menos el 5%) por un tomo de 48 páginas de historia, al que hay que sumar las portadas para alcanzar el total de 64 páginas, me parece una pasada. De hecho, ese fue el principal motivo por el que no lo compré en su momento, aunque al final las ganas de leer a Kirkman y Ottley me ha podido al desorbitado precio de este comic.
Rick Grimes 2000 es un comic super divertido y exagerado que encantará a todos los fans de The Walking Dead e Invencible, de Kirkman y Ottley. No se le puede pedir nada más.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
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Giant Days, el comic creado por John Allison editado por Fandogamia, consigue siempre dejarme con el mejor sabor de boca mientras disfruto de las aventuras de estas tres universitarias. Hoy comento mis impresiones de este séptimo volumen con dibujo de Max Sarin, entintado de Liz Fleming y color de Whitney Cogar.
PUNTUACIÓN: 7.5/10
Nuestras amigas Susan, Daisy y Esther continúan con su segundo año en la universidad de Sheffield y, desde luego, son unos tiempos muy formativos. La educación y mirar hacia el futuro no es lo único que la universidad tiene preparado para estas señoritas: manifestaciones contra supermercados, reuniones familiares e incluso una boda en un MMORPG están en la lista de cosas para este semestre.
John Allison y las artistas Max Sarin y Liz Fleming nos llevan al segundo semestre de estas estudiantes de segundo en Giant Days Volumen 7, que recopila los números 25 a 28 de esta serie ganadora de dos premios Eisner.
John Allison continúa con este slice-of-life en el que asistimos a las nuevas peripecias de las protagonistas, Susan, Daisy y Esther, que ya se encuentran en su segundo año en la universidad de Sheffield. Como siempre en la edición de Fandogamia encontramos en este volumen cuatro historias autoconclusivas. Así, asistiremos a la reunión familiar de Susan con motivo de Navidad, a una boda en un juego MMORPG, nos reiremos cuando Esther recuerde su consciencia social al inicial unas manifestaciones contra un supermercado, y viviremos una aventura de terror (si. claro) cuando las chicas escuchan ruidos extraños en la cochera de su piso de alquiler.
Es genial leer unas aventuras con este feel-good y esta personalidad. Las situaciones que plantea Allison no son de carcajada, pero si de mantenerte con la sonrisa en la cara todo el rato. Por ejemplo todos los que vengamos de una familia numerosa sabemos que las discursiones entre hermanos son de lo más normal, y las de Susan transmiten que vienen desde el corazón, incluso siendo inventadas. No se si Allison es hijo único o el pequeño de 6 hermanas siendo él el único hijo, pero todo me suena a situaciones reales que se pueden vivir en cualquier familia.
El dibujo de Max Sarin, con entintado de Liz Fleming y color de Whitney Cogar, es como siempre perfecto, y resulta clave para que el comic sea tan divertido como es. Las situaciones tienen siempre el feeling justo de diversión con unas protagonistas que brillan gracias a sus expresiones faciales, con unas mecánicas corporales propias para cada una. Me gusta mucho el estilo de dibujo con un toque cartoon de Sarin, creo que es perfecto para el espíritu de este comic.
Los cuatro números están super chulos, pero me ha gustado especialmente el número 28 USA con la historia más o menos de terror cuando las chicas empiezas a escuchar ruidos en la cochera se su coche. En este número, para reforzar el desequilibrio que siente Daisy, Sarin juega con la estructura de página y rompe la distribución de viñetas rectangulares, planteando páginas con viñetas con bordes redondeados e incluso despareciendo en algunos momentos, lo que sumado al color de Cogar ayuda a dar a la historia un toque alucinado como si de un especial de Halloween se tratara. Este número concreto me ha encantado.
No voy al día con Giant Days dado que lo leo a medida que mi hermano se va comprando el comic. Y no se si es por los meses transcurridos, pero en el anterior volumen noté que las historias no eran tan divertidas como los primeros como si la fórmula se empezara a agotar, y sin embargo este séptimo volumen me ha parecido super divertido. Igual me viene bien dejar cinco o seis meses entre un volumen y el siguiente para disfrutarlos en condiciones. Lo que tengo claro es que seguro que leeré cuando llegue el momento el octavo tomo, y así hasta conocer el final de la historia.
Comparto algunas páginas del comic:
Giant Days
Repaso a mi Sci-fi favorito: comics, películas, TV y libros
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