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Crítica de LOW Volumen 5 de Rick Remender y Greg Tocchini (Image Comics)

Tras más de tres años de espera, por fin se ha publicado el final de LOW, el carismático comic de ciencia ficción de Rick Remender y Greg Tocchini, con colores de Dave McCaig. Hoy analizo su quinto y último volumen «Light brings light» (La luz trae luz), que ha supuesto un satisfactorio aunque apresurado final de la historia.

PUNTUACIÓN: 7/10

En un futuro lejano, la expansión prematura del sol ha irradiado la Tierra, enviando a la humanidad a las profundidades más bajas de los mares, escondida dentro de ciudades protegidas contra la radiación, mientras las sondas recorren el universo en busca de mundos habitables donde reubicarse. Después de decenas de miles de años, una sola sonda regresa y se estrella contra la superficie de la Tierra, un lugar ahora extraño que ningún ser humano ha visto en muchos milenios.

En este quinto volumen, publicado en marzo de 2021 en USA, y que recopila los números 20 al 26 de la serie tenemos ¡El ARCO FINAL de LOW! Salus se levanta. La Legión Quemada ataca. Stel Caine enfrenta el mayor desafío a su esperanza hasta el momento: la rabia de su hija, la timonel, Delia. Todo termina aquí, ¡interpretado con amor por el legendario equipo artístico de GREG TOCCHINI y DAVE McCAIG!

Rick Remender es uno de mis guionistas favoritos del siglo XXI. LOW suponía en sus propias palabras un desafío, ya que la protagonista Stel Caine era su primer personaje optimista de toda su carrera (hasta ese moemnto), una eterna optimista que cree que hay futuro para la humanidad si se cree en ello. Esta creencia será puesta a prueba de las peores formas posibles a lo largo de la serie, al encontrarnos ante una sociedad que ha olvidado el significado de esa palabra, optimismo, y se encuentra en una espiral autodestructiva.

Y dentro que me gusta mucho Remender y sigo comprando encantado Deadly Class, reconozco que en el periodo de 2013-17 en el que compraba todos sus comics sufrí una sobredosis del nihilismo pesimista del guionista. LOW jugó una parte fundamental de esta sobredosis debido a los tremendos dramas que tuvieron que soportar todos los miembros de la familia Caine. Por este motivo, de momento no compré ni Death or Glory (junto a Bengal) ni su nueva serie Scumbag (con varios artistas).

LOW es la prueba palpable de lo difícil que es producir un comic. Lo digo porque el cuarto volumen se publicó en octubre de 2017, y han tenido que pasar tres años y medio para que Remender, Tocchini y McCaig terminaran los 7 números que se incluyen es este último volumen que cierra la historia. ¿Fue problema de Remender? No creo, él ha seguido durante todos estos años publicando sus diferentes series, no parece que simultanear trabajos sea un problema para el guionista. ¿El problema quizá vino por parte del artista brasileño Greg Tocchini? Ya sabemos que los guionistas pueden trabajar en varios comics a la vez, en ese sentido lo tienen mucho más fácil que el artista, que debe consagrarse casi en exclusiva a producir un comic como este. El paso del tiempo, la pérdida de interés si el trabajo no es lo suficientemente rentable, o la temática demasiado desoladora, pueden cobrarse su precio para el artista, que debe buscar siempre su mejor versión para realizar el trabajo.

Todo eso ya es agua pasada, ya que por fin tengo el ejemplar en mis manos y por fin pude leer el final de la historia. Dado el tiempo transcurrido, reconozco que tuve que volver a leerme toda la serie porque no me acordaba de nada. Y leído de un tirón lo primero que debo decir es que la historia hasta el número 22 se siente como un todo unitario por el que no han pasado los años, y la historia está bien cerrada y consigue dejar al lector con sensación satisfactoria. El camino de la familia Caine termina y nos ha ofrecido un viaje lleno de peligros y desafíos, antes los que han tenido que levantarse. El mensaje positivo queda perfectamente reflejado en este final que ante todo deja buen sabor de boca.

Sin embargo, en lo relativo a la historia, dentro que todo encaja perfectamente, quizá hay una excesiva sensación de apremio en los 3/4 últimos números finales en los que pasan demasiadas cosas con demasiados frentes abiertos simultáneamente. Todo queda apelotonado y no acabas de entender qué está pasando, donde se encuentra cada personaje, que pretenden hacer y con qué objetivo. Creo con dos o tres números más las cosas hubieran estado mejor contadas y la sensación es que, ya sea por culpa de Remender, de Tocchini o de ambos, la sensación ha sido «vamos a cerrar el comic como sea». En todo caso, dado el retraso de este tema, casi mejor que hayan ofrecido este final ya y no demoraran más el cierre.

Donde además se ha notado un montón el salto temporal ha sido en el dibujo. En los tres años y medio transcurridos Tocchini ha cambiado su estilo de dibujo optando por unas páginas con muchas más líneas que en los comics precedentes. Tocchini no es un buen narrador, pero tiene un estilo super expresivo de gran personalidad que engancha con su alucinante uso del color. Él coloreó los 7 primeros números, para ser coloreado a partir del octavo por Dave McCaig, con resultados aún mejores, manteniendo el carismática color y la personalidad que otorgaba a las páginas, pero haciendo que la historia de leyera un poco mejor. La colaboración de Tocchini y McCaig ha llegado hasta este último volumen, algo de lo que sin duda me alegro.

En este último volumen choca muchísimo el cambio del estilo en el dibujo de Tocchini. De hecho, más que entre el final del volumen 4 (Oct-2017) y el inicio del quinto con el número 20 de en enero de 2019, el cambio se nota más evidente entre los números 22, publicado en mayo de 2019, y el 23, que salió con más de un año de diferencia, en julio de 2020 (post COVID). En este año de diferencia, Tocchini parece que estuvo trabajando en formas de narrar con las que se sintiera más a gusto, con líneas de entintado más visibles comparado con lo visto hasta ese momento. Lamentablemente, este cambio en mi opinión NO mejora a lo que teniamos antes, ayudando a que me quede con la idea que Remender y Tocchini de alguna manera debieron llegar a algún tipo de acuerdo para cerrar el comic de la forma que fuera.

La sensación de «apelotamiento» que comentada antes es una parte culpa de Remender, que mete demasiadas cosas en cada página para terminar la historia, pero también debido al déficit como narrador de Tocchini. Esto hace que la sensación de confusión esté presente en varios momentos del climax final, de forma que aunque me parece que LOW es un buen comic con un buen final, se me queda muy lejos de mis favoritos como Fear Agent o Black Science.

LOW ha terminado y el camino recorrido ha merecido la pena, incluso cuando la ejecución de este final no haya estado a la altura. Si te gusta la ciencia ficción interesante centrada en los personajes, date un capricho y prueba a leer este comic. Te lo recomiendo.

PUNTUACIÓN: 7/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Despierta la furia de Guy Ritchie

Guy Ritchie y Jason Statham se convierten en una combinación ganadora en Despierta la furia, remake de la película francesa Le Convoyeur de Nicolas Boukhrief en la que Ritchie juega a hacer varias películas en una, todas con gran éxito.

PUNTUACIÓN: 8/10

H (Jason Statham) es el misterioso tipo que acaba de incorporarse como guardia de seguridad en una compañía de blindados. Durante un intento de atraco a su camión, sorprende a sus compañeros mostrando habilidades de un soldado profesional, dejando al resto del equipo preguntándose quién es realmente y de dónde viene. Pronto se hará claro el verdadero motivo por el cual H está buscando un ajuste de cuentas.

Despierta la furia es la cuarta colaboración de Ritchie y Statham tras Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998), Snatch (2000) y Revolver (2005). Ritchie escribe el guión de este remake de la película francesa Le Convoyeur (2004) junto a Ivan Atkinson y Marn Davies. La película de casi dos horas cuenta con fotografía de Alan Stewart, montaje de James Herbert y música de Christopher Benstead.

Aunque Statham es el gran protagonista de esta película, Despierta la fueria cuenta con un grupo de secundarios de lujo entre los que encontramos a  Holt McCallany, Josh Hartnett, Scott Eastwood, Jeffrey Donovan, Laz Alonso, Jason Wong, Post Malone, Niamh Algar o Andy Garcia.

Guy Ritchie parecía que había perdido el toque con sus películas de gran gran presupuesto Rey Arturo y Aladdin, incluso aunque esta última fue un gran éxito de taquilla. Su vuelta al género criminal con The Gentlemen fue para mi un gran éxito y me animó a ver esta Despierta la furia sin ni siquiera haber visto el trailer. Y la experiencia de entrar en la sala de cine completamente desde cero ha sido una pasada que recomiendo a todo el mundo. (DEJA DE LEER AHORA MISMO Y VETE AL CINE A VER LA PELÍCULA)

Lo primero a comentar es que Despierta la furia juega de maravilla siendo dos películas en una, la típica historia de venganza para lo que el impasible Statham se ha convertido en un género en si mismo, y una historia de robos, al tener varias líneas argumentales sucediendo al mismo tiempo. La narrativa fragmentada de Ritchie hace maravillas con el guión de la película, al llevarnos adelante y atrás en el tiempo mientras va rellenando los huecos y conocemos los misterios alrededor de todos los personajes y nos mete en situaciones super chulas. Además, ver la historia ambientada en Los Angeles supone un interesante soplo de aire fresco mientras nos alejamos del cine criminal «londinense» de Ritchie.

Encuentro que Despierta la furia es además de una estupenda película de acción un ejercicio de estilo de Ritchie mientras juega a hacer que el espectador sintamos que nos encontramos en medio de la acción, algo muy palpable en la brillante escena inicial rodada desde dentro de un furgón, o en los largos travellings con los que seguimos a Statham. Y por si fuera poco, tenemos un climax en el tercer acto, cuarto según la estructura planteada por Ritchie, que me parece una pasada y que justifica de sobra el precio de la entrada.

En una película de acción de este tipo no se esperan profundos análisis psicológicos de los personajes, y H realmente es un témpano de hielo. Sin embargo, Statham es un DIOS en pantalla con un carisma y una presencia alucinante. Junto a él, secundarios como Holt McCallany, Josh Hartnett, Scott Eastwood, Jeffrey Donovan o Andy Garcia transmiten su carisma y buen hacer en los pocos minutos que están en pantalla.

Despierta la furia me ha gustado mucho. Creo que es un gran éxito que acierta en todo lo que plantea con una ejecución de 10. Dentro del cine de acción para mi es una de las grandes película de 2021, la recomiendo completamente.

Comparto el trailer de la película:

Si te gusta el cine de acción no te puedes perder Despierta la furia, un gran éxito que confirma que Guy Ritchie no ha perdido su toque y que merece ser un éxito de taquilla que le permita seguir haciendo más películas de este tipo.

PUNTUACIÓN: 8/10

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Crítica de Parker 3. El Golpe, de Darwyn Cooke (Astiberri)

Tenía ganas de retomar mis lecturas de Parker, la adaptación que Darwyn Cooke realizó en formato de novela gráfica de las novelas de género negro de Richard Stark (Donald E. Westlake), que en España publicó Astiberri. El Golpe es su tercera parte y como era de esperar, me ha encantado.

PUNTUACIÓN: 8/10

Parker, el truhán surgido de la pluma de Richard Stark (seudónimo de Donald Westlake), reúne la mejor docena de delincuentes que puede encontrar para dar su golpe más ambicioso: toda una ciudad. El equipo montado por Parker planea, prepara y ejecuta su plan con precisión militar sin percatarse de que todo está a punto de estallar en su propia cara. El golpe (The Score), considerado un hito en la serie de Parker, adapta la novela original del mismo título y fue llevado al cine en 1967 por Alain Cavalier como Saqueo en la ciudad.

El golpe es la tercera incursión de Cooke en las novelas de Parker tras El cazador (Astiberri, 2010) –que le valió los premios Eisner y Harvey al mejor autor de cómic y que ha contado con dos versiones en cine: A quemarropa, de John Boorman, y Payback, protagonizada por Mel Gibson– y La Compañía (Astiberri, 2011). El recopilatorio de ambas historias, bajo el título de Richard Stark’s Parker. The Martini Edition, ha obtenido dos premios Eisner en la San Diego Comic-Con de 2012. El golpe es la tercera de un total de cinco adaptaciones previstas de las novelas de Parker y está considerada como una de las mejores de la serie; de hecho sigue la exitosa estela de premios de las dos entregas anteriores y ha logrado el Eisner 2013 a la mejor adaptación de otro medio.

Donald Westlake falleció en diciembre de 2008, unos meses antes de la publicación del primer tomo de la serie, pero estaba entusiasmado con lo que había podido ver de los trabajos preliminares y el proceso de adaptación de Cooke, quien le había explicado: “No creo que necesite escribir más de un par de docenas de frases en cada libro. Tus palabras están ahí. Para mí tus diálogos son perfectos. Esto no es tanto un intento de interpretar tus palabras con las mías como de trasladar la historia a un medio diferente”. “Creo que estaba contento de saber cuáles serían las palabras que saldrían de la boca de los personajes”, sentencia Cooke.

La principal novedad de esta novela gráfica es la elección cromática elegida por Cooke. Y es que las novelas de Parker tienen la peculiaridad de ser novelas gráficas bitono, y si en La Compañía Cooke utilizó el azul como color básico, en este El Golpe opta por un amarillo ocre que inicialmente se ve super llamativo, pero una vez tu ojo se acostumbra funciona de maravilla y no general ningún problema.

Las novelas de Parker estaban ambientadas en el mundo de la época en la que Donald Westlake las escribió, los años 60. Para la época eran se sentían de rabiosa actualidad, pero claro, pasado medio siglo, para los lectores casi se trata de historia antigua. La elección cromática bitono ayuda a que el comic, que fue publicado originalmente en 2012, tenga una cualidad atemporal maravillosa. Al mismo tiempo, el estilo cartoon de Cooke también parece pensado para encajar en estas historias ambientadas en los años 60, y su narrativa es tan fluida y todo está contado de forma tan chula que en ningún caso «atemporal» hace que se sienta «viejuno». Al revés, todo parece actual e interesante.

Ahora ya estamos más acostumbrados a las historias de criminales, pero imagino que la popularidad en los años 60 de este tipo de novelas noir pobladas por seres amorales y malas personas debió ser un shock en su momento. Y en este sentido, Parker es super paradigmático de esta moda. Un tipo duro de pocas palabras que sólo se preocupa por si mismo y hace lo que sea para salirse con la suya, para el que vivir gracias al botín que obtiene de robos con lo que vive a todo tren es una forma perfecta de disfrutar de su vida.

Parker no hace nada que no le reporte un beneficio personal, por eso intenta no matar durante los golpes, no porque crea que está mal sino para en todo casi minimizar una eventual condena en caso que les pillaran, pero no tiene problemas en hacerlo si cree que alguien ha descubierto su tapadera. Y por eso a pesar de ser frío con todo el mundo, durante el golpe puede mostrarse amable y empático con los rehenes para evitar males mayores. Es curioso que lo que en estas novelas disfrutamos como un criminal carismático e interesante, en la vida real sería un sociópata de manual.

El golpe deja claro desde su título de qué trata y nos lo ofrece de principio a fin, siendo una lectura super satisfactoria. Dicho esto, y entendiendo que Cooke está adaptando la novela de Westlake y obviamente no va a cambiar la historia, si se nota en el guión la simplicidad de las historias de esa época. Lo digo porque estamos tan acostumbrados en películas y series actuales de género negro, y sobre todo al subgénero de robos tipo Ocean´s 11, el giro en la historia cuando las cosas se tuercen, que también lo estas esperando durante la lectura. Giro que… no llega a producirse.

En todo caso, esto es un comentario que en absoluto quiere desmerecer la calidad de esta novela gráfica, que me ha encantado y la he devorado de una sentada. De hecho, creo que todas las recomendaciones que haga no van a ser suficientes para alabar el extraordinario trabajo que Darwyn Cooke realizó en esta serie de novelas gráficas de Parker.

Comparto algunas páginas que Astiberri comparte en su web a modo de preview de esta obra. Aprovecho también para felicitar a la editorial por su modélica edición de estas novelas gráficas de Darwyn Cooke. Su tamaño es perfecto para facilitar la lectura y el disfrute de la historia, y me gusta el formato de tapa dura es excelente teniendo en cuenta el precio, que encuentro que es ajustado. Con ediciones así, da gusto ser lector y un poco coleccionista.

Ahora si, enjoy! :

El golpe nos devuelve al mejor Darwyn Cooke en plenitud creativa y me parece que tanto su arte como la ejecuciónson maravillosas. Una novela gráfica indispensable para todos los amantes del género negro.

PUNTUACIÓN: 8/10

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¡Saludos a todos!

Crítica de Ragnarök volumen 3 de Walter Simonon (IDW – Panini)

Walter Simonson tiene ya 74 años, pero eso no le impide ofrecer en su tercer volumen de Ragnarök, publicado recientemente por Panini, una nueva muestra de su envidiable solidez artística y creativa.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

La destrucción de Helheim

Continúa la revisión de los mitos nórdicos a cargo del legendario Walter Simonson. No todas las viejas historias son ciertas. Thor sobrevivió a la gran batalla de los dioses contra sus enemigos, y muchos de estos también lograron escapar. Ahora, su camino lo llevará a Helheim, el reino de la Muerte, donde se encontrará con multitud de amenazas: una mina de esclavos encargados de desenterrar minerales para forjar espadas que matan a dioses, lobos monstruosos que lo harían pedazos en su rabia y las innumerables huestes de Helheim. ¡Porque Thor busca el destino oculto de Hel, la Reina de los Muertos e hija de Loki!

Este volumen recopila Ragnarok: The Breaking of Helheim 1-6 USA, publicados en 2020.

Tengo que reconocer que antes de leer este nuevo volumen de Ragnarök que Panini publicó el pasado mes de abril, tuve que volver a leer los dos anteriores ya que prácticamente no me acordaba de nada. Y lo primero a destacar es que no recordaba que hubiera pasado tanto tiempo, ya que el primer volumen se publicó en 2016 y el segundo a finales de 2017. Es decir, han pasado más de tres años. Por un lado, el tiempo no cabe duda que pasa volando, pero no le recuerdo a Simonson otros trabajos que justifiquen esta tardanza, más allá de la propia vida y las piedras que nos va poniendo en el camino. Simonson dibujó si no recuerdo mal algún número suelto durante el final de la etapa de Jason Aaron en Thor y cada pocos meses veo una portada suya en algún comic suelto, pero poco más. A no ser que algo se me haya escapado, que también puede ser.

Puestos ya en faena, Ragnarök tiene lugar en un mundo en el que los dioses nórdicos cayeron hace siglos, y en el tercer volumen asistimos al viaje del renacido Thor a Helheim para descubrir que sucedió con Hel, la Reina de los Muertos. Y es curioso como partiendo que es un comic que me ha gustado bastante, toda la narración de Simonson tiene un feeling añejo como de otro tiempo. No es que esté mal, ojo, pero me siento como si volviera ser un chaval en los años ochenta y cogiera un comic de mi librería.

El viaje de Thor, y varias lineas argumentales secundarias que también iremos conociendo en este volumen tienen un estilo de narración super comprimida, como se hacía antes, de forma que pasan un montón de cosas en cada número y casi te dejan la sensación que lo que aquí leemos en una grapa, Marvel o DC lo hubieran exprimido sin duda en un arco argumental de cuatro o cinco números. La forma en que Simonson va al grano dándonos un montón de información y momentos super épicos me parece excepcional. El que tuvo, retuvo.

Sin embargo, debo reconocer que Simonson, manteniendo una lucidez envidiable teniendo en cuenta su edad, no consigue crear unos personajes que emocionen o que transmitan el carisma que se les supone. Algo que vemos sobre todo en lo relacionado a THOR. Todo es correcto y es genial ver las páginas de Simonson con colores de Laura Martin, asistida puntualmente por Lovern Kinzierski y Len O´Grady, pero al conjunto le falta algo para que me parezca un comic realmente grande.

Sobre el estilo de dibujo, en cuanto a narrativa y en lo referido a sus momentos grandilocuentes Simonson sigue siendo muy grande y me justifica de sobra comprar sus comics, sobre todo teniendo en cuenta que en el mejor de los casos (ojalá) hablamos de un tomo anual. Dicho esto, junto a sus grandes virtudes también encontramos viñetas en las que las figuras están apenas abocetadas y sin facciones en el rostro. Esto no es algo nuevo, incluso en su Thor en Marvel en los 80 las figuras en un segundo plano solían dejarse a medio hacer, por decirlo de alguna forma. Sin embargo, en este aspecto sí veo a un Simonson un pelín acomodado que evita dibujar más de la cuenta en escenas que sí necesitaban ese plus.

Puede que Ragnarök tenga cierta sensación “viejuna” y sinceramente no me ha flipado su lectura, pero mi corazoncito de fan veterano no puede más que alegrarse al comprobar que Simonson mantiene una solidez notable a sus 74 años, consiguiendo que la sonrisa brote en mi cara cada vez que veo un KRAKATOOOM!!! en la página.

Comparto las primeras páginas de este comic:

No tengo duda que seguiré comprando Ragnarök a medida que Simonson lo vaya publicando. De hecho, hay que agradecer que Panini se haya arriesgado a publicar este comic dado que no estamos hablando del artista “hot” del momento.

PUNTUACIÓN: 7,5/10

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Crítica de Oxígeno de Alexandre Aja (Netflix)

Netflix ha estrenado la última película de Alexandre Aja (Alta tensión, Las colinas tienen ojos, Horns), Oxígeno, una película vendida como «Buried de ciencia ficción» y que aprovecha de maravilla esta premisa para una buena historia que consigue mantenerte en tensión en su ajustado metraje.

PUNTUACIÓN: 7/10

Una mujer despierta en una unidad criogénica médica. No recuerda quién es ni cómo ha terminado encerrada en una caja no más grande que un ataúd. Mientras se queda sin oxígeno, debe reconstruir sus recuerdos para escapar de esa pesadilla.

Oxígeno es una coproducción francesa y americana a partir de un guión de Christie LeBlanc. A Alexandre Aja le acompaña Maxime Alexandre como director de fotografía, Hervé Schneid en el montaje y Robin Coudert en la música.

Mélanie Laurent es la gran protagonista como la amnésica que se despierta en una unidad criogénica médica de la que no puede salir miestras ve cómo el oxígeno se le está acabando. Laurent está omnipresente en los 101 minutos de película (títulos de crédito incluidos) y aparece el 99% del tiempo, si exceptuamos unos pocos elementos mostrados a modo de flashback. Junto a Laurent, tenemos la voz de Mathieu Amalric como la inteligencia artificial que controla la unidad criogénica del que tendrá que buscar respuestas ante su extraña situación.

En la mejor tradición de Buried, Oxígeno es un thriller claustrofóbico enmarcado en una historia de ciencia ficción que cumple más que de sobra con su objetivo de entretenimiento y en plantear una situación angustiosa para la amnésica protagonista. El hecho de empezar la historia en mitad de todo sin nada que ofrezca un contexto, aparte de unos misteriosos flashbacks que va recordando la protagonista, consiguió que estuviera super involucrado y preocupado por ella durante todo el metraje.

Como Rodrigo Cortés en Buried, Alexandre Aja realiza una estupenda dirección que consigue que lo que pasa en ese diminuto espacio nos interese gracias a la forma super chula que tiene de contar lo que está pasando. A su vez, he visto un guión bien planteado en la forma en que dosifica la información y las sorpresas que iremos conociendo a medida que avance la historia. Por supuesto, Oxígeno e un éxito gracias a Mélanie Laurent, a la que te crees en todo momento y que creo que lo hace genial.

Quizá el único pero es que dentro que los 95 minutos de metraje están super ajustados y la historia y los misterios que irá desentrañando la protagonista están bien planteados, se me quedó cierta sensación que el metraje es 5 minutos demasiado largo y que la trama sufre un pequeño bache más o menos a mitad de película, aunque la historia consigue remontar con su estupendo giro que marca el climax final.

Comparto el trailer de la película:

Oxígeno es una muy buen muestra de ciencia ficción claustrofóbica que cumple perfectamente con sus objetivos y me ha entretenido muchísimo.

PUNTUACIÓN: 7/10

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